AmoK Exif Sorter è un programma per rinominare le vostre foto in base ai metadati, Exif o Iptc, contenuti nei file delle vostre foto.

Tra queste informazioni ci sono la data e l’orario dello scatto, la posizione geografica (se la fotocamera è dotata di ricevitore GPS), l’apertura, il tempo di esposizione, la dimensione dell’immagine, il modello della fotocamera e molto altro ancora.

Oltre a dare ai file il nome che più preferite può anche organizzare un intero albero di cartelle per tenere tutto ordinato. Per semplificare il lavoro viene offerta un’anteprima del nuovo nome del file prima di iniziare le operazioni vere e proprie.

AmoK Exif Sorter è scritto in Java e quindi può funzionare su quasi tutti i sistemi operativi.

Se per le vostre foto utilizzate un filesystem che è dotato di supporto per evitare la duplicazione dei dati potete anche dire al programma di copiare i file in differenti alberi di directory in modo da poter accedere all’immagine da percorsi differenti certi di salvare sul disco una sola copia dei dati. Per esempio potete sfruttare Single-instance storage su NTFS di Microsoft oppure altri filesystem come ZFS e BTRFS disponibili per sistemi di tipo Unix.

Via | LifeHacker

AmoK Exif Sorter é stato pubblicato su clickblog alle 13:30 di giovedì 13 gennaio 2011.

Fonte Notizia

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Tutti sappiamo quanto sia importante la sicurezza dei nostri dati e quando si è in giro con dei dischi esterni le precauzioni non sono mai troppe.

In questi anni sono aumentati gli accessori per rendere più sicura la vita dei nostri hard disk quando siamo fuori. IoSafe ha presentato un nuovo prodotto dalle caratteristiche interessanti. Si tratta di una custodia USB 3.0 realizzata in alluminio o titanio che può resistere fino a 3 giorni sott’acqua (fino a 3m o 9m se il disco è tradizionale o SSD), cadute da oltre 3 metri, a schiacciamenti da 2250kg e rimanere funzionante anche dopo un’ora di bagno di oli, acidi o carburanti vari.

Una vera e propria armatura per il vostro disco. Nel video qui sopra potete vedere una prova molto “americana” in cui un disco protetto da ioSafe diventa il bersaglio prima di un calibro 12 da caccia e dopo di un fucile M16.

Via | Iosafe

ioSafe, dischi a prova di proiettile é stato pubblicato su clickblog alle 10:00 di mercoledì 12 gennaio 2011.

Fonte Notizia

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Salve a tutti!,

Sto per effettuare l’acquisto di una nikon D3000 con kit 18-55, per entrare anche io nel fantastico mondo della fotografia, che mi ha sempre affascinato.

Siccome sono alle primissime armi e il mio buget non è altissimo, credete che questa macchina sia adatta per me?.-

Un dubbio mi vorrei togliere, siccome io vorrei scattare foto anche in disco e pub oltre che all’ aperto, quest’ obbiettivo o il flash potrebbero darmi fastidio?, o andrebbe bene?.

Spero di poter ricevere risposte e consigli, quanti più possibili.

Se scrivo qualche sciocchezza ricordate che sono un dilettante!

Fonte Google News

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ciao a tutti. Possiedo una nikon d80 comperata usata e mi ci trovo decisamente bene, ma ho sempre avuto il tarlo di non poter utilizzare i vecchi obiettivi m42 della fujica del mio babbo(un mir 20mm, dei fujinon e uno zeiss pancolar), tempo fa mi hanno regalato un adattatore con lente correttiva ma senza conferma di messa a fuoco e esposimetro son più le bestemmie che i risultati.
girando on web son incappato in questo:

http://www.george-orwell.us/nikon-discount/per_nikon.html

intendo il primo della lista. Qualcuno di voi sa se questi aggeggi funzionano?si riesce ad avere anche l’esposimetro?

Fonte Google News

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Primo capitolo del corso C2 della sQuola Romana di Fotografia.
Si ringrazia prima di tutto 16ale16 per i contributi ad alcune parti di questo testo, poi flasher e tutti gli altri membri dell’organizzazione scolastica per gli spunti di discussione ed i suggerimenti.

Dopo aver affrontato il primo corso introduttivo (C1: Profondità di campo focale,diaframma e distanza, iperfocale) eccoci ad entrare nel mondo in cui la tecnica (intesa come fredda applicazione di regole matematiche) lascia il posto al senso artistico del fotografo e in cui non si riesce più a trovare consensi unanimi, ma ogni ragionamento può essere viziato da considerazioni ed esperienze personali.

Innanzitutto poche considerazioni generali.
Cos’è la Composizione? Difficile (se non impossibile) darne una definizione esaustiva o che almeno lasci intendere i tanti aspetti che ci si riferiscono.
Partendo da wikipedia: Composizione, nel linguaggio artistico, indica la disposizione/collocazione degli elementi all’interno di un campo visivo.

Se in pittura è l’artista a decidere come collocare gli elementi, in fotografia abbiamo dei vincoli spesso molto stingenti e dobbiamo usare la tecnica per ‘comporre’ una scena di cui non siamo i padroni. Questo è probabilmente l’aspetto più affascinante della composizione fotografica: riuscire a dare una lettura personale ed unica di una scena altrimenti ordinaria e poco interessante.
Come e più che nei confronti di un quadro il risultato potrà non piacere a tutti, anzi più larga sarà la base di consensi per una foto, più questa rischierà di essere ordinaria; solo i grandi artisti riescono a stupire le masse, i comuni mortali si devono accontentare di ottenere un consenso (ma non è poco )

Dove leggere di composizione (studiare non può limitarsi al leggere, ma è indispensabile tanta pratica)?
Esistono migliaia di testi, classici e moderni. Ciascuno di voi potrà trovarne altri, ma da un elenco bisogna pur partire.
Senza scadere sul Composition for dummies o andare su trattati accademici, alcuni testi non banali, ma accessibili sono:

• Michael Freeman – L’occhio del fotografo (The-Photographers-Eye). Letto in italiano (ben tradotto). Il migliore dei tre, approfondito ed appassionante.
• Bryan F Peterson – Learning to See Creatively. Letto in inglese. Stile molto moderno e dissacrante (come l’autore) è una raccolta di ricette pratiche.
• Robert Hirsh – Light and Lens – Photography in the Digital Age. Letto in inglese. Spazia oltre la composizione e contiene anche interessanti elementi di storia della fotografia come arte visuale.

Passiamo ora al corso.

Il corso C2 è intitolato: Inquadratura, lunghezza focale e prospettiva, regola dei terzi, rapporti aurei, simmetrie ed asimmetrie.
Il suo indice è:

• Inquadratura
• Lunghezza focale e prospettiva
• Regola dei terzi e rapporti aurei
• Simmetrie ed asimmetrie

Ne svilupperemo uno alla volta, in modo da favorire la discussione.

CAPITOLO UNO: Inquadratura

Troppo spesso questo che, a ragion veduta può essere considerato il primo elemento che abbiamo a disposizione nel curare la composizione fotografica, viene bistrattato dai fotografi intenti a puntare un soggetto che ha attirato la loro attenzione, salvo poi rendersi conto che il soggetto si perde nell’insieme, che è troppo ‘piccolo’, che ci sono elementi di disturbo o che al contrario mancano elementi di contesto utili a valutare pienamente il soggetto in relazione a ciò che ci ha permesso di notarlo.

Come si deve dunque scegliere l’inquadratura?
La scelta di una determinata inquadratura è prima di tutto il mezzo che abbiamo per escludere dalla vista dell’osservatore quello che non ci interessa o che non deve distrarre l’osservatore dal vero soggetto della nostra foto.

Alcune citazioni dotte sul tema.

“The camera is nothing but a vacuum cleaner picking up everything within range. There has to be a higher degree of selectivity.” – Ray Metzker dice che la nostra macchina altro non è che una aspirapolvere che raccoglie tutto quello che trova nell’inquadratura e che quindi dobbiamo essere selettivi; il fatto di essere selettivi ci costringe a doverlo essere a volte in modo spietato.

Ecco un’immagine di Ray Metzker, tagliata senza tanti complimenti:

“There is nothing worse than a sharp image of a fuzzy concept.” – Ansel Adams dice che nulla è peggio di un’immagine nitida di un concetto confuso (o sfocato, giocando sui tanti significati di sharp e fuzzy); egli membro fondatore del gruppo f/64, paesaggista sopraffino in quegli immensi spazi dello Yosemite Park ci ha abituato ad immagini piene di significato.

In questa famosa immagine Ansel Adams inserisce uno scorcio di paesaggio in modo che l’inquadratura valorizzi i rapporti esistenti tra le varie parti senza distrarre.

“If your pictures aren’t good enough, you aren’t close enough.” – Robert Capa dice che se la nostra foto non è abbastanza buona, allora non siamo abbastanza vicini; il reporter delle guerre ha un bel coraggio a dire di fare un passo avanti, ma l’impatto di certe sue fotografie è proprio legato al fatto che le inquadrature proiettano l’osservatore nella storia.

In una delle sue famose immagini, tecnicamente compromessa, l’inquadratura stretta sul soggetto pur rispettando il minimo di contesto necessario, ci proietta sulla spiaggia della Normandia.

Il noto motto ‘Fill The Frame‘ (riempi l’inquadratura) significa che è importante che l’inquadratura scelta racchiuda ciò che vogliamo rappresentare e, per quanto possibile, nulla più.
Spesso, analizzando una foto, ci capita di notare ‘elementi di disturbo’ che distarggono l’osservatore e non si riescono a collegare con il resto di ciò che cade dentro l’inquadratura.
Il fotografo ha davanti due scelte compositive di fronte a questo tipo di situazione:

• Eliminare dall’inquadratura ogni elemento superfluo rispetto al soggetto in modo da dare un messaggio semplice ed il più possibile univoco all’osservatore.
• Lasciare nell’inquadratura almeno alcuni degli elementi non immediatamente riconducibili con il soggetto. La presenza di soggetti (o oggetti) molteplici nell’inqudratura logicamente separati introduce potenzialmente nella foto tensioni dinamiche e contrasti che sono alla base di una composizione creativa. In questo caso ovviamente i rischi di fare ‘fiasco’ sono molto maggiori, per cui in assenza di motivazioni valide e di una consapevilezza del messaggio che si vuole dare fill the frame rimane il must.

Prelevando dalla mia esperienza personale, ecco un esempio del quale mi ricordo una sofferta ricerca dell’inquadrata più efficace. L’Estasi di Santa Teresa è un’opera magnifica che coinvolge l’osservatore, ma l’ambientazione tipica del barocco funziona molto bene dal vivo, mentre io non sono riuscito a trovare una rappresentazione che fosse valida usando un campo largo. Ecco che allora ho scelto di concentrarmi sul rapporto tra l’angelo e la santa, con un taglio deciso che ‘incorniciasse’ i due protagonisti.

Nell’ammirare le forme plastiche della Fontana del Nettuno a Roma, invece ho scelto di escludere ogni forma di riferimento esterno per rendere la foto astratta (pur potendo riconoscere i particolari) e decontestualizzata: forme e basta.

L’inquadratura e le linee

L’inquadratura gioca un ruolo importante anche per enfatizzare, in modo che può essere gradevole o meno, particolari elementi della foto.
Il principale di questi elementi che vengono fortemente influenzati dall’inquadratura è la linea.
Proprio per il fatto che l’inquadratura è una cornice fatta di linee, perpendicolari tra loro, grande importanza possono assumere i rapporti tra le linee che sono presenti nella foto e quelle che la incorniciano.
Allineare quindi linee presenti nell’immagine con i bordi dell’inquadratura porta ad enfatizzarle.
Un allinemento imperfetto risulta per molti versi sgradevole, perchè l’occhio è portato a cercare il parallelimo e, non trovandolo, rimane insoddisfatto.

Un tentativo imperfetto di giocare con le linee della facciata di Santa Maria sopra Minerva rende comunque le linee protagoniste al punto da trasformare l’immagine in una rappresentazione piatta, quasi fosse un foglio con stampati su note e pentagramma.

Per ragioni simili la presenza di angoli decisi tra le linee presenti nell’immagine ed i bordi della fotografia crea un effetto dinamico.

In questa immagine, sempre alla Fontana del Nettuno a Roma la presenza di un pezzo di obelisco verticale da un riferimento stabile all’immagine, mentre la lancia inclinata aggiunge tensione dinamica. La lancia non è in realtà l’unica linea presente, altre immaginarie appaiono e guidano l’osservatore ad esplorare la scena.

In conclusione curare un allinemento perfetto con i bordi o allontanarsi decisamente da esso, pena il laconico commento: “La foto è storta”.

L’inquadratura e la terza dimensione

L’inquadratura definisce due dimensioni fondamentali di una rappresentazione bidimensionale di un mondo a tre dimensioni. Se questo rappresenta uno degli elementi di fascino della fotografia, è anche vero che la terza dimensione va gestita in modo consapevole.
La profondità di campo (argomento studiato nel corso C1), applicata coerentemente alla scena aiuta a rendere la profondità della scena. Se lo sfondo incluso in una certa inquadratura non è interessante e disturba la scena la soluzione di sfocarlo è un classico.
Quando non si riesce ad evitare di mettere in relazione il soggetto con lo sfondo o si vuole che questo succeda allora entrano in gioco altri elementi che possono favorire o meno una composizione adeguata. Il discorso non è banale, ma è comunque importante considerare tutto ciò che entra dentro l’inquadratura, soggetto o sfondo. E’ importante, se lo sfondo non è rilevante ai nostri fini, che il soggetto sia chiaramente distinguibile da esso, ma questo è un tema che verrà affrontato più avanti.

Altri fattori, come le proporzioni tra le varie parti che compongono l’inquadratura (o vedremo nel capitolo 3) o i rapporti di simmetria e asimmetria (li vedremo nel capitolo 4).
La prospettiva, resa dal rapporto tra le distanze in gioco e quindi legata al punto di ripresa abbinato ad un opportuna focale (argomento del prossimo capitolo), è un elemento altrettanto cruciale.

L’inquadratura come strumento scenico

Dal punto di vista narrativo l’inquadratura può molto, permettendoci di includere o meno un oggetto nella storia che vogliamo raccontare o rappresentare. Molte sono le leve compositive che abbiamo a disposizione per scrivere questa storia e verranno affrontate man mano, ma per adesso basti pensare che tutto ciò che lasciamo entrare nell’inquadratura deve avere un ruolo. Una ripetizione, una simmetria, o invece un motivo troncato oppure una asimmetria sono messi a disposizione per noi, ma possiamo fare molto con l’inquadratura per enfatizzare o meno questi aspetti.

I formati

Un elemento doveroso da citare è rappresentato dai formati. Questi sono direttamente collegati al rapporto di aspetto (aspect ratio) che li caratterizza.
Molti sono i rapporti d’aspetto ovvero le proporzioni tra base ed altezza dell’inquadratura utilizzati nelle arti visive e tanto il cinema, quanto gli altri mezzi di fruizione di immagini hanno condizionato la nostra cultura a ruguardo.
In fotografia dominano i cosiddetti rapporti in proporzioni aromoniche:

• 1/1 ovvero quadrata
• Vari tipi di rettangoli con i lati in proporzioni: 1/2, 2/3, 3/4, 4/5.

E’ importante scegliere consapevolmente il formato di riproduzione della nostra fotografia perché l’inquadratura ne dovrà tenmere conto.
Se è vero che si possono tagliare le foto come si preferisce, è vero che discostandoci da rapporti già visti genereremmo nell’osservatore un probabile disagio (da sfruttare o meno).
Sui formati si suggerisce questa interessante lettura di approfondimento.

Per rendere l’idea dei vari formati usati nella fotografia ecco un’illustrazione con le note degli esempi più comuni per ogni formato.

Oggi in fotografia si è spesso influenzati dai rapporti d’aspetto tipici del cinema, specie quelli panoramici di cui sono qui illustrati i più diffusi.

Orientamento dell’inquadratura

Un tema collegato al formato è l’orientamento dell’inquadratura: verticale od orizzontale.
Dato per scontato che esso deve rispondere alle esigenze descritte fin’ora (riempire il fotogramma, rispettare le linee presenti nella scena) va detto che il formato orizzontale restituisce un senso di stabilità, mentre quello verticale è più dinamico.
Per scegliere l’orientamento giova molto una prima analisi del soggetto, da fare prima di inquadrare.
Sebbene non esista una risposta univoca a questo interrogativo, c’è un concetto da seguire (che non è legge scritta), che può essere di aiuto. Analizziamo infatti il soggetto e vediamo in quale direzione principale si sviluppa. Se ad esempio davanti a noi è il Colosseo, sicuramente questo sarà più largo che alto e quindi un orientamento orizzontale sarebbe da preferisi; mentre se scattiamo ad una persona, questa (quanto meno glielo auguro ) sarà più alta che larga e quindi un orientamento verticale sarebbe da preferirsi.
Rompendo questa regola (consapevolmente) si può inserire una tensione dinamica in una foto con sviluppo orizzontale ripresa invece in verticale od il viceversa; le ampie zone vuote (o non impegnate dal soggetto) lasciano spazio per l’osservatore da esplorare e chiedersi perché. Il più delle volte si chiederà: “Perché ha scelto questa inquadratura?”

Inquadratura, distanza dal soggetto e lunghezza focale

La distanza dal soggetto e la lunghezza focale sono due punti molto importanti da valutare. Quando si studia un’inquadratura ci si trova spesso a ragionare sulla focale più conveniente per fare entrare tutto quello che vogliamo (o per escludere quello che non vogliamo). E’ importante in questo caso ricordarsi che abbiamo anche i piedi e cercare un punto di ripresa adatto ad inquadrare tutto (e solo) quello che desideriamo usando la focale che ci piace. Il tema della focale da usare e della relazione tra punto di ripresa e prospettiva verrà affrontato nel prossimo capitolo, ma già ora iniziando a studiare le inquadrature, sperimentiamo diverse soluzioni di focale abbinate a diversi punti di ripresa. Anche questo è un modo per includere o escludere un oggetto dall’inquadratura, allineare i bordi con una linea od enfatizzare l’inclinazione di alcune linee rispetto ai bordi.

Inquadratura ed inclinazione verso l’alto o verso il basso della fotocamera
Cercando l’inquadratura perfetta, oltre a girare ansiosamente la ghiera dello zoom, ci si trova spesso a roteare l’obiettivo come fosse un fucile in caccia di immagini rare (shot non per niente significa sparare). Vedremo nel prossimo capitolo che l’inclinazione verso l’alto o verso il basso dell’obiettivo (basculaggio) produce distorsioni prospettiche (altrimenti dette linee cadenti) che in genere non donano all’immagine, specie se si tratta di architettura. Chiaramente una rottura netta di questa regola produce tensione dinamica notevole che può essere sfruttata (vederemo nel prossimo capitolo), ma va gestita con attenzione.
Un passo indietro può essere spesso una soluzione corretta più che l’accorciamento della focale, specie se si tratta di focali grandangolari.

Inquadratura e inclinazione a destra o sinistra della fotocamera
Un altro elemento da considerare nella corretta inquadratura è quello dell’inclinazione della macchina, che è ben diversa dal basculaggio. Mentre infatti per basculaggio si intende l’inclinazione verso l’alto o verso il basso, l’inclinazione indica se la macchina è inclinata (scusate la tautologia) verso destra o verso sinistra.
Foto con la macchina inclinata riprendono l’orizzonte non perfettamente orizzontale, ma inclinato e quindi la foto appare storta. Questo difetto può essere molto fastidioso in alcuni scatti, specie se la linea dell’orizzonte è ripresa nello scatto. Ad esempio se scattiamo la foto ad un lago o al mare, la linea dell’orizzonte deve essere dritta (orizzontale), avete infatti mai visto un orizzonte inclinato? Si svuoterebbe il lago

Come si fa a gestire questa variabile? Beh la prima cosa da fare è quella di attivare il reticolo nel mirino della propria fotocamera, laddove presente. Infatti questa funzione permette di visualizzare delle linee orizzontali e verticali nel mirino, che ci permettono di inquadrare correttamente. Ad esempio, per l’orizzonte, basta far sì che questo sia parallelo ad una delle linee orizzontali che si vedono nel mirino.
Alcuni modelli di reflex permettono di avere anche un altri strumento molto utile nello scattare orizzontale: l’orizzonte artificiale. In particolare questa funzione permette di sapere se la macchina è effettivamente “dritta” e se invece pende, in quale direzione.

Come abbiamo già detto più sopra a proposito delle linee e del loro rapporto con l’inquadratura le foto vanno fatte o molto storte o ben diritte, specie se in esse entra ima linea (l’orizzonte già citata, il bordo di un muro, la parete di un palazzo, una colonna, …) di cui si riconosce in modo inequivocabile quale debba essere l’inclinazione naturale.

Conclusioni

Molti altri sono i motivi per curare l’inquadratura e moltissimi i rapporti che è possibile creare tra questa e i soggetti contenuti nella foto, ma questi fatti dovrebbero da soli bastare a convincerci che l’inquadratura è il primo elemento da curare per qualsiasi composizione.

IL DECALOGO SULL’INQUADRATURA
A seguire una serie di regole, da infrangere solo dopo averle rispettate per un bel po’

• Scegliete il formato prima di scattare per quanto possibile. E’ vero che poi si possono operare ritagli a piacere della nostra foto, ma l’inquadratura è un elemento compositivo troppo rilevante per semplicemente buttare dentro un po’ di roba da selezionare con calma a a casa.
• Guardate ed analizzate il soggetto, per capire se inquadrare in orizzontale o verticale.
• Non inclinate la macchina a destra o a sinistra oppure fatelo in modo netto, pena la foto semprerà irrimediabilmente storta.
• Non inclinate la macchina verso l’alto o verso l’alto oppure fatelo in modo netto, pena la presenza di distorsioni prospettiche (linee cadenti).
• Rispettate le linee presenti nella scena e curate l’allineamento (o il disallineamento) tra queste ed i margini dell’inquadratura
• Riempite il fotogramma
• Non tagliate di poco un elemento rilevante della scena (esempio classico è l’amputazione o decapitazione di una persona). Tagliate in modo netto o per nulla.
• Valutate la distanza dal soggetto e la lunghezza focale da adottare (in attesa del capitolo due sperimentate)
• Summa delle precedenti alla Murphy: se all’allargare e stringere l’inquadratura non corrisponderà un suo adattamento alle linee presenti nella scena la foto verrà sbagliata. Corollario: qualunque quadrilatero regolare scegliate per la vostra inquadratura un elemento di disturbo entrerà inevitabilmente oppure un importante parte del soggetto uscirà senza possibilità di recupero.

ESERCIZI PER CASA
Come detto, non si può studiare la composizione sui libri, ma è necessario sperimentare molto e trovare un proprio modo di gestire gli elementi che abbiamo davanti.
Non è necessaria la macchina fotografica, anzi parlando di inquadratura è utile lasciarla a casa per un po’.
Meglio girare con una cornice vuota e inquadrare il mondo che ci circonda sperimentando tagli diversi; l’avrete visto fare ai registi o direttori della fotografia nei backstage. Rinunciare al mirino ha il vantaggio di vedere anche quello che circonda la nostra inquadratura e valutare un suo restringimento o allargamento.
INQUADRATE E VERIFICATE SE STATE RISPETTANDO IL DECALOGO
Poi verificate se il risultato vi piace e cosa manca per migliorarlo.
Analizzate se è necessario violare qualche ‘regola’ per ottenere lo scopo e chiedetevi se ha senso.
Altro esercizio per le giornate di pioggia è prendere una foto a campo largo e ritagliarla per evidenziare zone di interesse ed eliminare ciò che non ci interessa; vedrete che nel fare questo vi verrò voglia di esserci spostati per scattare. Bene siete pronti per il secondo capitolo

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Vorrei da voi più esperti un giudizio sul fotografo recensore di www.kenrockwell.com trovo in giro pareri discordanti e non riesco a capire se sia un invasato o un pessimo fotografo…..

Vorrei dei giudizi ponderati ma soprattutto motivati.

Io nel mio piccolo ho letto parecchie delle sue recensioni e attratto ad esempio da quella del 28-70 AF-D ne ho acquistato uno; devo dire che mi ci sono trovato molto bene (un po corto sul wide magari, ma questo o sapevo anche senza rockwell) rispetto al 18-55 da kit che avevo.

A voi la parola….

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Salve a tutti,
Sono un nuovo vero neofita del settore, e per cominciare ho pensato di iscrivermi in questo bellissimo forum.
Ho appena preso tra le mani una d3100 con 18-55.
Ottima macchina.. credo..
Il discorso è questo.. non so dove mettere le mani! Nel senso: ok le foto in auto mode vengono benissimo.. ma credo che sia un po’ limitativo..
Non sono qui a chiedervi di insegnarmi in un post tutte le funzionalida della d3100
Vorrei solo capire da dove iniziare..Su cosa puntare..Che esperimenti fare.. Non mi vengono idee..
Oltretutto a breve partirò per Tokyo.. Grandi paesaggi “urbani” , tante luci.. E visto ciò, su cosa mi consigliate di puntare ad esercitarmi per arrivare almeno un minimo preparato per poter sfruttare un misero 10% di questa macchina?

Grazie a tutti coloro che spenderanno anche solo del tempo a leggere il mio post.
Complimenti ancora

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ciao ragazzi vorrei vendere il mio 18-105 (agosto 2010) e prendere il 18-200.
oltre a tutti i discorsi della focale lunga e altro, lo voglio prendere perchè mi fa comodo un tutto fare.

Bene, veniamo alla domanda, sapete indicarmi a quanto potrei vendere il 18-105, oltre ai filtri che venderei in accoppiata (quelli li quoto io)?? invece per il 18-200 chiedono 400€, usato e revisionato nikon, secondo voi è molto? non ho idea di quando sia, ma dalla foto sul volantino è il vr2.

grazie.

Buona giornata a tutti

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Min.us è un nuovo servizio partito da alcuni mesi che vi consente di condividere immagini in maniera molto semplice.

Tutto quel che dovete fare è trascinare nella finestra del sito i file dal vostro disco e saranno automaticamente caricati. Niente più form da compilare o procedure complicate da seguire. Per fare una prova non è neanche necessario potete prendere semplicemente un’immagine dal vostro desktop. Ovviamente con la registrazione diventa più semplice tenere traccia dei propri upload.

Il nome Minus è stato scelto per enfatizzare la semplicità e minimalismo con cui è stato sviluppato il sito. Il servizio è gratuito ed i costi saranno coperti da annunci pubblicitari testuali. In futuro sarà anche la possibilità di caricare anche altri tipi di file.

Via | Min.us

Min.us, condividere immagini facilmente é stato pubblicato su clickblog alle 12:00 di sabato 27 novembre 2010.

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In questo topic vorrei presentare un tema molto scottante, che è quello del fotoritocco e della sua liceità. Ovvero, è lecito fotoritoccare?
Si potrebbero fare considerazioni lunghe km, stare qui a parlare per ore, ma quello che vorrei sottoporvi è un approccio del tutto personale verso l’argomento. Siete quindi ovviamente liberi di contraddirmi, ma quello che spero è che nasca un sano confronto, su un tema che ripempie spesso topic e discussioni.

Secondo me esistono due tipi di diversi di fotoritocco: lo sviluppo del file e il fotoritocco
Non voglio essere tautologico, ma quello che viene generalmente definito fotoritocco, secondo me è un secondo step nell’elaborazione di un file ottenuto dopo uno scatto.

Provo a spiegarmi, introducendo qualche dettaglio in più sulle due fasi introdotte precedentemente.

Immaginiamo di avere a disposizione 2 equipaggiamenti diversi:
1. Nikon D3000 + 18-55VR
2. Nikon D700 + 28-70/2.8

Con entrambe le macchine ci mettiamo sullo stesso treppiede, con la stessa inquadratura (quindi fate la conversione dell’angolo di campo), impostiamo gli stessi parametri di scatto (diaframma, tempo, sensibilità, saturazione, contrasto, ecc ecc) e facciamo la stessa foto.

Prendiamo le nostre macchine dopo aver fatto i due scatti e li confrontiamo. Sono uguali?
Ovviamente no, anzi, verosimilmente lo scatto della coppia D700+28-70 sarà migliore di quello D3000+18-55, ma questo significa che i due scatti non sono uguali

Eh già perché le due macchine non hanno ottenuto lo stesso risultato, nonostante l’estrema cura nel controllare che tutto fosse uguale. Un esempio banalissimo? Secondo voi la definizione del 28-70 e del 18-55 sono uguali? Beh sicuramente no, quindi tra le due foto, così al volo, già notiamo che c’è qualcosa di diverso, nonostante gli sforzi per avere tutto uguale.

Ancora? Beh le transizioni cromatiche, ovvero come si passa da un colore all’altro. Beh il 28-70 è un’ottica vecchia scuola, col transazioni dolci, mentre il 18-55 è sicuramente di concezione più nuova è sarà più plasticoso come resa, con gradini più evidenti tra i colori. Ma allora anche per questo aspetto el foto non sono uguali nonostante gli sforzi fatti per renderle tali…

Ancora? Beh il rumore. Gli ISO della D3000 hanno lo stesso effetto sulla foto di quelli della D700? Eppure sono su entrambe, ad esempio, 400ISO… Quindi anche per questo le foto non sono uguali

Questa digressione semplicemente per mostrare come ci sia una fortissima dipendenza dal mezzo, ovvero entrambe le macchine riprendono nelle medesime condizioni la stessa scena, ma danno due risultati diversi…
Non sarebbe allora lecito operare in una qualche maniera per avere le due foto uguali? Cioè mi spiegate perché io non devo ottenere due cose uguali in un contesto come questo? Non è lecito intervenire in post produzione per portare le foto allo stesso risultato finale?

Secondo me, e qui rinnovo la soggettività della trattazione, la risposta è positiva. Cioè mi sembra più che lecito agire per avere due foto uguali… Perché devo avere il limite del mezzo? Perché devo avere qualcosa di falso tra le mie mani?
Eh sì perché o la D3000 o la D700 hanno ritratto in modo artefatto la realtà, in modo falso, perché non hanno fatto la stessa cosa. Confrontando i due scatti, fatti nelle medesime condizioni, ho due cose diverse. Sicuro una delle due almeno rappresenta in modo falso la realtà…

Ecco quindi che questo scenario sembra essere uno per cui fotoritoccare è lecito, quantomeno per evitare che il fotografo si trovi davanti due rappresentazioni diverse della stessa realtà.

Ma detto questo, come si fa? Come si fa a stabilire chi ha detto il vero tra la D700 e la D3000? Beh l’istinto e il marketing ci portano a dire:”Uè ciccio, la D3000 sicuro ha fatto la foto falsa”, quindi l’idea istintiva sarebbe quella di portare la foto della D3000 verso quella della D700.

Ma siamo sicuri che la foto della D700 sia quella VERA?

Abbandoniamo cioè per un momento la coppia di macchine e lavoriamo solamente con la D700. Faccio lo stesso scatto, ma solo con lei e il 28-70 montato. Sono sicuro che è vera sta foto? Cioè senza preoccuparmi se ho fatto meglio o peggio di una D3000 con il 18-55, quello che la D700 ha fatto è VERO?
Beh bisogna vedere se la foto RAPPRESENTE IN MODO FEDELE LA REALTA’. E cioé?????? Come se fa sta cosa?

Beh innanzi tutto dobbiamo controllare se su macchina abbiamo la stessa cosa che i nostri occhi stanno guardando. Le famose transazioni cromatiche, le saturazioni, le rappresentazioni dei colori, la nitidezza, ecc ecc, sono VERE? Sono cioè identiche alle vere?

Beh per quanto uno si sforzi di comprare ottiche e corpi costosi e pregiati, niente è come i nostri occhi e ogni elemento introduce un suo modo di leggere le scene e questo va sempre bene?
Cioè siamo sicuri che quello che fa la macchina è esattamente quello che facevamo noi con gli occhi?

Nella mia esperienza ho potuto constatare che spesso, anche le macchine più elevate di fascia, hanno un’inevitabile distorsione della realtà, ovvero introducono un loro marchio sulla foto, rappresentando in modo più o meno veritiero gli elementi della scena. Perché io allora, in quanto essere che ha premuto il pulsante di scatto, non devo riportare la foto che la macchina ha fatto a quello che vedevano i miei occhi?

Perché non dovrei cioè sviluppare il file? Mutuo questo termine dalla pellicola per chiarire come sia secondo me addirittura necessario riportare a quanto si vedeva la scena catturata dalla reflex.

Molte molte volte sento gente che dice:”Io le foto non le ritocco, le lascio così come uscite dalla macchina. Queste sono foto vere, non quelle ritoccate”.
Ma siete sicuri che siano davvero VERE tali foto? In base a quanto detto prima, la macchina fotografica ha fatto una SUA cattura della realtà, che potrebbe discostarsi, e tanto, dal mondo che i notri occhi vedevano al momento. Perché allora “doversi accontentare”? O meglio, perché rendere lecito il fotoritocco che fa la fotocamera e colpevolizzare il nostro al computer?
Dopotutto io vorrei solamente riportare la foto a quello che vedevo, perché questo dovrebbe essere sbagliato?

Vorrei lasciare spazio ad un esempio fotografico, piuttosto che continuare con le parole. Le due foto allegate sono relative ad un RAW scattato al tramonto al lago di Bolsena. Come si nota il RAW ha delle tonalità molto meno sature, transazioni cormatiche delicate, ma non accentuate. Era davvero questo quello che vedevo mentre scattavo?
Nei miei occhi c’era davvero quello che il RAW rappresenta?
La risposta è ASSOLUTAMENTE NO, ovvero nonostante il 35/2 montato e la D700, comunque non c’è stata una rappresentazione REALE della scena.
La foto “elaborata”, o meglio sviluppata, è un tentativo di riportare la foto, l’immagine a quello che effettivamente vedevo con gli occhi.
E’ lecito secondo voi? Qual è vera e qual è falsa delle due foto?
Secondo quanto detto prima, così come la pensano in tanti, il RAW è la foto vera perché è uscita dalla macchina senza il minimo ritocco, ma vi posso garantire che non è così, perché quello che vedevo non è affatto quanto rappresentato dal RAW

La foto, VERA, ovvero quella che rappresenta al meglio quello che avevo visto, è quella sviluppata, quella cioé che ha i colori esattamente come erano al momento, la prospettiva esattamente come la vedevo al momento.

Se ci fate caso infatti ho scelto questa foto, anche per l’evidentissima distorsione prospettica e l’inclinazione dell’orizzonte visibili nel RAW. Nel JPEG è sparito tutto, orizzonte dritto e prospettiva corretta. Non è forse anche questo mettere mani sulla foto? Certo, ma se non l’avessi fatto, avrei rappresentato VERAMENTE la scena?
Beh no, perché la balaustra è dritta nella realtà e l’orizzonte è orizzontale.
Inoltre in questo scatto ho dovuto distorcere entrambi per poterli recuperare senza troppe difficoltà, quindi perché non dovrei sviluppare il file?

Come si nota cioè da quanto scritto, una prima fase di approccio al file è quella di riportarlo al vero, appunto di svilupparlo. Questo lo si fa inevitabilmente fotoritoccando, ovvero intervenendo al computer sulla foto, ma l’intento è quello di riportare “al vero” lo scatto.
Non mi piace che sia la macchina (più ottica) a dirmi cosa effettivamente c’era e come era. Sono IO che so come era la realtà che stavo riprendendo… la macchina è solo uno strumento al mio servizio per portarmi dietro QUELLA scena e se non ci è risucita, allora ci penso io a recuperarla.

Ma allora, il fotoritocco, ovvero la II Fase detta prima… che roba é? Beh ogni volta che supero la realtà col fotoritocco, introducendo qualcosa di eccessivo, valico lo sviluppo. Se cioè supero quello che effettivamente i mei occhi vedevano, se la mia rappresentazione non è realistica, allora ho fotoritoccato in modo secondo me criticabile.
Certo è che il limite è soggettivo e proprio di ogni foto, perché solo l’autore sa di preciso cosa c’era al momento dello scatto…

Con questo topic spero di aver suscitato se non altro senso critico sulla cosa, che poi può essere a favore o contrario, ma spero quantomeno se ne parli.
Il tema scotta, so benissimo di toccare delle corde molto sensibili, ma vorrei sapere cosa ne pensate…

Fonte Google News

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ciao a tutti
dopo molti anni ho abbandonato l’80-400 nikon e ho preso il 500 4,5sigma
mi sono giunte notizie discordanti su come duplicarlo (con l’1,4)
se qualcuno lo usa e mi da qualche notizia sarei molto grato

Fonte Google News

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Video7 in questo puntata ci mostra la presentazione italiana della nuova reflex Nikon D7000 presentata da Luca Conforti.

Non viene fatta una sola panoramica generica, ma si approfondiscono anche alcune delle caratteristiche più interessanti di questa reflex.

Via | PmStudioNews

Nikon D7000, la presentazione italiana é stato pubblicato su clickblog alle 13:00 di mercoledì 15 settembre 2010.

Fonte Google News

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Vincent Laforet ha recentemente fatto intendere che la prossima versione della 5D arriverà il prossimo anno.

Canon sta lavorando per migliorare il connettore mini HDMI sulle reflex. Sarebbe anche quasi pronto un nuovo flash per rimpiazzare il Canon 580EX II che dovrebbe avere nuove tecnologie integrate. Un master radio?

Il rimpiazzo della SX20 si discosterà un po’ dalla linea con un nuovo design e sensore. Infine il prossimo mese dovrebbe uscire una nuova compatta subacquea.

Via | CanonRumors

Fonte Google News

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pubblicato da Derfy in: Accessori

Al prossimo CES 2010 Ortery presenterà il Photosimile 5000 un lightbox motorizzato per creare in maniera rapida foto ai prodotti in vendita.

In pratica all’interno è presente un disco su cui poggia il prodotto e che ruota mentre una reflex è montata su una slitta che con 90° di movimento può passare dagli scatti dall’alto a quelli di fronte.

Il sistema, infine, consente di realizzare della mappe ingrandibili e con la possibilità di cambiare il punto di osservazione.

Via | Ortery

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Prof.Angelo Meduri

 

 

Dopo aver imparato a trovare le costellazioni e gli oggetti celesti più importanti, si può avere il desiderio di fissare l’immagine su un supporto. La fotografia celeste (o astrofotografia) offre numerose attrattive ed apre ampi orizzonti di ricerca ai cacciatori di immagini. In effetti, ci sono diversi vantaggi rispetto all’osservazione visuale:

1)   E’ possibile avere a disposizione un documento che testimonia definitivamente tutto quello che si è registrato con la fotocamera in quel giorno;

2)   L’immagine così ottenuta rappresenta un documento fedele ed oggettivo, mentre l’osservazione visuale o il disegno sono soggettivi;

3)   Le esposizioni fotografiche consentono di accumulare la luce e di rendere visibili gli oggetti più deboli, anche quelli invisibili ad occhio;

4)   Le pellicole ed i sensori digitali offrono una gamma di sensibilità ai colori dello spettro molto estesa, perciò possiamo cogliere immagini  nell’infrarosso e nell’ultravioletto, con i colori degli oggetti celesti fotografati;

5)   La zona di cielo inquadrata da una fotografia è molto più estesa di quella che si osserva all’oculare di un binocolo o di un telescopio.

L’evoluzione del mercato informatico sta facendo calare l’interesse per la fotografia analogica in favore di quella digitale, infatti la fotografia digitale resta la più nitida (decine di Megapixel) e la più economica da realizzare.

 

 

Una reflex a pellicola.

 

    Per numerosi dilettanti appassionati di astrofotografia, la foto a vasto campo rappresenta il primo passo verso una visione più grande dell’universo di quella che il telescopio svelava alla mente del curioso. Per altri, questo può essere solo il primo passo sulla strada dell’apprendimento dei mezzi per realizzare fotografie molto belle ed eccitanti. Prescindendo dal motivo, la macchina fotografica reflex per il 35mm, dotata di un obiettivo normale da 50mm di lunghezza focale è lo strumento ordinario per la prima avventura in questo campo affascinante e misterioso. La macchina fotografica deve essere quindi reflex, dotata di posa B o T e provvista di un innesto per ottiche tra i più facilmente reperibili in commercio. L’impiego di un cavetto di scatto flessibile per agire a distanza permette inoltre di eliminare gran parte delle vibrazioni. L’otturatore deve restare aperto anche per diversi minuti, perciò è meglio se le batterie sono ben cariche.  

Fotocamera reflex digitale moderna.

    Gli obiettivi fotografici comuni sono diffusissimi, spesso vengono sottovalutati, ma consentono di ottenere immagini spettacolari, se utilizzati opportunamente. Il 50mm è chiamato normale, perché inquadra le cose come l’occhio umano, mentre gli obiettivi con focali più corte vengono chiamati grandangolari e quelli con lunghezze focali maggiori del 50mm teleobiettivi.   La fotografia astronomica a vasto campo si occupa delle costellazioni, degli oggetti del profondo cielo (nebulose, ammassi stellari, galassie), della Via Lattea, delle meteore e delle comete. La lunghezza focale F dell’obiettivo determina l’ampiezza del campo inquadrato, che deve essere scelto in relazione alle dimensioni dell’oggetto da fotografare. Per la Via Lattea, presa  da una parte all’altra dell’orizzonte, occorre adoperare focali da 8mm a 17mm di tipo fish-eye (occhio di pesce, 180° di campo inquadrato). Per ingrandire alcune parti occorrerà un 50mm oppure un 85mm, o più, mentre per avere sul fotogramma anche i particolari del paesaggio sarà utile un super-grandangolare di 14-20mm. Se si vuole fotografare invece la nebulosa di Orione ci vorrà una focale superiore ai 300mm. La tabella riporta le dimensioni angolari del campo inquadrato da ogni obiettivo sul fotogramma 24×36mm del piccolo formato 35mm. Naturalmente, si possono adoperare formati più ampi, o più piccoli, come il formato APS (1,5-1,6 volte più piccolo del 35mm).  

 

 

Lunghezza focale in mm	Dimensioni del campo	Angolo sulla diagonale del formato 35mm
14	81,2° × 104,2°	114,2°
18	67,3° × 90,0°	100,4°
20	61,9° × 83,9°	94,5°
24	53,1° × 73,7°	84,0°
28	46,3° × 65,4°	75,3°
35	37,8° × 54,4°	63,4°
50	26,9° × 39,5°	46,7°
85	16,0° × 23,9°	28,5°
105	13,0° × 19,4°	23,2°
135	10,1° × 15,1°	18,2°
200	6,8° × 10,2°	12,3°
300	4,5° × 6,8°	8,2°
400	3,4° × 5,1°	6,1°
600	2,2° × 3,4°	4,1°
800	1,7° × 2,5°	3,0°
1000	1,3° × 2,0°	2,4°
2000	41’ × 62’	1,2°
3000	28’ × 42’	50’

  

Oltre agli obiettivi a focale fissa, vi sono quelli a focale variabile, meglio noti come zoom; con essi non sempre esistono dei vantaggi, i principali punti critici sono i seguenti:

1)   il meccanismo che fa variare la lunghezza focale generalmente tende a spostarsi    durante le lunghe pose, rovinando così le foto, tranne che non sia dotato di un blocco;

2)   il costo di un obiettivo a focale variabile di alta qualità fino ai bordi è assai più elevato di un’ottica a focale fissa;

3)   la luminosità dell’immagine fornita dagli zoom generalmente è inferiore a quella degli obiettivi a focale fissa;

4)   gli zoom distorcono le immagini più facilmente;

5)   gli zoom pesano di più.

Da ciò si può dedurre che, se si sceglie di utilizzare un obiettivo zoom, si dovrebbe controllare attentamente il suo funzionamento. Recentemente sono apparsi sul mercato degli obiettivi zoom professionali di alta luminosità (2,8) con lenti asferiche per eliminare la distorsione e gli altri difetti delle immagini: essi offrono risultati decisamente positivi, superando talvolta le focali fisse! Ho provato uno di questi zoom alla massima apertura ed ho notato che il comportamento era uniforme da un bordo all’altro, non c’era traccia di distorsione e le aberrazioni erano quasi invisibili, tuttavia il funzionamento può variare con la lunghezza focale. Se alle lenti asferiche vengono abbinate anche le lenti a bassa dispersione, persino l’aberrazione cromatica diventerà irrilevante ed usciranno immagini straordinarie, anche a tutta apertura. Inoltre, ho utilizzato un 300mm a tutta apertura (2,8) ed ho ottenuto sempre immagini puntiformi su tutto il campo inquadrato (anche agli angoli), segno di un’ottima correzione delle aberrazioni e della vignettatura già dalla piena apertura.

L’apertura relativa (o luminosità f=F/D) di un obiettivo fotografico convenzionalmente varia secondo il tipo di progetto adottato. Solitamente è possibile fare variare la luminosità da un massimo (2,0) ad un minimo (22,0). Tra uno scatto e l’altro c’è una variazione del 50% (il diametro D si riduce di 1,4 volte), perciò se si apre di uno stop un obiettivo si avrà il doppio della luce, mentre se di chiude di uno stop si otterrà una riduzione della metà. Le grandi aperture sono assai vantaggiose in astronomia, poiché gli oggetti celesti hanno basse luminosità intrinseche e si deve inseguire per lungo tempo.

Alcuni filtri per obiettivi.

        L’inseguimento si effettua su di una montatura equatoriale con motore, dato che la Terra si sposta e gli oggetti sorgono, culminano e tramontano. Un errore comune che si osserva nelle foto a vasto campo è l’uso costante degli obiettivi alla massima apertura. Poiché quasi tutti gli obiettivi delle macchine reflex sono stati progettati per offrire la prestazione migliore a 1-2 valori dopo la massima apertura, l’uso dell’obiettivo a tutta apertura spesso accentua le aberrazioni, produce una vignettatura eccessiva e causa velature forti ed irregolari. Le ottiche delle macchine fotografiche comuni sono state progettate in modo da rispondere alle necessità dell’utente medio. Questi requisiti non sono tanto rigorosi come quelli della fotografia stellare, che è il test più severo per ogni obiettivo. Le aberrazioni sono difetti degli obiettivi che non si vedono facilmente sui ritratti o sulle fotografie di paesaggio. Oltretutto, nella maggior parte delle applicazioni di tutti i giorni, il fotografo è interessato soltanto alla parte centrale della fotografia, così le aberrazioni ai bordi passano inosservate. Per di più, nella maggior parte delle applicazioni fotografiche, gli obiettivi vengono utilizzati raramente in prossimità della massima apertura, il che rende meno appariscente la presenza delle aberrazioni e della vignettatura (=perdita di luce ai bordi).

Per le applicazioni astronomiche, il test più semplice per determinare l’apertura di diaframma migliore di ogni dato obiettivo è eseguire una serie di foto guidate del cielo notturno. Se l’obiettivo deve essere diaframmato oltre 2 valori dopo la massima apertura per ridurre le aberrazioni e la vignettatura a livelli accettabili, servirà poco nel lavoro astronomico. I vantaggi del diaframmare sono duplici: non solo si sopprimono le aberrazioni e la vignettatura, ma si riduce anche il velo di fondo, migliorando il contrasto da ogni parte. Con le nuove pellicole supersensibili che stanno uscendo, un’esposizione di 20 minuti a f/4 con una pellicola da 1000 ISO produrrà risultati stupendi. Con i sensori digitali riducete il tempo di posa almeno ad un terzo. Poiché le fotografie eseguite con un obiettivo da 50mm ed un motorino d’inseguimento di buona qualità non dovrebbero essere guidate con cannocchiali e oculari con crocicchio, non c’è motivo di rinunciare alla qualità per fare un’esposizione più breve. Per migliorare ulteriormente la resa degli obiettivi è conveniente utilizzare talvolta un filtro (UV, Skylight, giallo o rosso). Di recente sono comparsi sul mercato alcuni filtri, detti interferenziali, che bloccano certe lunghezze d’onda e ne trasmettono invece altre, tuttavia il loro costo resta ancora elevato.

Le tracce stellari lasciate dopo 45 minuti di posa a f/4 con un obiettivo di 35mm su pellicola di 400 ISO.

 

 

    L’attrezzatura ideale comprende quindi una serie di obiettivi per poter riprendere meglio i vari aspetti del cielo nelle diverse stagioni. In estate potete fotografare bene la Via Lattea, molte nebulose e ammassi aperti. In autunno puntate gli obiettivi sulla galassia di Andromeda, l’ammasso doppio del Perseo e su Cassiopea. D’inverno spiccano Orione con le sue nebulose ed il Toro con i suoi ammassi. Disporre di diversi obiettivi vi servirà per riempire meglio il fotogramma secondo l’oggetto desiderato. Occorrono, in linea di massima, un 24mm, un 50mm ed un 300mm, oppure uno zoom 28-70mm ed un 300mm. Si può acquistare poi un moltiplicatore di focale 1,4x. La possibilità di avere l’autofocus qui è inutile, giacché si lavora sempre impostando la messa a fuoco sull’infinito (∞), è importante invece disporre di una grande apertura (2 o 2,8). Se potete permettervi solo un obiettivo la scelta per eccellenza è quella di un 50mm, anche usato. Se usate il formato APS dovete impiegare invece un 30mm o un 35mm. L’impiego di un trascinatore è indispensabile ed implica pure la conoscenza della messa in stazione verso il Polo Celeste, aiutandosi con la Stella Polare. Il treppiedi (o cavalletto) è un altro accessorio indispensabile per la buona riuscita delle foto.

La cometa Hale-Bopp, apparsa nel 1997, fotografata con un obiettivo di 300mm a f/2,8 su pellicola di 800 ISO con una posa della durata di 8 minuti.

 

 

    Dopo aver montato un telescopio, nel luogo prescelto, sulla montatura equatoriale, si deve sistemare correttamente tutto l’insieme in modo da poter mantenere l’oggetto celeste costantemente puntato al centro del campo per ore. Ciò significa che si deve orientare con molta precisione la montatura del telescopio per farla funzionare perfettamente dopo aver bilanciato ogni parte dell’insieme. Per orientare correttamente l’asse polare della montatura esistono vari metodi, qui ne descriverò uno. E’ un metodo approssimato, che consente di fotografare con strumenti di corta focale in tempi abbastanza brevi. Questo procedimento permette di rendere l’asse polare della montatura parallelo all’asse di rotazione terrestre, in modo da riuscire ad annullare gli effetti del moto diurno, come previsto dalla teoria. Nell’emisfero boreale le stelle sembrano girare attorno alla Stella Polare ( Ursae Minoris), che è l’ultima stella della coda del Piccolo Carro. Gli appassionati che si recano nell’emisfero australe sono purtroppo meno fortunati dei loro colleghi, poiché le stelle prossime al Polo Sud Celeste non sono splendenti come la Stella Polare. Dunque, le stelle più vicine ai poli celesti sono la Polare (di magnitudine +2) e la σ Octantis (di magnitudine +5,5), che distano rispettivamente 48’ e 59’.  Innanzi tutto, si deve mettere in piano la montatura equatoriale, regolando la lunghezza delle gambe del treppiedi ed osservando la posizione della bolla di livello, finché non si sposta proprio sul centro. Le montature equatoriali alla tedesca spesso sono corredate da un cannocchiale polare (ad esempio 6×30, 8×50, 9×60, ecc.), perciò basta osservare direttamente nel cannocchiale per orientare correttamente l’asse della montatura. In pratica, la Polare deve rientrare in un apposito circoletto. Il cannocchiale polare ha un reticolo illuminato che contiene pure le posizioni delle stelle del campo vicine alla Stella Polare, regolabile tramite un disco orario ed un cerchio datario. I reticoli speciali servono proprio a facilitare l’allineamento polare della montatura. Questa regolazione permetterà di sistemare definitivamente l’inclinazione dell’asse polare della montatura e sarà utile ogni volta che si ritorna a fotografare sullo stesso sito. 

Stelle sopra la città fotografate con un obiettivo di 24mm aperto a f/2.8 per 60s a 800ISO.

 

 

  Il problema più difficile da risolvere per la fotografia celeste è quello della presenza dell’inquinamento luminoso, dovuto alle luci artificiali dei centri urbani ed extraurbani. Questo fenomeno arreca disturbo alla buona riuscita delle fotografie e si manifesta nelle vicinanze dei centri abitati, a causa del riverbero dell’illuminazione, che alla fine renderà le foto inaccettabili, con un cielo dalla tinta gialla, verde o grigia. La soluzione del problema richiede l’uso di un buon paraluce e la ricerca di luoghi più bui, dove la Via Lattea risalta bene anche ad occhio nudo. In Italia, i cieli più bui si trovano in Valle d’Aosta, sull’Appennino tosco-emiliano, vicino Grosseto, al confine tra Abruzzo e Molise, al confine tra Basilicata e Calabria, sulle vette centrali della Sardegna.

Comunque, non crediate che sia possibile ingrandire le stelle come piccoli globi, perché la loro distanza richiede focali di 200 metri. Di conseguenza, una stella resterà sempre un puntino sia con un obiettivo di 35mm, che con un 2000mm.

Per evidenziare la rotazione della volta celeste stellata, basta sistemare la fotocamera su un treppiedi, fare scattare l’otturatore via cavo e lasciarlo aperto diversi minuti, anche fino a 10-15 minuti per pose digitali, usando basse sensibilità, come 100 ISO, e diaframmi piuttosto aperti, come 2.8 o 4. Con le pellicole la posa deve essere unica, anche di diverse ore, mentre in digitale si sommeranno diverse foto al computer, sempre per ottenere come risultato finale delle strisce lasciate dalle stelle più luminose nel cielo notturno. Per quanto riguarda le pellicole da utilizzare (fresche e ben conservate), è opportuno sceglierne una piuttosto sensibile 400-1600 ISO, se invece si vogliono ottenere stelle puntiformi. Inoltre, quando si porta a sviluppare il rullino, occorre specificare che si tratta di foto astronomiche senza margini ben definiti e che si devono sviluppare senza tagliare la pellicola (si dice sviluppo in striscia). Durante la fase dello sviluppo, infatti, il macchinario o l’operatore potrebbero tagliare a metà una foto, perché fanno fatica a distinguere lo spazio vuoto tra due fotogrammi e lo sfondo del cielo, solitamente sempre nero. Il tempo di posa limite in minuti è dato dalla seguente tabella, per un cielo buio, limpido e senza Luna. Si tiene conto anche del difetto di reciprocità delle pellicole impiegate.

Rotazione delle stelle attorno al polo celeste nord ottenuta con un obiettivo di 35mm a f/4 e 2 ore a 200ISO.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Tabella del tempo limite di saturazione in minuti per varie pellicole e cieli assai bui.

 

 

 

Tempo limite in secondi per macchine fisse sul treppiedi e stelle puntiformi

La distanza in gradi è dall’equatore celeste, distante 90° dalla stella Polare.

 

 

 

 

 

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pubblicato da Derfy in: Obiettivi Nikon

Da vari negozi online si scopre che la situazione del Nikon AF DC Nikkor 135mm f/2.0D sta per cambiare.

In alcuni viene dato come “da riordinare”, in altri come “fuori produzione”. L’obiettivo potrebbe essere veramente fuori produzione o magari in consegna con qualche ritardo. Quel che probabilmente sperano in molti è invece un aggiornamento per questo obiettivo da ritratti il cui design risale al 1995.

Via | NikonRumors

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pubblicato da Derfy in: Accessori

Camera Bits ha annunciato il rilascio della versione 4.6.1 del software Photo Mechanic in occasione della licenza numero 35000.

Photo Mechanic è un programma che consente di visualizzare le foto e gestirne completamente la vita digitale, dalla copia sul disco fino alla gestione dei metadati IPTC ed il backup su un’unità separata. Può anche gestire file Raw e convertirli in DNG.

La versione completa costa 150$, mentre gli aggiornamenti 100$.

Via | PhotographyBlog

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Gli obiettivi luminosi, lenti fisse e zoom, sono da sempre sulla bocca degli appassionati e nella borsa dei fotografi professionisti. Costano sono più pesanti e più ingombranti, ma hanno dalla loro tanti vantaggi. Eccone cinque per i quali vale, a nostro avviso, la pena di aprire il portafoglio.

Breve premessa

Cosa si intende per obiettivo luminoso? Un obiettivo che alla massima apertura lascia passare più luce rispetto a un obiettivo meno luminoso. Ad esempio, parlando di ottiche fisse, un 50 mm f/1,4 è più luminoso di un 50 mm f/1,8, oppure, parlando di zoom, un 70-200 mm f/2,8 è più luminoso di un 70-200 mm f/4.
Le sigle degli zoom indicano due aperture, la prima riferita alla lunghezza focale più corta, la seconda alla lunghezza focale maggiore. Ad esempio, la sigla dello zoom standard Nikon AF-S DX Zoom-Nikkor 18-55 mm f/3.5-5.6G ED II indica una massima apertura f/3,5 sul grandangolo e f/5,6 sul tele. E’ uno zoom economico, che fa onestamente il suo lavoro, ma certamente non uno zoom luminoso.

Non esiste una linea di demarcazione tra gli obiettivi luminosi e quelli meno luminosi. Si considera luminoso un obiettivo standard 50 mm a partire da f/1,4 (poi f/1,2 ecc.); sono considerati luminosi il Canon 85 mm f/1,2, così come il 200 mm F/2,0. Con gli zoom la linea si sposta un po’: ad esempio sono luminosi un 24-70 mm, oppure un 70-200 f/2,8. Lo è ancora di più (infatti è da record tra gli zoom tele) l’ Olympus Zuiko DIGITAL ED 35-100 mm f/2.0.
Tutti i corredi dei costruttori di fotocamere includono una linea di ottiche luminose che, generalmente, sono anche ben fatte sul piano meccanico e corrette su quello ottico. Sono ottiche professionali.

Ecco 10 Ragioni per scegliere un obiettivo luminoso.

1. Scattare anche quando gli altri non possono

Disporre di un obiettivo luminoso vuol dire, innanzitutto, poter continuare a scattare anche quando la luce scema di intensità.
Ciò che non è più possibile fare, ad esempio, con un obiettivo f/4, perché il tempo di scatto a quella apertura è troppo lento per evitare il mosso, può essere ancora possibile con un obiettivo più luminoso, f/2,8 ad esempio. Lo stop guadagnato ci permette di salire con il tempo di scatto e di evitare il mosso.
Potremmo risolvere la situazione diversamente, sfruttando lo stabilizzatore d’immagine incorporato nella macchina oppure nell’obiettivo (se c’è, naturalmente). Lo stabilizzatore è un valido aiuto per evitare il mosso quando c’è poca luce (si guadagnano 2-3 stop) ma funziona solo con i soggetti fissi, non con quelli in movimento, per i quali la cosa che conta è comunque il tempo di scatto rapido.

2. Massima qualità delle foto

Con le reflex digitali dell’ultima generazione, se la luce è poca, si può utilizzare un “trucco” accettabile, che non comporta perdita di qualità rilevante nelle foto. Il trucco consiste nell’ alzare la sensibilità (ISO) passando, ad esempio da 100 a 200, oppure 400-800 ISO (con alcune reflex anche oltre). L’eventuale presenza di disturbo può essere controllata e ridotta in fase di post-produzione – esistono ottimi software specializzati come Noise Ninja – ma qualcosa si perde sempre, soprattutto sul piano del dettaglio fine e del range dinamico (dipende dal tipo di foto e di illuminazione, naturalmente).
Dunque, se è la qualità della foto la cosa che per noi conta di più, l’obiettivo luminoso trova una più che valida giustificazione rispetto all’impiego della sensibilità elevata.
“A tutta apertura, però, un obiettivo non dà il meglio di se” obietterà qualcuno. Vero, il massimo si ottiene chiudendo il diaframma di un paio di stop. Ma il discorso vale tanto per gli obiettivi luminosi che per quelli “bui”.

Con le fotocamere compatte, che dispongono di tanti megapixel ma anche di un sensore di piccole dimensioni (è la densità dei pixel il problema), il trucco di alzare gli ISO (in modalità automatica è la macchina a farlo, perciò attenzione!), funziona molto meno e già a 400 ISO si rischia di deteriorare sensibilmente la qualità dell’immagine.
Anche una compatta, dunque, beneficia della presenza di uno zoom luminoso (oggi abbastanza rari purtroppo; tra tanti modelli svetta la Panasonic Lumix LX3 con il suo 24-70 mm equivalente con apertura f/2,0-2,8.

3. Più libertà con la Profondità di Campo

Quando chiudiamo il diaframma possiamo aumentare la quantità di cose a fuoco nell’immagine. Ad esempio, possiamo mettere a fuoco tanto il soggetto del nostro ritratto quanto lo sfondo alle sue spalle. Aprendo il diaframma succede l’inverso: possiamo restringere l’area a fuoco, ad esempio per staccare decisamente il soggetto dallo sfondo.
Questo è più facile se disponiamo di un obiettivo luminoso o, addirittura, molto luminoso.

4. Autofocus accurato

Il sistema AF, per la messa a fuoco automatica, funziona con la massima apertura dell’obiettivo montato sulla macchina. Un obiettivo luminoso aiuta il sistema autofocus.

5. Obiettivo luminoso = Mirino luminoso

Una delle ragioni per investire quattrini su un obiettivo luminoso è che grazie ad esso migliora notevolmente (entra più luce) la visione attraverso il mirino della fotocamera. La differenza si nota soprattutto in condizioni di luce scarsa.Per i fotografi professionisti è un plus importante, per chi non è un professionista, ma ha provato la differenza, anche.

3 Ragioni per Non Scegliere un Obiettivo Luminoso

Ecco il rovescio della medaglia, ciòè le ragioni per non compare un obiettivo luminoso: sono sostanzialmente tre, il prezzo (giustificato dalla costruzione più complessa), il peso e gli ingombri.
L’avvento delle reflex digitali con sensore in formato APS-c (la maggior parte di quelle oggi in commercio, con il loro fattore di conversione per le ottiche 1,5-1,6X, ha in parte ridotto il problema del prezzo salato degli obiettivi più luminosi, almeno sul fronte teleobiettivi.
Questo perché basta un 200 mm f/2,8 per disporre in realtà di un 300 mm f/2,8, lunghezza focale resa mitica dalle sfilate di moda, oggi (grazie al fattore di conversione) non alla portata non di tutti, ma di tanti.
Le macchine con il sensore in formato Quattro Terzi (il fattore di conversione per le ottiche è in questo caso 2:1) accrescono ulteriormente questo vantaggio. Un 200 mm f/2,8 equivale a un super tele sempre f/2,8 e perciò particolarmente luminoso.

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Abbiamo già dedicato un ampio articolo sul falso mito dei megapixel, nella categoria dei miti.

La vignetta pubblicata riesce a rendere al meglio tutto il discorso tecnico che abbiamo affrontato nell’articolo originale, con un semplice scambio di battute fra il futuro Sony Idou ed una Nikon D700, entrambi dotati di un sensore da 12 megapixel.

Il testo recita così:

Io ho più megapixel di teeeeeeeee

Prova a scattare al buio, bimbo

Nonostante lo stesso numero di megapixel le dimensioni dei due sensori sono molto diverse. Soprattutto i fotorecettori sono molto più piccoli e compattati nel telefonino sony, il che rende rende il problema del calore generato, e quindi del rumore prodotto, molto più difficile da gestire.

Via | Gizmodo

Fonte ClickBlog.it

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L’arrivo dei test di laboratorio di DxOmark ha portato alla luce un fatto a cui probabilmente qualcuno stava già pensando: i valori ISO mentono.

Guardando la curva in copertina si vede la retta ideale della progressione ISO, mentre i punti gialli rappresentano il valore misurato in quel punto della linea per la fotocamera presa in esame.

Come si intuisce subito il valore a cui scatta per iso 100 equivale ad iso 73 e si può ripetere il medesimo discorso per i punti successivi. Osservando le reflex prese in considerazione si nota che non esiste una chiara tendenza per questo “slittamento”.

Modelli diversi dello stesso produttore hanno valori diversi, ma sono pochi quelli che restano vicini al margine ideale. L’unico valore particolare è quello registrato dalla Nikon D3X che produce lo stesso risultato sia con iso 100 sia con iso 50.

Per chi fosse curioso di conoscere il comportamento della propria fotocamera può consultare direttamente i dati pubblicati da DxOmark, oppure guardare l’articolo originale che pubblica in elenco i risultati per molte fotocamere.

Via | Adorama

Fonte ClickBlog.it

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Con l’avvento della fotografia digitale Photoshop, come gli altri programmi di fotoritocco è diventato uno strumento molto importante.

Quando si modificano le foto però capita se si è poco esperti di commettere errori banali che andrebbero evitati. L’articolo ne riassume i 12 più comuni che andrebbero corretti. Ovviamente il discorso vale anche per gli altri editori grafici.

Tra i più importanti errori segnaliamo i metodi di estrazione e selezione, la desaturazione per il bianco e nero, l’uso di immagini a pochi dpi per la stampa.

Via | TheDesignCubile

Fonte ClickBlog.it

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David Ziser è un fotografo specializzato in matrimoni e questa volta ci porta a scoprire come gestisce la sua attrezzatura.

Si parte con un discorso introduttivo e poi si passa in rassegna a tutto quello che si porta dietro per ogni sessione. Ogni accessorio o obiettivo ha il suo posto ed un suo motivo per essere nella valigia.

Via | DigitalProTalk

Fonte ClickBlog.it

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Nuovi Modelli Combina sensore CMOS Exmor R, Sony G Lens e processore BIONZ Per Unparalleled Imaging Qualità Las Vegas (CES BOOTH # 14200), 7 gennaio, 2009 â € “In qualità di leader nella videocamera ad alta definizione della categoria, la Sony è l’introduzione di quattro disco rigido Handycam ® videocamere con ottiche ad alte prestazioni, grande capacità di archiviazione e tecnologie avanzate. La HDR-XR520V, HDR-XR500V, HDR-XR200V e videocamera HDR-XR100 modelli di preservare il contenuto in alta risoluzione …

Articolo tratto da Digital Camera

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Breeze Systems ha lanciato un software di cattura per le reflex Nikon D90 e Nikon D300.

Il programma consente di controllare alcune impostazioni della macchina come il fuoco, i modi di scatto, il tempo di esposizione e di vedere sul monitor le immagini che provengono direttamente dalla fotocamera.

Le immagini ricevute si possono salvare direttamente sul disco del computer. Un’applicazione utile per chi scatta in studio o può comunque sistemarsi con un treppiedi ed un portatile prima degli scatti.

Il costo del software è di 95$, ma è disponibile una versione in prova per 15 giorni.

Via | Photolectic

Fonte ClickBlog.it

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Jake Stangel ha lanciato un nuovo sito per giovani fotografi che ha deciso di chiamare in maniera spiritosa “Too Much Chocolate”.

Il sito, molto spartano ed appena nato, è diviso in 3 parti. La prima, la galleria, serve per far conoscere le opere dell’artista intervistato e si pensa di far scegliere proprio al fotografo di turno chi dovrà essere il prossimo intervistato.

Un’area per le discussioni dove poter conversare direttamente con il fotografo ed altre persone senza che il discorso muoia velocemente. Per finire la vera e propria area interviste.

Via | TooMuchChocolate

Fonte ClickBlog.it

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01.09.2008 – SANDISK, nota casa produttrice di schede di memoria, ha stabilito un nuovo record con l’ultima scheda SecureDigital messa in commercio. Si tratta di una SDHC caratterizzata dalla notevole velocita’ di scrittura/lettura pari a 30MB al secondo e sara’ disponibile con tre diverse capacita’, da 4, 8 e 16GB. Questa scheda di memoria prosegue il discorso aperto dalla casa con le prime schede SDHC prodotte, in linea con l’evoluzione delle fotocamere digitali, anche reflex, per offrire a tutti i fotografi prestazioni elevate anche con le schede SD. Con questa scheda e’ possibile registrare 39 immagini, di 6MB di dimensione, in modalita’ scatto continuo alla velocita’ di 4,5 fotogrammi al secondo, in perfetta sintonia con gli utlimi modelli di reflex digitale. Inoltre, e’ stata studiata per essere utlizzata anche in situazioni di temperature estreme, da -25 a 85 gradi centigradi.

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Su flickr spesso capita di vedere una raffica di commenti composti solamente da immagini e frasi preconfezionati, al massimo corredata da semplici aggettivi come “cool” o “stunning”. Uno delle caratteristiche più criticate del noto sito.

Magari possono essere divertenti all’inizio, ma dopo diventano abbastanza stucchevoli, perché sono sempre uguali e non dicono niente. Invece i commenti possono aiutare veramente un fotografo dando consigli o ispirando nuove foto.

Non si possono commentare tutte le foto che si vedono, ma per quelle che comunicano qualcosa o suscitano un’emozione bisognerebbe lasciare un messaggio. Le cose da dire sono molte, ecco un elenco per aiutarvi:

• Quale particolarita’ della foto vi e’ piaciuta di più e perché?
• Quali emozioni via ha suscitato?
• Vi ricorda qualcosa di bello?
• È un soggetto a voi caro?
• È una foto controversa?

Oltre questo lato più emotivo potreste volere qualche informazione più dettagliata sullo scatto o sulla tecnica. Molti fotografi spiegano con dovizia di particolari i dettagli dello scatto, ma questo puo’ rivelarsi un gran lavoro da fare per tutte le foto. Se volete qualche informazione in più chiedete semplicemente, ecco qualche suggerimento:

• Qual e’ stato lo stimolo per fare la foto?
• Com’e’ stato realizzato quel particolare effetto?
• Come e’ stato scelto il soggetto ed il luogo dello scatto?
• Come avete ottenuto quell’espressione dal soggetto?
• Cosa avete imparato con questa foto?

Come non bisogna sentirsi intimoriti quando si fanno domande, non bisogna fermarsi neanche quando si ha intenzione di fare una critica o dare suggerimenti. In questo modo si puo’ stimolare un discorso costruttivo. In questi casi e’ utile partire dicendo cosa piace della foto e lasciare per la seconda parte i suggerimenti per non sembrare eccessivamente critici.

• Suggerite un ritaglio diverso.
• Potrebbe ispirare una foto simile
• Fate notare qualche problema tecnico che non e’ stato subito notato e corretto, come l’orizzonte storto
• Suggerire un schema colori differente. Bianco e nero o monocromatico con un particolare colore.
• Aggiungere un elemento creativo alla foto.

Foto | 1. 2. 3. 4. 5. 6. 7. 8. 9. 10. 11. 12. 13.
Via | DPS

Fonte ClickBlog.it

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Spesso quando viene pubblicato l’annuncio di una nuova fotocamera ci si trova a pensare a tutti le bella parole e le promesse contenute nel comunicato, ma cosa succede quando poi il prodotto arriva e non mantiene del tutto o in parte quel che veniva dichiarato?

PhotographyBay ha pubblicato un elenco di 5 fotocamere che non sono all’altezza delle attese che hanno creato. Questo non significa che siano delle pessime fotocamere, ma che a volte il reparto commerciale semplicemente si e’ lasciato troppo prendere la mano.

L’elenco lo potete trovare dopo il salto. Nel caso non siate d’accordo con le opinioni riportate, ricordate che potete sempre utilizzare il servizio di segnalazione per condividere articoli con pareri differenti.

Nikon Coolpix P6000
Questa fotocamera avrebbe dovuto essere in diretta competizione con G10. Dal punto di vista delle caratteristiche e’ cosi’, ma alla prova pratica la qualita’ d’immagine e’ inferiore.

Nikon D90 DSLR
Qui si parla delle delusioni rispetto alle dichiarazioni dell’azienda. La D90 DSLR e’ un’ottima reflex, ma le dichiarazioni sulla modalita’ video non vengono mantenute dal prodotto reale.

Canon 1D Mark III
Un altro esempio di reflex che e’ stato rovinato. In questo caso si tratta del famoso problema di autofocus, che ha fatto scrivere fiumi di parole nei forum ed obbligato Canon a trovare una soluzione. Troppo tardi per non rovinare la fama di questo prodotto.

Red Scarle ed Epic
Novita’ interessanti, design modulare e ben congegnato. Purtroppo con l’annuncio vero e proprio non sono state rese note date precise sulla arrivo nel mercato ed il prezzo non e’ certo economico. Qualcuno e’ rimasto un po’ deluso, ma la strada e’ aperta e Red ha dimostrato di essere una compagnia molto intraprendente e con le idee ben chiare.

Casio EXILIM Pro EX-F1
Una superzoom da 60 fps per le foto e 1200fps per i filmati. Una grossa novita’ all’epoca dell’annuncio con caratteristiche che non si potevano trovare in altri modelli. Le recensioni di questo modello, pero’, non sono state sempre positive. Un tentativo che ha ancora molta strada da fare.

Foto | Discoodoni
Via | PhotographyBay

Fonte ClickBlog.it

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Questo e’ quello che dovrebbero dire i possessori di questa fotocamera molto spiritosa. I soggetti invece potrebbero sentirsi intimoriti

Si tratta di una compatta prodotta da Rollei che ha porta stampato davanti una foto del mitico, e forse un po’ abusato ormai, Chuck Norris. Con un peso di 158 grammi ed una capacita’ di resistenza all’acqua fino a 10 metri si puo’ definire tascabile e resistente a tutto.

Inoltre e’ resistente agli urti e cadute fino ad un metro. Il resto delle caratteristiche parla di iso fino a 1600, 8 megapixel e zoom 3x. Dopo il salto una raccolta di battute su Chuck Norris.

• Chuck Norris puo’ pilotare un sommergibile tenendo il gomito fuori dal finestrino.
• Chuck Norris non solo cammina sull’acqua, ma lascia anche le impronte.
• Chuck Norris e’ andato sull’orlo del Grand Canyon e ha gridato “stronzo!”. L’eco non ha risposto.
• Un giorno Chuck Norris, ad una convention di paralitici, pronuncio’ un discorso cosi’ commovente che ottenne una standing ovation
• I programmi di morphing non riescono a distorcere l’ immagine di Chuck Norris
• Le ombre cinesi di Chuck Norris parlano correttamente il mandarino
• Nei pantaloni di Chuck Norris non ci sono tasche. Solo fondine per le sue mani
• Chuck Norris ha girato il mondo. Ora la Terra ha il polo est e il polo ovest
• Chuck Norris puo’ pescare in mare utilizzando una rete wireless
• Durante una partita di pallavolo tra la rappresentativa del Texas e il resto del mondo, Chuck Norris ha bloccato l’attacco di un avversario murandolo. Vivo.

Via | Techfever

Fonte ClickBlog.it

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