Sembra aver riscosso la simpatia -o quantomeno la curiosità- degli abitanti di Matera l’installazione dell’artista mosaicista inglese Laura Hadland, una mega mosaico di 1.080 fette di pane tostato disposte in modo da riprodurre il ritratto di Monna Lisa.

La Hadland per la verità, era già famosa per un ritratto/installazione dalle dimensioni record, fatto sempre con le fette di pane, e curiosamente realizzata come regalo di compleanno per sua suocera. Comunque, il 24 aprile scorso giorno di Pasqua, un fitto via vai di teglie nella piazza materanese ha pian piano ricomposto il capolavoro che Leonardo da Vinci dipinse in un momento databile nei primi 10/15 anni del 1500.

C’è anche da dire che tutto quel pane è stato messo a disposizione dal Consorzio di Tutela del Pane di Matera IGP. Nel video si vede l’ultimo tocco alla composizione di 12 metri x 15, con tanto di commovente applauso finale; allora è proprio vero che l’arte illumina le città e avvicina la gente. Ma anche della serie: cosa non si può fare con il tostapane!

La Gioconda di pane tostato in Piazza Vittorio Veneto a Matera é stato pubblicato su artsblog alle 10:17 di giovedì 28 aprile 2011.

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La settimana scorsa è stata collocata nel centro di Londra (a Park Lane) Vroom Vroom, mano gigante che tiene stretta fra le dita una Fiat 500. Si tratta di un’opera di Lorenzo Quinn alta 4 metri e racconta in primo luogo della vicenda biografica dell’artista… la 500 è stata infatti la sua prima macchina.

Lorenzo, 44 anni, è figlio dell’attore messicano-americano Anthony Quinn, ma è italiano perché è nato in Italia ed ha sposato un’italiana. Dopo aver fatto l’attore si è dedicato alla scultura e alla gestione del suo ristorante a Barcellona, Galeria Gastronomica.

‘Vroom vroom’ – Emirati Arabi, Spagna, Inghilterra

‘Vroom vroom’ di Lorenzo Quinn arriva a Londra é stato pubblicato su artsblog alle 16:50 di lunedì 31 gennaio 2011.

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Nell’inverno 2008-2009 Letizia Moratti rimase senza sale perché l’aveva prestato a Chiamparino. A partire dal 21 marzo 2011 di sale a Milano ce ne sarà un’intera montagna, alta 20 metri e larga 30. Questa la trovata di Mimmo Paladino, per celebrare l’Unità d’Italia (e la sua prossima personale a Palazzo Reale), trasportando sale da Sud a Nord.

Ma non si tratta di una vera novità, la Montagna di Sale, da cui spuntavano sculture nere di animali e uomini, venne presentata per la prima volta nel 1995 a Napoli, in Piazza Plebiscito (nella foto sopra).

A Milano troverà collocazione tra la statua di Vittorio Emanuele II e il Duomo. Sopra ci saranno trenta o più sculture, tre cavalli e alcuni pezzi di bronzo.

In piazza Duomo, la montagna di sale di Mimmo Paladino é stato pubblicato su artsblog alle 17:14 di venerdì 21 gennaio 2011.

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Cosa fareste con una vecchia nave della marina statunitense nata durante la seconda guerra mondiale?

A parte qualche servizio fotografico a bordo un bestione (159 metri) di questo genere rappresenta un grosso corpo inquinante che va smaltito. Il governo degli Stati Uniti ha deciso di bonificarla, eliminando tutti i possibili componenti inquinanti e l’ha poi fatta affondare, quasi due anni fa, al largo delle sue coste.

Non si tratta del primo vascello affondato in questo modo e lo scopo è quello di promuovere lo sviluppo di una barriera corallina per offrire un rifugio ad alcune specie di pesci. Il National Geographic ha mandato una spedizione a controllare la formazione della barriera e non si può non rimanere impressionati da come la natura marina è riuscita a trasformare un semplice ammasso di ruggine in una vera e propria opera d’arte.

Via | NationalGeographic

Barriere coralline artificiali é stato pubblicato su clickblog alle 13:59 di giovedì 20 gennaio 2011.

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Un’azienda cinese specializzata in prodotti fotografici, Photoloving, ha presentato un nuovo flash trigger radio.

Leggendo le caratteristiche sembra che sia in grado di scattare a 500 metri di distanza con un’accuratezza del 90%. Le unità sono tropicalizzate e si possono raggruppare in 3 differenti gruppi. Per evitare interferenze si può impostare una canale a scelta fra i 16 disponibili.

L’unità è in grado di collegarsi a flash Canon, Nikon o torce da studio. Viene venduto a 99$ al pezzo. Ora non resta che attendere le prime recensioni per saggiarne le effettive qualità.

Via | LightingRumors

Ishoot Sniper é stato pubblicato su clickblog alle 13:00 di domenica 09 gennaio 2011.

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Fujifilm ha rinnovato al CES 2011 la sua linea di compatte resistenti a tutto con i due nuovi modelli Fujifilm FinePix XP30 e XP20.

Entrambi i modelli sono dotati di un sensore da 14 megapixel, uno schermo LCD da 2,7 pollici ed un obiettivo 5x che compre le focali equivalenti da 28mm a 140mm. Sono resistenti sott’acqua fino a 5 metri possono sopportare cadute da 1,5 metri e resistere al freddo fino a -10 °C.

La XP30 si differenzia dalla sorella minore XP20 per la presenza di un ricevitore GPS integrato per applicare le informazioni di geolocalizzazione ad ogni scatto. Saranno disponibili a partire da febbraio al prezzo indicativo di 199,95$ e 239,95$.

Via | PhotographyBay

Fujifilm FinePix XP30 e XP20 é stato pubblicato su clickblog alle 16:00 di venerdì 07 gennaio 2011.

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da: domiad

Descrizione: Panasonic Lumix FT10

Panasonic ha annunciato la nuova fotocamera Panasonic Lumix FT10, conosciuta come TS10 fuori dall’Europa.

Si tratta di una versione più semplice della Panasonic Lumix DMC-FT2, con un obiettivo zoom 4x che copre le focali da 35mm a 140mm. Resiste all’acqua fino a 3 metri ed a cadute da 1,5 metri, contro i 10m e 2m della FT2.

Le altre caratteristiche sono identiche come il sensore CCD da 14 megapixel e lo schermo da 2,7 pollici. Può registrare video HD 720p.

Prezzo suggerito al pubblico iva inclusa: 299,00 euro.

Via | PhotographyBlog

tratto da Domiad Photo Review

Fonte Google News

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Primo capitolo del corso C2 della sQuola Romana di Fotografia.
Si ringrazia prima di tutto 16ale16 per i contributi ad alcune parti di questo testo, poi flasher e tutti gli altri membri dell’organizzazione scolastica per gli spunti di discussione ed i suggerimenti.

Dopo aver affrontato il primo corso introduttivo (C1: Profondità di campo focale,diaframma e distanza, iperfocale) eccoci ad entrare nel mondo in cui la tecnica (intesa come fredda applicazione di regole matematiche) lascia il posto al senso artistico del fotografo e in cui non si riesce più a trovare consensi unanimi, ma ogni ragionamento può essere viziato da considerazioni ed esperienze personali.

Innanzitutto poche considerazioni generali.
Cos’è la Composizione? Difficile (se non impossibile) darne una definizione esaustiva o che almeno lasci intendere i tanti aspetti che ci si riferiscono.
Partendo da wikipedia: Composizione, nel linguaggio artistico, indica la disposizione/collocazione degli elementi all’interno di un campo visivo.

Se in pittura è l’artista a decidere come collocare gli elementi, in fotografia abbiamo dei vincoli spesso molto stingenti e dobbiamo usare la tecnica per ‘comporre’ una scena di cui non siamo i padroni. Questo è probabilmente l’aspetto più affascinante della composizione fotografica: riuscire a dare una lettura personale ed unica di una scena altrimenti ordinaria e poco interessante.
Come e più che nei confronti di un quadro il risultato potrà non piacere a tutti, anzi più larga sarà la base di consensi per una foto, più questa rischierà di essere ordinaria; solo i grandi artisti riescono a stupire le masse, i comuni mortali si devono accontentare di ottenere un consenso (ma non è poco )

Dove leggere di composizione (studiare non può limitarsi al leggere, ma è indispensabile tanta pratica)?
Esistono migliaia di testi, classici e moderni. Ciascuno di voi potrà trovarne altri, ma da un elenco bisogna pur partire.
Senza scadere sul Composition for dummies o andare su trattati accademici, alcuni testi non banali, ma accessibili sono:

• Michael Freeman – L’occhio del fotografo (The-Photographers-Eye). Letto in italiano (ben tradotto). Il migliore dei tre, approfondito ed appassionante.
• Bryan F Peterson – Learning to See Creatively. Letto in inglese. Stile molto moderno e dissacrante (come l’autore) è una raccolta di ricette pratiche.
• Robert Hirsh – Light and Lens – Photography in the Digital Age. Letto in inglese. Spazia oltre la composizione e contiene anche interessanti elementi di storia della fotografia come arte visuale.

Passiamo ora al corso.

Il corso C2 è intitolato: Inquadratura, lunghezza focale e prospettiva, regola dei terzi, rapporti aurei, simmetrie ed asimmetrie.
Il suo indice è:

• Inquadratura
• Lunghezza focale e prospettiva
• Regola dei terzi e rapporti aurei
• Simmetrie ed asimmetrie

Ne svilupperemo uno alla volta, in modo da favorire la discussione.

CAPITOLO UNO: Inquadratura

Troppo spesso questo che, a ragion veduta può essere considerato il primo elemento che abbiamo a disposizione nel curare la composizione fotografica, viene bistrattato dai fotografi intenti a puntare un soggetto che ha attirato la loro attenzione, salvo poi rendersi conto che il soggetto si perde nell’insieme, che è troppo ‘piccolo’, che ci sono elementi di disturbo o che al contrario mancano elementi di contesto utili a valutare pienamente il soggetto in relazione a ciò che ci ha permesso di notarlo.

Come si deve dunque scegliere l’inquadratura?
La scelta di una determinata inquadratura è prima di tutto il mezzo che abbiamo per escludere dalla vista dell’osservatore quello che non ci interessa o che non deve distrarre l’osservatore dal vero soggetto della nostra foto.

Alcune citazioni dotte sul tema.

“The camera is nothing but a vacuum cleaner picking up everything within range. There has to be a higher degree of selectivity.” – Ray Metzker dice che la nostra macchina altro non è che una aspirapolvere che raccoglie tutto quello che trova nell’inquadratura e che quindi dobbiamo essere selettivi; il fatto di essere selettivi ci costringe a doverlo essere a volte in modo spietato.

Ecco un’immagine di Ray Metzker, tagliata senza tanti complimenti:

“There is nothing worse than a sharp image of a fuzzy concept.” – Ansel Adams dice che nulla è peggio di un’immagine nitida di un concetto confuso (o sfocato, giocando sui tanti significati di sharp e fuzzy); egli membro fondatore del gruppo f/64, paesaggista sopraffino in quegli immensi spazi dello Yosemite Park ci ha abituato ad immagini piene di significato.

In questa famosa immagine Ansel Adams inserisce uno scorcio di paesaggio in modo che l’inquadratura valorizzi i rapporti esistenti tra le varie parti senza distrarre.

“If your pictures aren’t good enough, you aren’t close enough.” – Robert Capa dice che se la nostra foto non è abbastanza buona, allora non siamo abbastanza vicini; il reporter delle guerre ha un bel coraggio a dire di fare un passo avanti, ma l’impatto di certe sue fotografie è proprio legato al fatto che le inquadrature proiettano l’osservatore nella storia.

In una delle sue famose immagini, tecnicamente compromessa, l’inquadratura stretta sul soggetto pur rispettando il minimo di contesto necessario, ci proietta sulla spiaggia della Normandia.

Il noto motto ‘Fill The Frame‘ (riempi l’inquadratura) significa che è importante che l’inquadratura scelta racchiuda ciò che vogliamo rappresentare e, per quanto possibile, nulla più.
Spesso, analizzando una foto, ci capita di notare ‘elementi di disturbo’ che distarggono l’osservatore e non si riescono a collegare con il resto di ciò che cade dentro l’inquadratura.
Il fotografo ha davanti due scelte compositive di fronte a questo tipo di situazione:

• Eliminare dall’inquadratura ogni elemento superfluo rispetto al soggetto in modo da dare un messaggio semplice ed il più possibile univoco all’osservatore.
• Lasciare nell’inquadratura almeno alcuni degli elementi non immediatamente riconducibili con il soggetto. La presenza di soggetti (o oggetti) molteplici nell’inqudratura logicamente separati introduce potenzialmente nella foto tensioni dinamiche e contrasti che sono alla base di una composizione creativa. In questo caso ovviamente i rischi di fare ‘fiasco’ sono molto maggiori, per cui in assenza di motivazioni valide e di una consapevilezza del messaggio che si vuole dare fill the frame rimane il must.

Prelevando dalla mia esperienza personale, ecco un esempio del quale mi ricordo una sofferta ricerca dell’inquadrata più efficace. L’Estasi di Santa Teresa è un’opera magnifica che coinvolge l’osservatore, ma l’ambientazione tipica del barocco funziona molto bene dal vivo, mentre io non sono riuscito a trovare una rappresentazione che fosse valida usando un campo largo. Ecco che allora ho scelto di concentrarmi sul rapporto tra l’angelo e la santa, con un taglio deciso che ‘incorniciasse’ i due protagonisti.

Nell’ammirare le forme plastiche della Fontana del Nettuno a Roma, invece ho scelto di escludere ogni forma di riferimento esterno per rendere la foto astratta (pur potendo riconoscere i particolari) e decontestualizzata: forme e basta.

L’inquadratura e le linee

L’inquadratura gioca un ruolo importante anche per enfatizzare, in modo che può essere gradevole o meno, particolari elementi della foto.
Il principale di questi elementi che vengono fortemente influenzati dall’inquadratura è la linea.
Proprio per il fatto che l’inquadratura è una cornice fatta di linee, perpendicolari tra loro, grande importanza possono assumere i rapporti tra le linee che sono presenti nella foto e quelle che la incorniciano.
Allineare quindi linee presenti nell’immagine con i bordi dell’inquadratura porta ad enfatizzarle.
Un allinemento imperfetto risulta per molti versi sgradevole, perchè l’occhio è portato a cercare il parallelimo e, non trovandolo, rimane insoddisfatto.

Un tentativo imperfetto di giocare con le linee della facciata di Santa Maria sopra Minerva rende comunque le linee protagoniste al punto da trasformare l’immagine in una rappresentazione piatta, quasi fosse un foglio con stampati su note e pentagramma.

Per ragioni simili la presenza di angoli decisi tra le linee presenti nell’immagine ed i bordi della fotografia crea un effetto dinamico.

In questa immagine, sempre alla Fontana del Nettuno a Roma la presenza di un pezzo di obelisco verticale da un riferimento stabile all’immagine, mentre la lancia inclinata aggiunge tensione dinamica. La lancia non è in realtà l’unica linea presente, altre immaginarie appaiono e guidano l’osservatore ad esplorare la scena.

In conclusione curare un allinemento perfetto con i bordi o allontanarsi decisamente da esso, pena il laconico commento: “La foto è storta”.

L’inquadratura e la terza dimensione

L’inquadratura definisce due dimensioni fondamentali di una rappresentazione bidimensionale di un mondo a tre dimensioni. Se questo rappresenta uno degli elementi di fascino della fotografia, è anche vero che la terza dimensione va gestita in modo consapevole.
La profondità di campo (argomento studiato nel corso C1), applicata coerentemente alla scena aiuta a rendere la profondità della scena. Se lo sfondo incluso in una certa inquadratura non è interessante e disturba la scena la soluzione di sfocarlo è un classico.
Quando non si riesce ad evitare di mettere in relazione il soggetto con lo sfondo o si vuole che questo succeda allora entrano in gioco altri elementi che possono favorire o meno una composizione adeguata. Il discorso non è banale, ma è comunque importante considerare tutto ciò che entra dentro l’inquadratura, soggetto o sfondo. E’ importante, se lo sfondo non è rilevante ai nostri fini, che il soggetto sia chiaramente distinguibile da esso, ma questo è un tema che verrà affrontato più avanti.

Altri fattori, come le proporzioni tra le varie parti che compongono l’inquadratura (o vedremo nel capitolo 3) o i rapporti di simmetria e asimmetria (li vedremo nel capitolo 4).
La prospettiva, resa dal rapporto tra le distanze in gioco e quindi legata al punto di ripresa abbinato ad un opportuna focale (argomento del prossimo capitolo), è un elemento altrettanto cruciale.

L’inquadratura come strumento scenico

Dal punto di vista narrativo l’inquadratura può molto, permettendoci di includere o meno un oggetto nella storia che vogliamo raccontare o rappresentare. Molte sono le leve compositive che abbiamo a disposizione per scrivere questa storia e verranno affrontate man mano, ma per adesso basti pensare che tutto ciò che lasciamo entrare nell’inquadratura deve avere un ruolo. Una ripetizione, una simmetria, o invece un motivo troncato oppure una asimmetria sono messi a disposizione per noi, ma possiamo fare molto con l’inquadratura per enfatizzare o meno questi aspetti.

I formati

Un elemento doveroso da citare è rappresentato dai formati. Questi sono direttamente collegati al rapporto di aspetto (aspect ratio) che li caratterizza.
Molti sono i rapporti d’aspetto ovvero le proporzioni tra base ed altezza dell’inquadratura utilizzati nelle arti visive e tanto il cinema, quanto gli altri mezzi di fruizione di immagini hanno condizionato la nostra cultura a ruguardo.
In fotografia dominano i cosiddetti rapporti in proporzioni aromoniche:

• 1/1 ovvero quadrata
• Vari tipi di rettangoli con i lati in proporzioni: 1/2, 2/3, 3/4, 4/5.

E’ importante scegliere consapevolmente il formato di riproduzione della nostra fotografia perché l’inquadratura ne dovrà tenmere conto.
Se è vero che si possono tagliare le foto come si preferisce, è vero che discostandoci da rapporti già visti genereremmo nell’osservatore un probabile disagio (da sfruttare o meno).
Sui formati si suggerisce questa interessante lettura di approfondimento.

Per rendere l’idea dei vari formati usati nella fotografia ecco un’illustrazione con le note degli esempi più comuni per ogni formato.

Oggi in fotografia si è spesso influenzati dai rapporti d’aspetto tipici del cinema, specie quelli panoramici di cui sono qui illustrati i più diffusi.

Orientamento dell’inquadratura

Un tema collegato al formato è l’orientamento dell’inquadratura: verticale od orizzontale.
Dato per scontato che esso deve rispondere alle esigenze descritte fin’ora (riempire il fotogramma, rispettare le linee presenti nella scena) va detto che il formato orizzontale restituisce un senso di stabilità, mentre quello verticale è più dinamico.
Per scegliere l’orientamento giova molto una prima analisi del soggetto, da fare prima di inquadrare.
Sebbene non esista una risposta univoca a questo interrogativo, c’è un concetto da seguire (che non è legge scritta), che può essere di aiuto. Analizziamo infatti il soggetto e vediamo in quale direzione principale si sviluppa. Se ad esempio davanti a noi è il Colosseo, sicuramente questo sarà più largo che alto e quindi un orientamento orizzontale sarebbe da preferisi; mentre se scattiamo ad una persona, questa (quanto meno glielo auguro ) sarà più alta che larga e quindi un orientamento verticale sarebbe da preferirsi.
Rompendo questa regola (consapevolmente) si può inserire una tensione dinamica in una foto con sviluppo orizzontale ripresa invece in verticale od il viceversa; le ampie zone vuote (o non impegnate dal soggetto) lasciano spazio per l’osservatore da esplorare e chiedersi perché. Il più delle volte si chiederà: “Perché ha scelto questa inquadratura?”

Inquadratura, distanza dal soggetto e lunghezza focale

La distanza dal soggetto e la lunghezza focale sono due punti molto importanti da valutare. Quando si studia un’inquadratura ci si trova spesso a ragionare sulla focale più conveniente per fare entrare tutto quello che vogliamo (o per escludere quello che non vogliamo). E’ importante in questo caso ricordarsi che abbiamo anche i piedi e cercare un punto di ripresa adatto ad inquadrare tutto (e solo) quello che desideriamo usando la focale che ci piace. Il tema della focale da usare e della relazione tra punto di ripresa e prospettiva verrà affrontato nel prossimo capitolo, ma già ora iniziando a studiare le inquadrature, sperimentiamo diverse soluzioni di focale abbinate a diversi punti di ripresa. Anche questo è un modo per includere o escludere un oggetto dall’inquadratura, allineare i bordi con una linea od enfatizzare l’inclinazione di alcune linee rispetto ai bordi.

Inquadratura ed inclinazione verso l’alto o verso il basso della fotocamera
Cercando l’inquadratura perfetta, oltre a girare ansiosamente la ghiera dello zoom, ci si trova spesso a roteare l’obiettivo come fosse un fucile in caccia di immagini rare (shot non per niente significa sparare). Vedremo nel prossimo capitolo che l’inclinazione verso l’alto o verso il basso dell’obiettivo (basculaggio) produce distorsioni prospettiche (altrimenti dette linee cadenti) che in genere non donano all’immagine, specie se si tratta di architettura. Chiaramente una rottura netta di questa regola produce tensione dinamica notevole che può essere sfruttata (vederemo nel prossimo capitolo), ma va gestita con attenzione.
Un passo indietro può essere spesso una soluzione corretta più che l’accorciamento della focale, specie se si tratta di focali grandangolari.

Inquadratura e inclinazione a destra o sinistra della fotocamera
Un altro elemento da considerare nella corretta inquadratura è quello dell’inclinazione della macchina, che è ben diversa dal basculaggio. Mentre infatti per basculaggio si intende l’inclinazione verso l’alto o verso il basso, l’inclinazione indica se la macchina è inclinata (scusate la tautologia) verso destra o verso sinistra.
Foto con la macchina inclinata riprendono l’orizzonte non perfettamente orizzontale, ma inclinato e quindi la foto appare storta. Questo difetto può essere molto fastidioso in alcuni scatti, specie se la linea dell’orizzonte è ripresa nello scatto. Ad esempio se scattiamo la foto ad un lago o al mare, la linea dell’orizzonte deve essere dritta (orizzontale), avete infatti mai visto un orizzonte inclinato? Si svuoterebbe il lago

Come si fa a gestire questa variabile? Beh la prima cosa da fare è quella di attivare il reticolo nel mirino della propria fotocamera, laddove presente. Infatti questa funzione permette di visualizzare delle linee orizzontali e verticali nel mirino, che ci permettono di inquadrare correttamente. Ad esempio, per l’orizzonte, basta far sì che questo sia parallelo ad una delle linee orizzontali che si vedono nel mirino.
Alcuni modelli di reflex permettono di avere anche un altri strumento molto utile nello scattare orizzontale: l’orizzonte artificiale. In particolare questa funzione permette di sapere se la macchina è effettivamente “dritta” e se invece pende, in quale direzione.

Come abbiamo già detto più sopra a proposito delle linee e del loro rapporto con l’inquadratura le foto vanno fatte o molto storte o ben diritte, specie se in esse entra ima linea (l’orizzonte già citata, il bordo di un muro, la parete di un palazzo, una colonna, …) di cui si riconosce in modo inequivocabile quale debba essere l’inclinazione naturale.

Conclusioni

Molti altri sono i motivi per curare l’inquadratura e moltissimi i rapporti che è possibile creare tra questa e i soggetti contenuti nella foto, ma questi fatti dovrebbero da soli bastare a convincerci che l’inquadratura è il primo elemento da curare per qualsiasi composizione.

IL DECALOGO SULL’INQUADRATURA
A seguire una serie di regole, da infrangere solo dopo averle rispettate per un bel po’

• Scegliete il formato prima di scattare per quanto possibile. E’ vero che poi si possono operare ritagli a piacere della nostra foto, ma l’inquadratura è un elemento compositivo troppo rilevante per semplicemente buttare dentro un po’ di roba da selezionare con calma a a casa.
• Guardate ed analizzate il soggetto, per capire se inquadrare in orizzontale o verticale.
• Non inclinate la macchina a destra o a sinistra oppure fatelo in modo netto, pena la foto semprerà irrimediabilmente storta.
• Non inclinate la macchina verso l’alto o verso l’alto oppure fatelo in modo netto, pena la presenza di distorsioni prospettiche (linee cadenti).
• Rispettate le linee presenti nella scena e curate l’allineamento (o il disallineamento) tra queste ed i margini dell’inquadratura
• Riempite il fotogramma
• Non tagliate di poco un elemento rilevante della scena (esempio classico è l’amputazione o decapitazione di una persona). Tagliate in modo netto o per nulla.
• Valutate la distanza dal soggetto e la lunghezza focale da adottare (in attesa del capitolo due sperimentate)
• Summa delle precedenti alla Murphy: se all’allargare e stringere l’inquadratura non corrisponderà un suo adattamento alle linee presenti nella scena la foto verrà sbagliata. Corollario: qualunque quadrilatero regolare scegliate per la vostra inquadratura un elemento di disturbo entrerà inevitabilmente oppure un importante parte del soggetto uscirà senza possibilità di recupero.

ESERCIZI PER CASA
Come detto, non si può studiare la composizione sui libri, ma è necessario sperimentare molto e trovare un proprio modo di gestire gli elementi che abbiamo davanti.
Non è necessaria la macchina fotografica, anzi parlando di inquadratura è utile lasciarla a casa per un po’.
Meglio girare con una cornice vuota e inquadrare il mondo che ci circonda sperimentando tagli diversi; l’avrete visto fare ai registi o direttori della fotografia nei backstage. Rinunciare al mirino ha il vantaggio di vedere anche quello che circonda la nostra inquadratura e valutare un suo restringimento o allargamento.
INQUADRATE E VERIFICATE SE STATE RISPETTANDO IL DECALOGO
Poi verificate se il risultato vi piace e cosa manca per migliorarlo.
Analizzate se è necessario violare qualche ‘regola’ per ottenere lo scopo e chiedetevi se ha senso.
Altro esercizio per le giornate di pioggia è prendere una foto a campo largo e ritagliarla per evidenziare zone di interesse ed eliminare ciò che non ci interessa; vedrete che nel fare questo vi verrò voglia di esserci spostati per scattare. Bene siete pronti per il secondo capitolo

Fonte Google News

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dopo svariati mesi di d3000 ho scoperto che oltre le impostazioni “standard, neutro, saturo, ecc”, è anche possibile modificarle.
Dato che le mie foto mi sono sempre sembrate poco contrastate e poco nitide, ho aumentato i parametri di “standad”, aumentando quasi al massimo contrasto e nitidezza e dando un paio di “tacche”in più a saturazione.

La mia domanda è : questi parametri che ho dato, sono validi solo x lo scatto in jpeg?
ve lo chiedo perchè scattando in raw, non ho visto nessuna differenza tra le foto fatte prima e dopo le regolazioni…

Inoltre quasi sempre, quando scatto in raw, sono costretto ad aumentare i parametri “chiarezza e contrasto” con camera raw x ottenere dei risultati accettabili (secondo il mio parere) … è normale che ciò accada o c’è qualche altra impostazione che permette di regolare anche il file raw iniziale?

grazie a tutti.

Fonte Google News

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Ho bisogno di fissare la reflex ad un piano di legno e stavo cercando le viti “standard” usate per attaccare le teste dei cavaletti ai corpi macchina.

A me servono di 3 o 4 centimetri pero’ se non fosse possibile posso provare arrangiarmi anche con viti piu’ corte.

Qualcuno riesce a dirmi:

1) Che formato sono? Cosa devo dire in ferramente per farmi capire? Ho provato a spiegare che mi servivano quel tipo di viti e tutti mi guardano storto.
Leggendo un forum online in inglese ho letto che sono le viti diametro 1/4 di pollice filettatura passo 20. E’ giusta questa definizione? In italia usiamo i millimetri quindi non so se posso azzardare una banale conversione o devo usare qualche sigla tipo A5 o simili.

2) Dove posso comprarle se non in ferramenta?

Grazie mille a tutti in anticipo

Fonte Google News

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In questo topic vorrei presentare un tema molto scottante, che è quello del fotoritocco e della sua liceità. Ovvero, è lecito fotoritoccare?
Si potrebbero fare considerazioni lunghe km, stare qui a parlare per ore, ma quello che vorrei sottoporvi è un approccio del tutto personale verso l’argomento. Siete quindi ovviamente liberi di contraddirmi, ma quello che spero è che nasca un sano confronto, su un tema che ripempie spesso topic e discussioni.

Secondo me esistono due tipi di diversi di fotoritocco: lo sviluppo del file e il fotoritocco
Non voglio essere tautologico, ma quello che viene generalmente definito fotoritocco, secondo me è un secondo step nell’elaborazione di un file ottenuto dopo uno scatto.

Provo a spiegarmi, introducendo qualche dettaglio in più sulle due fasi introdotte precedentemente.

Immaginiamo di avere a disposizione 2 equipaggiamenti diversi:
1. Nikon D3000 + 18-55VR
2. Nikon D700 + 28-70/2.8

Con entrambe le macchine ci mettiamo sullo stesso treppiede, con la stessa inquadratura (quindi fate la conversione dell’angolo di campo), impostiamo gli stessi parametri di scatto (diaframma, tempo, sensibilità, saturazione, contrasto, ecc ecc) e facciamo la stessa foto.

Prendiamo le nostre macchine dopo aver fatto i due scatti e li confrontiamo. Sono uguali?
Ovviamente no, anzi, verosimilmente lo scatto della coppia D700+28-70 sarà migliore di quello D3000+18-55, ma questo significa che i due scatti non sono uguali

Eh già perché le due macchine non hanno ottenuto lo stesso risultato, nonostante l’estrema cura nel controllare che tutto fosse uguale. Un esempio banalissimo? Secondo voi la definizione del 28-70 e del 18-55 sono uguali? Beh sicuramente no, quindi tra le due foto, così al volo, già notiamo che c’è qualcosa di diverso, nonostante gli sforzi per avere tutto uguale.

Ancora? Beh le transizioni cromatiche, ovvero come si passa da un colore all’altro. Beh il 28-70 è un’ottica vecchia scuola, col transazioni dolci, mentre il 18-55 è sicuramente di concezione più nuova è sarà più plasticoso come resa, con gradini più evidenti tra i colori. Ma allora anche per questo aspetto el foto non sono uguali nonostante gli sforzi fatti per renderle tali…

Ancora? Beh il rumore. Gli ISO della D3000 hanno lo stesso effetto sulla foto di quelli della D700? Eppure sono su entrambe, ad esempio, 400ISO… Quindi anche per questo le foto non sono uguali

Questa digressione semplicemente per mostrare come ci sia una fortissima dipendenza dal mezzo, ovvero entrambe le macchine riprendono nelle medesime condizioni la stessa scena, ma danno due risultati diversi…
Non sarebbe allora lecito operare in una qualche maniera per avere le due foto uguali? Cioè mi spiegate perché io non devo ottenere due cose uguali in un contesto come questo? Non è lecito intervenire in post produzione per portare le foto allo stesso risultato finale?

Secondo me, e qui rinnovo la soggettività della trattazione, la risposta è positiva. Cioè mi sembra più che lecito agire per avere due foto uguali… Perché devo avere il limite del mezzo? Perché devo avere qualcosa di falso tra le mie mani?
Eh sì perché o la D3000 o la D700 hanno ritratto in modo artefatto la realtà, in modo falso, perché non hanno fatto la stessa cosa. Confrontando i due scatti, fatti nelle medesime condizioni, ho due cose diverse. Sicuro una delle due almeno rappresenta in modo falso la realtà…

Ecco quindi che questo scenario sembra essere uno per cui fotoritoccare è lecito, quantomeno per evitare che il fotografo si trovi davanti due rappresentazioni diverse della stessa realtà.

Ma detto questo, come si fa? Come si fa a stabilire chi ha detto il vero tra la D700 e la D3000? Beh l’istinto e il marketing ci portano a dire:”Uè ciccio, la D3000 sicuro ha fatto la foto falsa”, quindi l’idea istintiva sarebbe quella di portare la foto della D3000 verso quella della D700.

Ma siamo sicuri che la foto della D700 sia quella VERA?

Abbandoniamo cioè per un momento la coppia di macchine e lavoriamo solamente con la D700. Faccio lo stesso scatto, ma solo con lei e il 28-70 montato. Sono sicuro che è vera sta foto? Cioè senza preoccuparmi se ho fatto meglio o peggio di una D3000 con il 18-55, quello che la D700 ha fatto è VERO?
Beh bisogna vedere se la foto RAPPRESENTE IN MODO FEDELE LA REALTA’. E cioé?????? Come se fa sta cosa?

Beh innanzi tutto dobbiamo controllare se su macchina abbiamo la stessa cosa che i nostri occhi stanno guardando. Le famose transazioni cromatiche, le saturazioni, le rappresentazioni dei colori, la nitidezza, ecc ecc, sono VERE? Sono cioè identiche alle vere?

Beh per quanto uno si sforzi di comprare ottiche e corpi costosi e pregiati, niente è come i nostri occhi e ogni elemento introduce un suo modo di leggere le scene e questo va sempre bene?
Cioè siamo sicuri che quello che fa la macchina è esattamente quello che facevamo noi con gli occhi?

Nella mia esperienza ho potuto constatare che spesso, anche le macchine più elevate di fascia, hanno un’inevitabile distorsione della realtà, ovvero introducono un loro marchio sulla foto, rappresentando in modo più o meno veritiero gli elementi della scena. Perché io allora, in quanto essere che ha premuto il pulsante di scatto, non devo riportare la foto che la macchina ha fatto a quello che vedevano i miei occhi?

Perché non dovrei cioè sviluppare il file? Mutuo questo termine dalla pellicola per chiarire come sia secondo me addirittura necessario riportare a quanto si vedeva la scena catturata dalla reflex.

Molte molte volte sento gente che dice:”Io le foto non le ritocco, le lascio così come uscite dalla macchina. Queste sono foto vere, non quelle ritoccate”.
Ma siete sicuri che siano davvero VERE tali foto? In base a quanto detto prima, la macchina fotografica ha fatto una SUA cattura della realtà, che potrebbe discostarsi, e tanto, dal mondo che i notri occhi vedevano al momento. Perché allora “doversi accontentare”? O meglio, perché rendere lecito il fotoritocco che fa la fotocamera e colpevolizzare il nostro al computer?
Dopotutto io vorrei solamente riportare la foto a quello che vedevo, perché questo dovrebbe essere sbagliato?

Vorrei lasciare spazio ad un esempio fotografico, piuttosto che continuare con le parole. Le due foto allegate sono relative ad un RAW scattato al tramonto al lago di Bolsena. Come si nota il RAW ha delle tonalità molto meno sature, transazioni cormatiche delicate, ma non accentuate. Era davvero questo quello che vedevo mentre scattavo?
Nei miei occhi c’era davvero quello che il RAW rappresenta?
La risposta è ASSOLUTAMENTE NO, ovvero nonostante il 35/2 montato e la D700, comunque non c’è stata una rappresentazione REALE della scena.
La foto “elaborata”, o meglio sviluppata, è un tentativo di riportare la foto, l’immagine a quello che effettivamente vedevo con gli occhi.
E’ lecito secondo voi? Qual è vera e qual è falsa delle due foto?
Secondo quanto detto prima, così come la pensano in tanti, il RAW è la foto vera perché è uscita dalla macchina senza il minimo ritocco, ma vi posso garantire che non è così, perché quello che vedevo non è affatto quanto rappresentato dal RAW

La foto, VERA, ovvero quella che rappresenta al meglio quello che avevo visto, è quella sviluppata, quella cioé che ha i colori esattamente come erano al momento, la prospettiva esattamente come la vedevo al momento.

Se ci fate caso infatti ho scelto questa foto, anche per l’evidentissima distorsione prospettica e l’inclinazione dell’orizzonte visibili nel RAW. Nel JPEG è sparito tutto, orizzonte dritto e prospettiva corretta. Non è forse anche questo mettere mani sulla foto? Certo, ma se non l’avessi fatto, avrei rappresentato VERAMENTE la scena?
Beh no, perché la balaustra è dritta nella realtà e l’orizzonte è orizzontale.
Inoltre in questo scatto ho dovuto distorcere entrambi per poterli recuperare senza troppe difficoltà, quindi perché non dovrei sviluppare il file?

Come si nota cioè da quanto scritto, una prima fase di approccio al file è quella di riportarlo al vero, appunto di svilupparlo. Questo lo si fa inevitabilmente fotoritoccando, ovvero intervenendo al computer sulla foto, ma l’intento è quello di riportare “al vero” lo scatto.
Non mi piace che sia la macchina (più ottica) a dirmi cosa effettivamente c’era e come era. Sono IO che so come era la realtà che stavo riprendendo… la macchina è solo uno strumento al mio servizio per portarmi dietro QUELLA scena e se non ci è risucita, allora ci penso io a recuperarla.

Ma allora, il fotoritocco, ovvero la II Fase detta prima… che roba é? Beh ogni volta che supero la realtà col fotoritocco, introducendo qualcosa di eccessivo, valico lo sviluppo. Se cioè supero quello che effettivamente i mei occhi vedevano, se la mia rappresentazione non è realistica, allora ho fotoritoccato in modo secondo me criticabile.
Certo è che il limite è soggettivo e proprio di ogni foto, perché solo l’autore sa di preciso cosa c’era al momento dello scatto…

Con questo topic spero di aver suscitato se non altro senso critico sulla cosa, che poi può essere a favore o contrario, ma spero quantomeno se ne parli.
Il tema scotta, so benissimo di toccare delle corde molto sensibili, ma vorrei sapere cosa ne pensate…

Fonte Google News

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Insieme al nuovo AF-S 35mm f/1.4G Nikon ha presentato anche il nuovo teleobiettivo AF-S 200mm f/2G ED VR II.

Questo nuovo modello è composto da 13 elementi divisi in 9 gruppi fra cui sono presenti anche 3 lenti ED ed una Super ED. Lo stabilizzatore è stato aggiornato all’ultima versione che secondo l’azienda è in grado di correggere fino a 4 stop.

È stata aggiunta anche la nuova modalità A/M con la quale l’autofocus ha la priorità anche se si sta usando la ghiera di messa a fuoco. La distanza minima di messa a fuoco è di 1,9 metri. Il peso arriva a 2930 grammi.

Questo nuovo obiettivo non è certo per tutti con il suo prezzo indicativo di oltre 6300€. Sarà in vendita a partire dal prossimo mese.

Via | DPReview

Nikon AF-S 200mm f/2G ED VR II é stato pubblicato su clickblog alle 09:00 di mercoledì 15 settembre 2010.

Fonte Google News

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I° CanonClubItalia Art Director’s Cup (CCI AD’s Cup)!

tema: “INSIEME”

in palio:

Immagine ridotta: 77% della dimensione originale [ 826 x 248 ]

Immagine ridotta: 77% della dimensione originale [ 827 x 249 ]

CCI AD’s Cup REGOLAMENTO

Norme Generali:
- Ogni utente può postare una ed una sola foto.
- Le foto in gara devono essere postate in questo topic.
- Non è assolutamente possibile cambiare una foto già postata per la partecipazione al contest.
- La foto utilizzata per il contest deve essere “inedita”, cioè mai postata sul Domiad Photo Network (Gallery o Forum).
- i partecipanti non devono aver già postato foto simili o addirittura della stessa serie, né potranno postarne durante lo svolgimento del Contest
- In questo thread dovranno essere pubblicate solamente le foto in concorso: qualunque altro intervento sarà rimosso
- le immagini inviate per un contest non potranno essere riproposte per un’altro
- l’autore inviando la propria opera si assume ogni e qualsiasi responsabilità verso terzi sollevando esplicitamente il CCI e il suo Staff da ogni e qualsiasi responsabilità
- sono vietate foto di contenuto pornografico o eccessivamente erotiche
- Possono partecipare sia gli iscritti del CCI che gli iscritti del Domiad Photo Network di cui il CCI è parte integrante (Nikon Club Italia, Sony Alpha Community e Fuji Club Italia)
- possono partecipare tutti gli utenti (senza limiti di messaggi già postati e senza limiti di data di iscrizione) ed i membri dello Staff con le sole eccezioni dei Commentatori e del Direttore Artistico che restano esclusi

Responsabilità
- CanonClubItalia non può in alcun modo essere ritenuto responsabile di eventuali contestazioni riguardanti la paternità e l’autorizzazione alla pubblicazione; esse sono a totale carico dell’utente che ha inviato le immagini e che dichiara altresì di esserne Autore e detentore dei relativi Diritti di Pubblicazione con ciò sollevando esplicitamente il CCI e lo Staff da ogni e qualsiasi responsabilità in merito, in ogni e qualsiasi grado.
- Per ogni e qualsiasi altro parametro non espressamente previsto nel presente Regolamento, fa fede il giudizio del DA che è inappellabile.

Capitolato
- le immagini dovranno avere lato lungo di 1000 pixel (né più né meno) e 500kb di peso massimo. vietato postare su server esterni
- L’utente ha facoltà di pubblicare nuovamente la medesima foto nelle dimensioni e peso richiesti.
- Non saranno accettate foto postate su server esterni.
- Le foto postate all’esterno del topic non verranno unite ma verrá cancellato il topic creato dall’utente.
- La post produzione è da ritenersi libera da ogni vincolo.
- sono ammesse cornici o altri bordi fermo restando che esse saranno considerate, nel bene e/o nel male, nella valutazione dell’elaborato.
- sono consentiti titoli o didascalie, fermo restando che esse saranno considerate, nel bene e/o nel male, nella valutazione dell’elaborato.
- Le foto possono essere accompagnate da testo, fermo restando che esso sarà considerato, nel bene e/o nel male, nella valutazione dell’elaborato.
- E’ possibile inserire la firma o indicazioni di copyright nella foto, tuttavia l’Autore accetta l’eventuale penalizzazione che ciò potrebbe comportare nell’apprezzamento estetico dell’immagine stessa.

Tema
Il tema proposto è da intendersi vincolante nell’ambito di tutte le sue legittime interpretazioni o “declinazioni” che ciascun concorrente potrà e vorrà trovare, fermo restando il vincolo del non stravolgimento dello stesso. Saranno pertanto ammesse immagini che ne diano interpretazioni (a puro titolo di esempio e in senso non limitativo) figurate, evocative, descrittive, didascalico-documentaristiche, umoristiche ecc

COMMENTI:
- tutte le immagini inviate potranno essere commentate sia positivamente che negativamente dalla Giuria: gli autori accettano pertanto ogni e qualunque valutazione effettuata, anche pubblicamente, sulle proprie immagini
- si può partecipare con 1 e 1 sola immagine per ogni contest
- la valutazione della Giuria è inappellabile e insindacabile. ogni commento palesemente polemico porterà a sanzioni.

VOTAZIONE
il DA attribuirà il proprio giudizio alle immagini secondo diversi parametri di valutazione:
- idea
- tecnica esecutiva
- qualità finale
- attinenza al tema
- comunicativa
- fotografia
individuando così il 1° e 2° classificato che riceveranno rispettivamente 10 e 5 PuntiCCI , sarà facolta del DA menzionare eventuali altre opere che riceveranno 3 PuntiCCI.
- Ove necessario, eventuali ex-equo saranno valutati e risolti in totale autonomia dal DA, al cui giudizio ogni partecipante si rimette impegnandosi ad astenersi da qualunque polemica in merito.

Premi
- L’indicazione dei/l premi/io fornita nel presente annuncio è da intendersi NON vincolante.
- L’organizzazione e lo sponsor si riservano la facoltà di modificare i/il premi/io del contest in ogni momento per il sopraggiungere di difficoltà o impedimenti di forza maggiore.

- Al raggiungimento di 30PuntiCCI si riceverà in regalo una FOTOCAMERA DIGITALE COMPATTA CANON IXUS Dig.105 con SD2gb e Custodia

Immagine ridotta: 77% della dimensione originale [ 827 x 249 ]

- A fine anno, tra quanti avranno superato la soglia di 50PuntiCCI, verrà assegnato il SUPERPREMIO FINALE: FOTOCAMERA DIGITALE COMPATTA CANON POWERSHOT G-11!!

Immagine ridotta: 77% della dimensione originale [ 826 x 248 ]

NB: questa prima edizione della CCI AD’s Cup è da intendersi come sperimentale, data la forte componente di innovazione, pertanto potranno esserci delle variazioni nelle edizioni successive

il Contest inizierà alle ore 0:01 di domenica 18 luglio per terminare alle 23:59 di domenica 25 luglio

cos’è la CCI AD’s Cup?

come gia anticipato qui http://www.canonclubitalia.com/public/foru…up-t275713.html
si tratta di un ciclo di Contest che si affiancherà a quelli ufficiali, avendo caratteristiche, modalità, regolamento e finalità differenti.
Infatti mentre resta e anzi cresce il ciclo dei Contest tradizionali, cui da sempre si da ampio spazio come è giusto che sia, questa iniziativa vuole essere un qualcosa di più snello ma al tempo stesso una sfida ad un livello di difficoltà un pochino più alto, non fosse altro che per le modalità con cui si svolgerà: ovvero unan competizione serrata, cruda, e prolungata nel tempo in tappe la cui singola durata sarà invece brevissima… infatti saranno effettuati nell’arco dell’anno diversi Contest che avranno durata di pochissimi giorni, ll che costituisce una difficoltà non da poco e implica uno sforzo di ideazione, progettazione e realizzazione non indifferenti, tantopiù che non sarà dato alcun preavviso: infatti la data di ogni Contest non sarà resa nota fino all’inizio del contest stesso! Per ogni contest verrà attribuito ai vincitori e ai più meritevoli un punteggio e alla fine dell’anno, chi avrà raggiunto (sommando i punti di ogni Contest) determinate soglie riceverà il premio corrispondente.
Inoltre così come per i Contest tradizionali, verrà redatto un commento/motivazione per il vincitore.. ma potranno esserci commenti anche per i perdenti.. commenti ovviamente di tipo negativo! Insomma.. partecipare al CCI AD’s Cup significa sentirsi cuore e fegato di affrontarne le conseguenze! anche le eventuali esplicite stroncature! Infatti la Giuria sarà composta da un Giudice unico: il Direttore Artistico del CCI che valuterà in modo schietto e severo gli elaborati.. distribuendo così onori e cassazioni! Ma questo significa che chi la spunta… avrà ancor maggiore onore! Molti cadranno sotto la falce spietata e schietta del Direttore Artistico… ma chi avrà fantasia e tenacia… potrà avere buone probabilità di sopravvivere! Una lotta all’ultimo click col fiato sempre sospeso… ecco la CCI AD’s Cup!

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Lookstat è un sito sviluppato appositamente per i fotografi che lavorano nel mercato della fotografia microstock.

Il servizio consente ai fotografi di concentrarsi sulla produzione delle immagini, mentre il sito si occupa del caricamento e tag su più siti di fotografia microstock.

Particolarmente interessante, per gli utenti attivi, la possibilità di analisi molto dettagliata che consente di seguire in maniera semplice il rendimento delle vendite in base alle categorie o altri parametri personalizzati.

Via | Lookstat

Fonte Google News

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pubblicato da Derfy in: Fotocamere Panasonic Rumors

Secondo una recente indiscrezione Panasonic starebbe per svelare la Panasonic GH2, la prima micro quattro terzi senza otturatore.

L’annuncio dovrebbe arrivare in febbraio con la LX4, anche se un informatore asiatico parla di secondo trimestre. L’azienda avrebbe preso questa scelta per eliminare sia i costi di ricerca sia quelli di realizzazione dell’otturatore meccanico che fu sviluppato solo per le G1, GF1 e GH1.

Una novità che porta anche il vantaggio di avere scatti completamente silenziosi. Il problema di questo approccio è il possibile surriscaldamento del sensore che incrementerebbe il rumore nelle immagini registrate. L’azienda ha eliminato il problema utilizzando un processo di realizzazione del sensore a 35 nanometri.

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pubblicato da Derfy in: Fotocamere Panasonic

Come avevamo preannunciato Panasonic ha annunciato la nuova compatta Panasonic Lumix DMC-FT2 (TS2 in Nord America).

Si tratta di una fotocamera resistente agli urti, freddo, sabbia e con la possibilità di essere usata sott’acqua fino ad una profondità di 10 metri. È dotata di un sensore da 14 megapixel, obiettivo zoom 4,6x stabilizzato che copre le focali da 28mm a 128mm e schermo lcd da 2,7 pollici che è dotato di un pannello protettivo più spesso rispetto ai normali modelli.

Il ritardo di scatto è di soli 0,005 secondi e la messa a fuoco automatico aggancia il soggetto in un tempo che varia da 0,24s a 0,28s. Anche questo modello è dotato della nuova tecnologia Intelligent Resolution che, secondo l’azienda, consente di utilizzare uno zoom digitale fino a 1,3x senza perdere qualità. Sarà disponibile a partire da marzo.

Via | PhotographyBlog

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Prof.Angelo Meduri

 

 

Dopo aver imparato a trovare le costellazioni e gli oggetti celesti più importanti, si può avere il desiderio di fissare l’immagine su un supporto. La fotografia celeste (o astrofotografia) offre numerose attrattive ed apre ampi orizzonti di ricerca ai cacciatori di immagini. In effetti, ci sono diversi vantaggi rispetto all’osservazione visuale:

1)   E’ possibile avere a disposizione un documento che testimonia definitivamente tutto quello che si è registrato con la fotocamera in quel giorno;

2)   L’immagine così ottenuta rappresenta un documento fedele ed oggettivo, mentre l’osservazione visuale o il disegno sono soggettivi;

3)   Le esposizioni fotografiche consentono di accumulare la luce e di rendere visibili gli oggetti più deboli, anche quelli invisibili ad occhio;

4)   Le pellicole ed i sensori digitali offrono una gamma di sensibilità ai colori dello spettro molto estesa, perciò possiamo cogliere immagini  nell’infrarosso e nell’ultravioletto, con i colori degli oggetti celesti fotografati;

5)   La zona di cielo inquadrata da una fotografia è molto più estesa di quella che si osserva all’oculare di un binocolo o di un telescopio.

L’evoluzione del mercato informatico sta facendo calare l’interesse per la fotografia analogica in favore di quella digitale, infatti la fotografia digitale resta la più nitida (decine di Megapixel) e la più economica da realizzare.

 

 

Una reflex a pellicola.

 

    Per numerosi dilettanti appassionati di astrofotografia, la foto a vasto campo rappresenta il primo passo verso una visione più grande dell’universo di quella che il telescopio svelava alla mente del curioso. Per altri, questo può essere solo il primo passo sulla strada dell’apprendimento dei mezzi per realizzare fotografie molto belle ed eccitanti. Prescindendo dal motivo, la macchina fotografica reflex per il 35mm, dotata di un obiettivo normale da 50mm di lunghezza focale è lo strumento ordinario per la prima avventura in questo campo affascinante e misterioso. La macchina fotografica deve essere quindi reflex, dotata di posa B o T e provvista di un innesto per ottiche tra i più facilmente reperibili in commercio. L’impiego di un cavetto di scatto flessibile per agire a distanza permette inoltre di eliminare gran parte delle vibrazioni. L’otturatore deve restare aperto anche per diversi minuti, perciò è meglio se le batterie sono ben cariche.  

Fotocamera reflex digitale moderna.

    Gli obiettivi fotografici comuni sono diffusissimi, spesso vengono sottovalutati, ma consentono di ottenere immagini spettacolari, se utilizzati opportunamente. Il 50mm è chiamato normale, perché inquadra le cose come l’occhio umano, mentre gli obiettivi con focali più corte vengono chiamati grandangolari e quelli con lunghezze focali maggiori del 50mm teleobiettivi.   La fotografia astronomica a vasto campo si occupa delle costellazioni, degli oggetti del profondo cielo (nebulose, ammassi stellari, galassie), della Via Lattea, delle meteore e delle comete. La lunghezza focale F dell’obiettivo determina l’ampiezza del campo inquadrato, che deve essere scelto in relazione alle dimensioni dell’oggetto da fotografare. Per la Via Lattea, presa  da una parte all’altra dell’orizzonte, occorre adoperare focali da 8mm a 17mm di tipo fish-eye (occhio di pesce, 180° di campo inquadrato). Per ingrandire alcune parti occorrerà un 50mm oppure un 85mm, o più, mentre per avere sul fotogramma anche i particolari del paesaggio sarà utile un super-grandangolare di 14-20mm. Se si vuole fotografare invece la nebulosa di Orione ci vorrà una focale superiore ai 300mm. La tabella riporta le dimensioni angolari del campo inquadrato da ogni obiettivo sul fotogramma 24×36mm del piccolo formato 35mm. Naturalmente, si possono adoperare formati più ampi, o più piccoli, come il formato APS (1,5-1,6 volte più piccolo del 35mm).  

 

 

Lunghezza focale in mm	Dimensioni del campo	Angolo sulla diagonale del formato 35mm
14	81,2° × 104,2°	114,2°
18	67,3° × 90,0°	100,4°
20	61,9° × 83,9°	94,5°
24	53,1° × 73,7°	84,0°
28	46,3° × 65,4°	75,3°
35	37,8° × 54,4°	63,4°
50	26,9° × 39,5°	46,7°
85	16,0° × 23,9°	28,5°
105	13,0° × 19,4°	23,2°
135	10,1° × 15,1°	18,2°
200	6,8° × 10,2°	12,3°
300	4,5° × 6,8°	8,2°
400	3,4° × 5,1°	6,1°
600	2,2° × 3,4°	4,1°
800	1,7° × 2,5°	3,0°
1000	1,3° × 2,0°	2,4°
2000	41’ × 62’	1,2°
3000	28’ × 42’	50’

  

Oltre agli obiettivi a focale fissa, vi sono quelli a focale variabile, meglio noti come zoom; con essi non sempre esistono dei vantaggi, i principali punti critici sono i seguenti:

1)   il meccanismo che fa variare la lunghezza focale generalmente tende a spostarsi    durante le lunghe pose, rovinando così le foto, tranne che non sia dotato di un blocco;

2)   il costo di un obiettivo a focale variabile di alta qualità fino ai bordi è assai più elevato di un’ottica a focale fissa;

3)   la luminosità dell’immagine fornita dagli zoom generalmente è inferiore a quella degli obiettivi a focale fissa;

4)   gli zoom distorcono le immagini più facilmente;

5)   gli zoom pesano di più.

Da ciò si può dedurre che, se si sceglie di utilizzare un obiettivo zoom, si dovrebbe controllare attentamente il suo funzionamento. Recentemente sono apparsi sul mercato degli obiettivi zoom professionali di alta luminosità (2,8) con lenti asferiche per eliminare la distorsione e gli altri difetti delle immagini: essi offrono risultati decisamente positivi, superando talvolta le focali fisse! Ho provato uno di questi zoom alla massima apertura ed ho notato che il comportamento era uniforme da un bordo all’altro, non c’era traccia di distorsione e le aberrazioni erano quasi invisibili, tuttavia il funzionamento può variare con la lunghezza focale. Se alle lenti asferiche vengono abbinate anche le lenti a bassa dispersione, persino l’aberrazione cromatica diventerà irrilevante ed usciranno immagini straordinarie, anche a tutta apertura. Inoltre, ho utilizzato un 300mm a tutta apertura (2,8) ed ho ottenuto sempre immagini puntiformi su tutto il campo inquadrato (anche agli angoli), segno di un’ottima correzione delle aberrazioni e della vignettatura già dalla piena apertura.

L’apertura relativa (o luminosità f=F/D) di un obiettivo fotografico convenzionalmente varia secondo il tipo di progetto adottato. Solitamente è possibile fare variare la luminosità da un massimo (2,0) ad un minimo (22,0). Tra uno scatto e l’altro c’è una variazione del 50% (il diametro D si riduce di 1,4 volte), perciò se si apre di uno stop un obiettivo si avrà il doppio della luce, mentre se di chiude di uno stop si otterrà una riduzione della metà. Le grandi aperture sono assai vantaggiose in astronomia, poiché gli oggetti celesti hanno basse luminosità intrinseche e si deve inseguire per lungo tempo.

Alcuni filtri per obiettivi.

        L’inseguimento si effettua su di una montatura equatoriale con motore, dato che la Terra si sposta e gli oggetti sorgono, culminano e tramontano. Un errore comune che si osserva nelle foto a vasto campo è l’uso costante degli obiettivi alla massima apertura. Poiché quasi tutti gli obiettivi delle macchine reflex sono stati progettati per offrire la prestazione migliore a 1-2 valori dopo la massima apertura, l’uso dell’obiettivo a tutta apertura spesso accentua le aberrazioni, produce una vignettatura eccessiva e causa velature forti ed irregolari. Le ottiche delle macchine fotografiche comuni sono state progettate in modo da rispondere alle necessità dell’utente medio. Questi requisiti non sono tanto rigorosi come quelli della fotografia stellare, che è il test più severo per ogni obiettivo. Le aberrazioni sono difetti degli obiettivi che non si vedono facilmente sui ritratti o sulle fotografie di paesaggio. Oltretutto, nella maggior parte delle applicazioni di tutti i giorni, il fotografo è interessato soltanto alla parte centrale della fotografia, così le aberrazioni ai bordi passano inosservate. Per di più, nella maggior parte delle applicazioni fotografiche, gli obiettivi vengono utilizzati raramente in prossimità della massima apertura, il che rende meno appariscente la presenza delle aberrazioni e della vignettatura (=perdita di luce ai bordi).

Per le applicazioni astronomiche, il test più semplice per determinare l’apertura di diaframma migliore di ogni dato obiettivo è eseguire una serie di foto guidate del cielo notturno. Se l’obiettivo deve essere diaframmato oltre 2 valori dopo la massima apertura per ridurre le aberrazioni e la vignettatura a livelli accettabili, servirà poco nel lavoro astronomico. I vantaggi del diaframmare sono duplici: non solo si sopprimono le aberrazioni e la vignettatura, ma si riduce anche il velo di fondo, migliorando il contrasto da ogni parte. Con le nuove pellicole supersensibili che stanno uscendo, un’esposizione di 20 minuti a f/4 con una pellicola da 1000 ISO produrrà risultati stupendi. Con i sensori digitali riducete il tempo di posa almeno ad un terzo. Poiché le fotografie eseguite con un obiettivo da 50mm ed un motorino d’inseguimento di buona qualità non dovrebbero essere guidate con cannocchiali e oculari con crocicchio, non c’è motivo di rinunciare alla qualità per fare un’esposizione più breve. Per migliorare ulteriormente la resa degli obiettivi è conveniente utilizzare talvolta un filtro (UV, Skylight, giallo o rosso). Di recente sono comparsi sul mercato alcuni filtri, detti interferenziali, che bloccano certe lunghezze d’onda e ne trasmettono invece altre, tuttavia il loro costo resta ancora elevato.

Le tracce stellari lasciate dopo 45 minuti di posa a f/4 con un obiettivo di 35mm su pellicola di 400 ISO.

 

 

    L’attrezzatura ideale comprende quindi una serie di obiettivi per poter riprendere meglio i vari aspetti del cielo nelle diverse stagioni. In estate potete fotografare bene la Via Lattea, molte nebulose e ammassi aperti. In autunno puntate gli obiettivi sulla galassia di Andromeda, l’ammasso doppio del Perseo e su Cassiopea. D’inverno spiccano Orione con le sue nebulose ed il Toro con i suoi ammassi. Disporre di diversi obiettivi vi servirà per riempire meglio il fotogramma secondo l’oggetto desiderato. Occorrono, in linea di massima, un 24mm, un 50mm ed un 300mm, oppure uno zoom 28-70mm ed un 300mm. Si può acquistare poi un moltiplicatore di focale 1,4x. La possibilità di avere l’autofocus qui è inutile, giacché si lavora sempre impostando la messa a fuoco sull’infinito (∞), è importante invece disporre di una grande apertura (2 o 2,8). Se potete permettervi solo un obiettivo la scelta per eccellenza è quella di un 50mm, anche usato. Se usate il formato APS dovete impiegare invece un 30mm o un 35mm. L’impiego di un trascinatore è indispensabile ed implica pure la conoscenza della messa in stazione verso il Polo Celeste, aiutandosi con la Stella Polare. Il treppiedi (o cavalletto) è un altro accessorio indispensabile per la buona riuscita delle foto.

La cometa Hale-Bopp, apparsa nel 1997, fotografata con un obiettivo di 300mm a f/2,8 su pellicola di 800 ISO con una posa della durata di 8 minuti.

 

 

    Dopo aver montato un telescopio, nel luogo prescelto, sulla montatura equatoriale, si deve sistemare correttamente tutto l’insieme in modo da poter mantenere l’oggetto celeste costantemente puntato al centro del campo per ore. Ciò significa che si deve orientare con molta precisione la montatura del telescopio per farla funzionare perfettamente dopo aver bilanciato ogni parte dell’insieme. Per orientare correttamente l’asse polare della montatura esistono vari metodi, qui ne descriverò uno. E’ un metodo approssimato, che consente di fotografare con strumenti di corta focale in tempi abbastanza brevi. Questo procedimento permette di rendere l’asse polare della montatura parallelo all’asse di rotazione terrestre, in modo da riuscire ad annullare gli effetti del moto diurno, come previsto dalla teoria. Nell’emisfero boreale le stelle sembrano girare attorno alla Stella Polare ( Ursae Minoris), che è l’ultima stella della coda del Piccolo Carro. Gli appassionati che si recano nell’emisfero australe sono purtroppo meno fortunati dei loro colleghi, poiché le stelle prossime al Polo Sud Celeste non sono splendenti come la Stella Polare. Dunque, le stelle più vicine ai poli celesti sono la Polare (di magnitudine +2) e la σ Octantis (di magnitudine +5,5), che distano rispettivamente 48’ e 59’.  Innanzi tutto, si deve mettere in piano la montatura equatoriale, regolando la lunghezza delle gambe del treppiedi ed osservando la posizione della bolla di livello, finché non si sposta proprio sul centro. Le montature equatoriali alla tedesca spesso sono corredate da un cannocchiale polare (ad esempio 6×30, 8×50, 9×60, ecc.), perciò basta osservare direttamente nel cannocchiale per orientare correttamente l’asse della montatura. In pratica, la Polare deve rientrare in un apposito circoletto. Il cannocchiale polare ha un reticolo illuminato che contiene pure le posizioni delle stelle del campo vicine alla Stella Polare, regolabile tramite un disco orario ed un cerchio datario. I reticoli speciali servono proprio a facilitare l’allineamento polare della montatura. Questa regolazione permetterà di sistemare definitivamente l’inclinazione dell’asse polare della montatura e sarà utile ogni volta che si ritorna a fotografare sullo stesso sito. 

Stelle sopra la città fotografate con un obiettivo di 24mm aperto a f/2.8 per 60s a 800ISO.

 

 

  Il problema più difficile da risolvere per la fotografia celeste è quello della presenza dell’inquinamento luminoso, dovuto alle luci artificiali dei centri urbani ed extraurbani. Questo fenomeno arreca disturbo alla buona riuscita delle fotografie e si manifesta nelle vicinanze dei centri abitati, a causa del riverbero dell’illuminazione, che alla fine renderà le foto inaccettabili, con un cielo dalla tinta gialla, verde o grigia. La soluzione del problema richiede l’uso di un buon paraluce e la ricerca di luoghi più bui, dove la Via Lattea risalta bene anche ad occhio nudo. In Italia, i cieli più bui si trovano in Valle d’Aosta, sull’Appennino tosco-emiliano, vicino Grosseto, al confine tra Abruzzo e Molise, al confine tra Basilicata e Calabria, sulle vette centrali della Sardegna.

Comunque, non crediate che sia possibile ingrandire le stelle come piccoli globi, perché la loro distanza richiede focali di 200 metri. Di conseguenza, una stella resterà sempre un puntino sia con un obiettivo di 35mm, che con un 2000mm.

Per evidenziare la rotazione della volta celeste stellata, basta sistemare la fotocamera su un treppiedi, fare scattare l’otturatore via cavo e lasciarlo aperto diversi minuti, anche fino a 10-15 minuti per pose digitali, usando basse sensibilità, come 100 ISO, e diaframmi piuttosto aperti, come 2.8 o 4. Con le pellicole la posa deve essere unica, anche di diverse ore, mentre in digitale si sommeranno diverse foto al computer, sempre per ottenere come risultato finale delle strisce lasciate dalle stelle più luminose nel cielo notturno. Per quanto riguarda le pellicole da utilizzare (fresche e ben conservate), è opportuno sceglierne una piuttosto sensibile 400-1600 ISO, se invece si vogliono ottenere stelle puntiformi. Inoltre, quando si porta a sviluppare il rullino, occorre specificare che si tratta di foto astronomiche senza margini ben definiti e che si devono sviluppare senza tagliare la pellicola (si dice sviluppo in striscia). Durante la fase dello sviluppo, infatti, il macchinario o l’operatore potrebbero tagliare a metà una foto, perché fanno fatica a distinguere lo spazio vuoto tra due fotogrammi e lo sfondo del cielo, solitamente sempre nero. Il tempo di posa limite in minuti è dato dalla seguente tabella, per un cielo buio, limpido e senza Luna. Si tiene conto anche del difetto di reciprocità delle pellicole impiegate.

Rotazione delle stelle attorno al polo celeste nord ottenuta con un obiettivo di 35mm a f/4 e 2 ore a 200ISO.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Tabella del tempo limite di saturazione in minuti per varie pellicole e cieli assai bui.

 

 

 

Tempo limite in secondi per macchine fisse sul treppiedi e stelle puntiformi

La distanza in gradi è dall’equatore celeste, distante 90° dalla stella Polare.

 

 

 

 

 

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NIKON mostra di credere molto alla funzione video nelle sue reflex digitali. Infatti, dopo la D90 e la D5000 ecco una nuova versione della reflex di classe media D300 che guadagna, oltre alla lettera “s” nella sigla, la possibilità di effettuare filmati in formato HD 720p e non solo. In occasione del rinnovo della D300, infatti, il produttore giapponese ha rivisto anche altri dettagli della fotocamera tra cui la velocità di scatto in sequenza che è ora di 7 fotogrammi al secondo (8 con lo speciale Multi Power Pack) e la possibilità dello scatto silenzioso Quiet Drive molto apprezzata in ambienti ove i rumori dell’apparecchio possono disturbare il soggetto. La nuova Nikon D300s vede anche la presenza di due slot per schede di memoria, una di formato CompactFlash e l’altra SD, utilizzabili sia in contemporanea per registrare una copia di backup o in formato diverso sia separatamente. Rinnovati anche alcuni comandi e funzioni; presente ad esempio una funzione Info semplificata che consente di regolare rapidamente i parametri di ripresa così come la possibilità di visualizzare, nel display, una livella elettronica durante la funzione video. L’otturatore è testato per 150.000 cicli, mentre il corpo è impermeabilizzato. L’apparecchio è dotato inoltre di ingressi per microfono stereo e di possibilità di editare in modo semplice, i filmati ripresi, direttamente nell’apparecchio. Rimangono tutte le altre caratteristiche della precedente D300 a cominciare dal sensore da 12 megapixel formato Aps-C e dal processore d’immagine Expeed.
Insieme alla D300s la Nikon ha presentato anche una nuova reflex digitale di fascia economica che si chiama D3000 e rappresenta il nuovo biglietto di ingresso nel mondo Nikon reflex. Il nuovo apparecchio che sostituisce la D60, offre una sensore da 10 megapixel e diverse caratteristiche provenienti dai modelli superiori come ad esempio il processore d’immagine Expeed ed il sistema autofocus ad 11 punti già adottato nella D5000 e nella D90; inoltre l’apparecchio è dotato di display da tre pollici e funzioni facilitare tra cui una modalità guidata per chi ha meno esperienza con le fotocamere reflex. Avrà, a detta di Nikon, un prezzo estremamente competitivo.

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Presentate da PANASONIC quattro nuove compatte digitali che vanno ad arricchire la gamma Lumix. Unite da diverse caratteristiche comuni come la nuova tecnologia di stabilizzazione ottica Power O.I.S., che a detta della casa raddoppia l’efficienza rispetto alla precedente versione. Inoltre, sono tutte dotate di un sensore da 12,1 milioni di pixel ma si differenziano per rispondere alle diverse esigenze. Per la sua compattezza, la Lumix CX1 è stata concepita soprattutto per chi viaggia ed è stata dotata di un comodo obiettivo zoom 8X con grandangolare da 25mm e di modalità Travel che permette di impostare diversi parametri utili per memorizzare le informazioni del proprio viaggio. La Lumix FZ38, invece, è la classica bridgecamera che offre un potente zoom 18X, che grazie alla funzione Extra Optical Zoom può arrivare a 35,2X. Non manca lai registrazione video HD. La Lumix FP8 invece è una fotocamera estremamente sottile e veloce, infatti in appena 0,95 secondi si accende e garantisce un ritardo allo scatto di 0,006 secondi. Caratterizzata da un design innovativo con tasti posti al lato del display che si illuminano per essere visibili anche al buio. Infine, la Lumix FX60, che adotta uno zoom grandangolare da 25mm con luminosità f/2,8, come le altre nuove compatte dispone di un display LCD da 2,7 pollici con ampio angolo visivo.

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La nuova reflex Nikon si propone come “guida” all’affascinante mondo delle reflex digitali

Torino, 30 luglio 2009 – Nikon annuncia la reflex digitale più semplice e accessibile mai realizzata prima d’ora, la D3000.
Immaginate di avere in una fotocamera la più avanzata tecnologia utilizzata dalle reflex digitali unita ad una semplicità d’uso straordinaria: bene, state pensando alla nuova Nikon D3000.

Nikon dichiara che “con la D3000 si smentisce il luogo comune secondo cui le fotocamere reflex digitali siano complicate da utilizzare. La nuova reflex Nikon consente di riprendere immagini di qualità eccezionale con una semplicità mai vista prima. La fotografia si rivelerà un divertimento e, grazie al nuovo Modo Guida, sarà possibile ottenere grandi risultati con il minimo sforzo”.

Reflex digitale, pura e semplice
La Nikon D3000 è stata pensata per tutti coloro che desiderano realizzare fotografie senza doversi preoccupare delle impostazioni. È sufficiente scegliere tra le varie modalità scene proposte dalla fotocamera, oppure impostare una delle modalità presenti sulla ghiera, e la fotocamera farà il resto, consentendo, grazie ad una velocità di risposta molto rapida, di non perdere mai nessun momento decisivo. Il sistema di autofocus a 11 punti, inoltre, assicura una messa a fuoco precisa di tutti i soggetti ed il mirino luminoso garantisce di ottenere il risultato desiderato al momento giusto.

Immagini stupende, in automatico
Il sensore da 10,2 megapixel, il potente sistema di elaborazione delle immagini Nikon Expeed e la compatibilità con gli obiettivi Nikkor, assicurano immagini eccellenti in qualunque situazione, indipendentemente dalle condizioni di movimento del soggetto ripreso. Il sistema completo di misurazione esposimetrica, la sensibilità ISO estendibile fino a 1.600 ed il flash incorporato, inoltre, garantiscono la giusta luminosità anche in luoghi con scarsa luce.

Fatevi guidare
Il Modo Guida intelligente consente di ottenere il massimo dal potenziale che il mondo reflex digitale è in grado di offrire. Il modo guida semplifica le impostazioni della fotocamera e mostra come ottenere foto di grande qualità. Volete migliorare le vostre prestazioni di fotografo? Volete concentrarvi esclusivamente sul soggetto da riprendere? Bene, la Nikon D3000 consente di farlo in automatico, senza alcuno sforzo.

Monitor LCD da 3 pollici
Lo schermo LCD da 3 pollici consente di condividere le proprie fotografie con chiunque ed in ogni momento e rende il ritocco on camera delle foto un’operazione semplice e molto divertente. Oltre al modo guida, i menu di interfaccia grafica utente sono ancor più semplici, grazie soprattutto ad un maggiore utilizzo di immagini esemplificative a supporto. La vasta gamma di effetti di elaborazione di cui dispone la fotocamera consente, inoltre, di esprimere tutta la propria creatività.

Sempre e ovunque
Qualunque cosa facciate, ovunque andiate, per tutti i vostri giorni di vacanza o per gli eventi importanti, non potrete fare a meno della D3000. L’elevata tecnologia e la robusta struttura del corpo camera sono adatte a qualunque tipo di condizione climatica e pronte a soddisfare ogni vostra esigenza.
L’esclusivo doppio sistema di riduzione della polvere riduce al minimo l’impatto della polvere sul sensore di immagine; inoltre, il peso e le dimensioni compatte, nonché la robustezza del corpo camera, rendono la D3000 la scelta ideale per chi desidera una fotocamera che cresca di pari passo con le proprie capacità fotografiche ed artistiche.

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La nuova top di gamma Nikon DX offre un’ampia schiera di nuove opportunità creative

Torino, 30 luglio 2009 – Nikon è lieta di presentare la D300s, la fotocamera in grado di ampliare in maniera significativa le possibilità creative di tutti i fotografi.

Nikon dichiara che “la D300s, con sensore CMOS da 12,3 megapixel in formato DX, è stata progettata pensando anche alla nuova generazione di image maker creativi che desiderano combinare la possibilità di realizzare foto straordinarie con il potenziale creativo dell’acquisizione video”. Il formato DX con i relativi vantaggi derivanti dal più ristretto angolo di campo equivalente, le dimensioni compatte del corpo camera e l’ottimo rapporto qualità/prezzo rendono la nuova top di gamma Nikon formato DX la scelta ideale per tutti coloro che vogliono portare la “propria” fotografia ad un livello superiore”.

Acquisizione e editing di filmati HD con audio stereo
Nikon D300s amplia notevolmente le funzioni di acquisizione video DSLR grazie all’aggiunta di un ingresso audio stereo esterno ed alle funzioni di autofocus e di “editing” dei filmati direttamente “on camera”. Il supporto del microfono stereo esterno conferisce un maggiore realismo ai suoni durante la ripresa di filmati e il nuovo pulsante Live View dedicato, semplifica ulteriormente il passaggio da foto a filmati e viceversa.

Per effettuare l’editing dei filmati direttamente “on camera”, è sufficiente selezionare i punti di inizio e fine durante la riproduzione, e la fotocamera penserà ad effettuare la modifica. Inoltre, la nuova interfaccia HDMI di tipo C consente di apportare le modifiche anche visualizzando foto e filmati su un monitor o televisore HD.

Supporti di memorizzazione a doppio slot
Per la prima volta in questa serie di fotocamere, Nikon D300s consente di scegliere fra due supporti di memorizzazione standard, CF (Compact Flash™) e SD (Secure Digital™), con la possibilità di gestire le relative opzioni di memorizzazione.
Ad esempio, è possibile memorizzare le foto nella CF card ed i filmati nella SD.

Riprese rapide e di qualità eccellente
Nikon D300s è in grado di acquisire immagini all’incredibile velocità di 7 fotogrammi al secondo, senza necessità di battery pack aggiuntivi. Il battery pack MB-D10 opzionale consente di raggiungere la velocità di 8fps e di ottenere una migliore ergonomia di scatto verticale.
Questa fotocamera incorpora le avanzatissime tecnologie imaging della D300, come il sistema di riconoscimento scena con misurazione esposimetrica dei colori RGB e le eccellenti prestazioni di autofocus, garantite dal sistema Multi-CAM3500 a 51 punti, che consentono una accurata messa a fuoco, una precisa esposizione automatica ed un ottimo controllo del bilanciamento del bianco. Il sistema di elaborazione immagini Nikon Expeed, permette di realizzare immagini eccezionalmente dettagliate, contraddistinte da colori vividi, tonalità uniformi nella resa dell’incarnato e da una riduzione al minimo dei disturbi. Tutto ciò, insieme alla flessibilità dell’esclusivo sistema Nikon di controllo immagine Picture Control, che garantisce la massima flessibilità di controllo.

Ergonomia e controlli intuitivi
Il corpo camera, sviluppato sul modello D300 ed apprezzatissimo da professionisti e fotoamatori evoluti, adotta lo stesso multi-selettore della serie D3, che include un pulsante centrale anche impiegabile per l’avvio e interruzione dei filmati. D300s dispone inoltre della modalità scatto silenzioso, in grado di ridurre il suono prodotto dall’abbassamento dello specchio della fotocamera durante la ripresa.
Il pulsante Info semplifica la visualizzazione e i collegamenti delle impostazioni comuni mentre il diffusore incorporato del flash a sollevamento automatico garantisce un campo di illuminazione impiegabile fino ad angoli di campo di focali pari a 16 mm.

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Volendo dare una risposta alle esigenze degli Scultori in termini di espressività e libertà creativa, l’organizzazione del Premio Arte Laguna ha deciso di comprendere nella sezione scultura anche le installazioni. Le misure massime consentite sono state portate a 4 metri per lato e il peso è stato elevato fino a 150 Kg.
Inoltre nel sito www.premioartelaguna.it sono presenti le viseo interviste ai presidenti di giuria del Premio.
Si ricorda che l’iscrizione al Premio Speciale “Tenuta S. Anna” scade il 30 Settembre 2009. Il Premio Speciale “Collezione d’Arte Tenuta S. Anna” è riservato agli artisti che si iscrivono con 2 opere alla sezione pittura. In palio 5.000 euro e la riproduzione dell’opera vincitrice sulle etichette di una prestigiosa linea di vini.

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pubblicato da Derfy in: Tecniche Accessori

L’esposimetro è lo strumento che si usa in fotografia per determinare la quantità di luce presente in una scena.

Lo strumento fornisce un valore di esposizione da usare come base per avere la coppia tempo/diaframma migliore. Per esempio nel video la lettura segna f/8 a 1/30s, ma se volessimo scattare a f/2,8 per limitare la profondità di campo il tempo di esposizione scenderebbe a 1/250s.

Si tratta di uno strumento molto utile soprattutto quando si fotografano scene difficili con particolari molto chiari o molto scuri che possono confondere l’esposimetro integrato all’interno della fotocamera rendendo, quindi, la foto sovraesposta o sottoesposta.

Via | CameraDojo

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La storia si chiude. Da molti anni ormai la Kodak aveva mostrato l’intenzione di terminare la produzione della pellicola per diapositive a colori Kodachrome in vendita dal 1935. Ma le poteste degli utenti (e dei non utenti) l’avevano indotta a tenere in vita una piccola produzione le cui scorte si esauriranno nei prossimi mesi. Oltre al crollo delle vendite dovuto a nuove emulsioni e poi al digitale, la crisi del Kodachrome è dovuta alla scomparsa del cinema a passo ridotto (Super-8), poi alla difficoltà di reperire alcuni componenti chimici, all’aumento del costo degli stessi. Dal punto di vista pratico all’aumento del costo della pellicola, arrivato fino a 25 dollari, è corrisposta la quasi scomparsa dei laboratori in grado di trattarla. Oggi solo la ditta Dwayne’s Photo nel Kansas, è in grado di eseguire il trattamento. Inventata da due musicisti, Leopold Mannes e Leopold Godowsky (foto nella home) con l’hobby della chimica, è stata la pellicola che più ha segnato la storia della fotografia a cominciare dalla foto dell’incidente del dirigibile Hindemburg nel 1937, l’unica a colori. Per l’occasione Kodak ha creato una galleria di immagini famose dedicata alla pellicola nel suo sito ove saranno realizzati podcast dei fotografi Steve McCurry e Peter Guttman.

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pubblicato da Derfy in: Accessori

Fantasea ha annunciato un nuovo flash per la fotografia subacquea: Remora Slave Flash.

È stato studiato appositamente per le custodie subacquee e può arrivare fino a 55 metri di profondità. Il numero guida di questo flash è 20 e si può utilizzare sia per macro sia per visioni panoramiche.

La potenza si può impostare manualmente per avere sempre la giusta quantità di luce con 4 differenti pre-flash. Il prezzo non è ancora stato comunicato.

Via | PhotographyBlog

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pubblicato da Derfy in: Nikon

Nikon ha presentato un’offerta per l’acquisto della compagnia belga Metris specializzata in macchinari ad alta precisione, soprattutto per il settore aereospaziale.

La proposta prevede un prezzo di 5,50€ per ogni azione che è praticamente il doppio del valore che avevano il 26 maggio. La manovra complessiva arriverebbe a circa 70 milioni di euro.

La compagnia per la crisi economica mondiale è stata duramente colpita con un debito che è arrivato a 87 milioni di euro.

Via | Cnbc

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pubblicato da Derfy in: Fotocamere Curiosità

Gli scienziati sono alla ricerca di prove sulla materia oscura che dovrebbe costituire il 95% della massa dell’universo.

Per scandagliare lo spazio spesso sono state realizzati fotocamere digitali composte da più sensori CCD ed accoppiate a telescopi. Il Large Synoptic Survey Telescope (LSST) è un telescopio composto da 3 specchi con un diametro di 8,4 metri e con una fotocamera da 3,2 gigapixel.

Potrà scattare una foto ogni 15 secondi registrando la luce nell’intervallo fra 350nm e 1070nm. Per chi fosse interessato è disponibile la descrizione dettagliata di tutte le fasi di montaggio e costruzione.

Via | Spie

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Roma – Seguendo le orme di Canon e Nikon, anche Pentax ha annunciato la sua prima reflex digitale con funzionalità di registrazione video HD. Si tratta della K-7, un modello che si colloca al vertice dell’offerta Pentax e che corteggia sia gli amatori evoluti che i professionisti in cerca di un corpo macchina di riserva o per tutte le occasioni.

La nuova K-7 condivide molte delle caratteristiche della K20D, tra cui un sensore CMOS da 14,6 megapixel in formato APS-C, una profondità colore di 12 bit, un sistema di messa a fuoco a 11 punti, una sensibilità ISO compresa tra 100 e 3200 (con estensione a 6400), e la tecnologia Live View.

Rispetto al modello precedente la K-7 migliora soprattutto la velocità di raffica, ora capace di raggiungere le 5,2 foto per secondo (per un massimo di 40 JPEG, 15 RAW e 14 DNG); estende la copertura della scena inquadrata dal mirino, ora pari al 100 per cento della scena ritratta; include un sistema esposimetrico a 77 segmenti (contro i 16 della K20D); e porta la dimensione del display a 3 pollici e la sua risoluzione a 921mila punti. Senza dimenticare che, grazie al corpo in lega di magnesio, le dimensioni sono diminuite senza sacrificare la robustezza e la rigidità complessiva.

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20.02.2009 - CANON annuncia novità per la vetrina dell’imminente edizione del PMA di Las Vegas. Per il momento, si tratta di nuovi obiettivi e fotocamere. Gli obiettivi in questione sono il 17mm ed il 24mm TS-E, basculanti e decentrabili con apertura rispettivamente f/4 ed f/3,5. Grazie al sistema di rotazione di Canon, il senso di basculaggio e quello di decentramento sono indipendenti tra loro, consentendo un controllo separato della prospettiva e della profondità di campo. Entrambi sono ideali per la fotografia di architettura. Tra le nuove compatte digitali Powershot, c’è la prima fotocamera Canon resistente all’acqua, la D10. Con questo apparecchio si può arrivare ad una profondità di 10 metri e scattare alla risoluzione di 12,1 milioni di pixel con l’ausilio anche di uno zoom ottico 3x. Il guscio garantisce anche la protezione da urti, cadute (da poco più di un metro), polvere e dal freddo (utlizzabile fino a -10°C).

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