Stasera la premiazione a Londra dei Sony WPA 2011, intanto, c’è tempo per fare qualche incontro: sì, perché i giudici si stanno più o meno pazientemente concedendo ai media presenti. Nella foto sopra vedete Elisabeth Biondi, da pochi giorni ex visual editor del New Yorker, e Rena Effendi, fotografa azera.

Avevo un’intervista programmata con Elisabeth, ma alla fine all’incontro si è unita anche Rena, ed è stato meglio così. Due giganti: la Biondi ha lavorato a GEO Magazine, Vanity Fair e Stern, mentre Rena ha realizzato lavori straordinari – se volete dargli un’occhiata, qui c’è il suo sito con portfolio e dettagli.

Entrambe fanno parte della giuria: una giuria che quest’anno ha dovuto valutare una mole enorme di lavori. Il concorso infatti è aperto non solo ai professionisti, ma anche agli amatori: il che porta a un inevitabile incremento di immagini da valutare. Anche a un abbassamento della qualità media? Vediamo.

Qualche numero per darvi un’idea: alla prima edizione del WPA 2009 parteciparono 139 paesi, e arrivarono circa 60mila foto. Nel 2010, i paesi furono 148, le foto 80mila. Nel 2011, quest’anno, i paesi sono 162 e le immagini circa 105mila. Possono essere tutte buone? No.

L’idea è condivisa in parte anche da Elizabeth Biondi, che spiega però che “la ratio, il rapporto tra le foto forti, che ti lasciano qualcosa, e quelle che non ti lasciano nulla è più o meno rimasto costante con gli anni”. Con gli anni del digitale, va da sé. Perché prima tendo a credere le cose fossero un po’ diverse.

Ne parlo con Rena Effendi – che utilizza attrezzatura rigorosamente analogica – che conferma. Lavorare in una giuria, spiega Elisabeth “ti mette anche un po’ di nostalgia, perché rivedi gli anni che sono passati”, e quegli anni te li senti tutti. E a quel punto ci mettiamo a parlare di iPhone…

Già, perché nella shortlist finale del Sony WPA ci sono anche molte immagini scattate con quel device. Con un telefono: roba da far inorridire i puristi? Per niente. Come spiegava ieri Bruce Davidson a qualcuno che gli ripeteva la solita domanda “Non pensa che il digitale sia freddo?” ribatteva “No, l’unica cosa che conta è l’arte, non il mezzo. Se c’è arte, il mezzo non conta”. Quanto ha ragione il vecchio Bruce.

Quello che fece notizia, mesi fa, fu Damon Winter: si girò l’Afghanistan portando a casa un reportage straordinario, “scattando” con un iPhone 4. Non con migliaia di euro di pesantissima attrezzatura spaccaschiena.

Parlo con Elizabeth di un articolo uscito su TechCrunch qualche tempo fa, in cui si mostrava questo grafico

in cui era chiaro come tra i flickeriani, fosse ormai un pareggio tra la Nikon D90 e l’iPhone 4: eh, hai detto niente però, prova a telefonare con una D90. Sono due oggetti radicalmente differenti, manco ci sarebbe da sottolinearlo. Ma è la semplicità della user experience e la praticità che li differenzia: a favore di quale dei due oggetti industriali potete facilmente immaginarlo.

Elizabeth Biondi spiega che “le foto dell’Afghanistan sono anche uscite su Newsweek, tutte foto scattate da iPhone, ed è un cambiamento enorme, ogni decade ce n’è uno: abbiamo passato la rivoluzione digitale, che non è più tale, visto che si è istituzionalizzata, ora ce n’è un’altra”.

Tira fuori un case study celebre, quello di Janis Krums e dell’aereo che ammarò nel fiume Hudson a NY. Rena ovviamente storce il naso, ma non per snobismo. Per certi lavori può bastarti – o per certe occasioni in cui non hai scelta – una fotocamera da cellulare, per certi altri – come seguire per 1700 km un gasdotto – se vuoi dare un’impronta più personale al lavoro, utilizzi chiaramente altro.

Vedremo come andrà a finire per Balasz Gardi, fotografo tra i finalisti di quest’anno al WPA: anche lui, Afghanistan e iPhone. Da come ne parlavano Elisabeth e Rena, sembra abbia fatto un’ottima impressione sulla giuria. Chiude Elisabeth: “È una nuova rivoluzione in cui i fotografi hanno già sviluppato un loro linguaggio, una democratizzazione della fotografia sullo stile di quanto accaduto con la Polaroid”.

Sony WPA 2011 Londra: Elisabeth Biondi e Rena Effendi é stato pubblicato su Clickblog.it alle 14:35 di mercoledì 27 aprile 2011.

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Zoriah
è un fotogiornalista molto famoso ed indipendente che gira ogni angolo del mondo per documentare la realtà. Recentemente ha pubblicato un articolo molto interessante in cui spiega che il suo intero portfolio è stato realizzato per metà con una fotocamera che ora costa circa 200$, mentre l’altra con una reflex molto costosa, quanto un’auto. La vera parte succosa è dove spiega che non è il mezzo più o meno tecnologico a fare buone foto, ma il soggetto e le emozioni suscitate dello scatto.

Per dimostrarlo ha scelto di comprare una compatta usata per 70$ (nuova sarebbe costata 150$) e l’ha portata con sé nel suo ultimo viaggio in Africa dove ha indagato nel mondo della povertà più assoluta e dove anche i bambini sono schiavi della droga e si vendono per pochi spiccioli.

Per questo motivo ha deciso di pubblicare prossimamente un resoconto del suo viaggio con questo modello di fascia medio-bassa. Nel frattempo potreste cercare di capire quali immagini del suo portfolio sono stati scattati con un’ammiraglia e quali con un modello entry-level. Non si tratta di un’impresa molto semplice, ma l’unica cosa vera che conta è fare foto e non con quale mezzo le si esegue.

Via | Zoriah

Fotogiornalismo con una compatta é stato pubblicato su Clickblog.it alle 13:00 di venerdì 15 aprile 2011.

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Qui sopra potete vedere Thrush, un bellissimo video realizzato da Gabriel Bisset-Smith e Graham Turner.

Se avete accesso a qualsiasi rete sociale avrete visto quante centinaia e migliaia di scatti vengono caricati che documentano in maniera più o meno precisa tutti gli ambiti della propria vita personale. Feste, gite, risvegli e foto private solo per citare qualche esempio dei più comuni.

Nel filmato qui sopra viene sfruttata questa idea per raccontare una storia, quella di un amore che nasce, cresce, si sviluppa e poi finisce. Il tutto con la voce narrante che spiega quello che si vede nelle immagini. Foto che potrebbero essere quelle che si trovano in molti account Facebook.

Via | BoingBoing

Una relazione raccontata attraverso le foto insieme é stato pubblicato su clickblog alle 13:59 di mercoledì 06 aprile 2011.

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Quando si vola in aereo c’è da fare attenzione alle limitazioni su quanto si possa portare in cabina insieme a noi e su quanto va imbarcato nella stiva. Questo video vi spiega in maniera sufficientemente evidente perché, in questa ed altre situazioni, è indispensabile tenere sempre sott’occhio la nostra attrezzatura. Voi come vi comportate quando viaggiate?

Via | Petapixel

Perché non bisogna imbarcare il proprio corredo é stato pubblicato su clickblog alle 13:00 di martedì 01 febbraio 2011.

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In passato Nikon ha fatto capire di voler progettare da sola tutti i suoi sensori. Al momento solo i sensori delle ammiraglie sono esclusiva Nikon gli altri dovrebbero essere dei normali sensori Sony.

Chipworks ha smontato pezzo per pezzo una Nikon D7000 ed ha scoperto che il sensore di questa reflex è il Sony IMX071, come potete vedere dalle foto di copertina. Scoperta che spiega ampiamente i risultati simili ottenuti dalla D7000 e dalla Sony A580 su DxOmark.

Ora non resta che vedere se qualcuno ha il coraggio di smontare una D3X o D3s per vedere se quanto affermato dall’azienda corrisponda a verità . Se siete curiosi di vedere com’è fatta una D7000 all’interno non vi resta che andare a vedere la galleria su Chipworks.

Via | ChipWorks

La Nikon D7000 utilizza un sensore Sony é stato pubblicato su clickblog alle 11:00 di mercoledì 26 gennaio 2011.

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Le statistiche possono darci la possibilità di trovare informazioni interessanti da dati che presi singolarmente non avrebbero molto senso.

Michael Zhang ha provato il nuovo servizio di Google, Books Ngram Viewer, che effettua una ricerca e consente di vedere come l’utilizzo di una parola è variato nel tempo. Cercando Photography, come vedete nell’immagine in copertina, si notano la crescita nel tempo ed alcuni picchi nel corso dell’ultimo secolo.

La salita degli anni ‘30 può essere dovuta all’arrivo delle 35mm nel mercato di massa e del primo fotogiornalismo, mentre per quella degli anni ‘60 il motivo potrebbe essere il pensiero diffuso della fotografia come arte. Se l’ultimo picco può essere spiegato con l’arrivo in tutte le famiglie delle compatte, cosa può aver causato il declino negli ultimi 10 anni?

Via | PetaPixel

La storia della fotografia nei libri é stato pubblicato su clickblog alle 10:00 di martedì 21 dicembre 2010.

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WORKSHOP DONALD WEBER
Venerdì 26 Novembre 2010 ore 16:30-20:30
Sabato 27 Novembre 2010 ore 10:00-14:00

Scuola Romana di Fotografia
Via degli Ausoni 7/A
00185 – Roma

Donald Weber, nato a Toronto, è un fotografo rappresentato da VII Network, fondata da James Nachtway. Ha vinto numerosi premi tra cui: Guggenheim Fellowship, Lange -Taylor documentary Grant, World PressPhoto, Duke and Duchess of York Photography Prize, PDN’s 30. E’ stato nominato Emerging Photo Pioneer dalla rivista American Photo.I suoi lavori sono stati pubblicati su numerose riviste internazionali come Der Spiegel, The Guardian, Newsweek, Mew York Times e New York Times Magzine, Rolling Stone, Stern, time e Walrus.

Weber presenterà un’anteprima del suo nuovo libro “Interrogations“, che sarà pubblicato il prossimo anno. Questo libro è frutto di cinque anni di lavoro in Russia e Ucraina. Il suo intervento servirà a spiegare come si gestisce un progetto fotografico a lungo termine, sia in termini economici che di difficoltà logistiche e creative.

Il secondo giorno parlerà dei punti essenziali per scrivere proposte di successo per i vari grants e premi fotografici.

Clicca qui per visualizzare l’evento sul calendario

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La foto che vedete in copertina è stata realizzata con l’aiuto di 50 fotografi della Photographic Association of Toledo.

Possono sembrare per una normale foto panoramica, ma in realtà il contributo di ognuno è stato fondamentale per ottenere il risultato che potete vedere in copertina. Ogni fotografo era dotato di due flash che faceva scattare insieme mentre pattugliava una cera zona non illuminata della città.

Per ottenere il risultato finale sono stati quindi utilizzati 3.000 lampi di luce per coprire una zona di circa 100.000 metri quadrati. Per dettagli delle foto potete consultare il blog dov’è spiegato l’intero progetto.

Via | Caborian

Toledo, illuminata da 50 fotografi é stato pubblicato su clickblog alle 10:00 di mercoledì 27 ottobre 2010.

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30 Ottobre 2010 – Ferrara

http://www.nikonclubitalia.com/forum/index.php?act=attach&type=post&id=51698

Torniamo indietro nel tempo fino all’inizio del secolo scorso per spedire delle cartoline dagli anni ’30!

Questo è il workshop diretto da Aldo Stefanni con la splendida modella ungherese Gaby, che EuRossProject in collaborazione con Project Studio di Ferrara presenta per chiudere in bellezza il 2010. Un workshop per imparare e realizzare scatti d’autore.

http://www.nikonclubitalia.com/forum/index.php?act=attach&type=post&id=51699

Le sessioni saranno introdotte dalla presentazione storica del periodo, l’illustrazione delle cartoline degli anni ’30 e la spiegazione delle tecniche di illuminazione dell’epoca.

Aldo Stefanni è un maestro di fotografia a Milano, docente di corsi di esperienza decennale, già direttore del workshop sul Fetish e Burlesque a Ferrara la scorsa estate.

La sessione di scatti da parte dei partecipanti sarà effettuata in singolo e in piccoli gruppi e prevede il nudo artistico ambientato negli anni ’30

tutte le info e le iscrizioni: www.EuRossProject.com

http://www.nikonclubitalia.com/forum/index.php?act=attach&type=post&id=51700

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Nikon in collaborazione con la Nasa ha pubblicato alcune delle foto che gli astronauti hanno scattato dalla stazione spaziale internazionale.

Come vi avevamo spiegato qualche mese gli abitanti della stazione hanno a disposizione un vero e proprio arsenale fotografico composto da una Nikon D3s, 8 D2Xs, 36 obiettivi Nikkor, 7 flash SB-800, 3 moltiplicatori ed accessori vari. Il materiale non è stato modificato in alcun modo prima della spedizione nello spazio.

Potete vedere tutte le foto pubblicate sul sito Nikon.

Via | NikonRumors

Nasa, pubblicate nuove foto dallo spazio é stato pubblicato su clickblog alle 13:59 di venerdì 09 luglio 2010.

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Siete appassionati di astronomia, fotografia astronomica o semplicemente amate l’immensità dell’universo?

Se la risposta è affermativa allora Astronomy Picture of the Day è il sito che fa per voi. Gestito dalla Nasa ogni giorno pubblica una bellissima foto dello spazio.

Ogni immagini è corredata da una didascalia scritta da un astronomo professionista che vi spiega i dettagli del corpo celeste immortalato.

Via | Nasa

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Consueto bagno di folla ieri alla Galleria Sozzani in Corso Como 10 per l’inaugurazione della mostra del World Press Photo 2010. Tra “vip” del mondo della fotografia e dell’editoria milanese, addetti ai lavori, giovani e curiosi c’ero anche io e ho colto l’occasione per scattare qualche foto che rendesse l’idea del notevole afflusso registrato (le trovate dopo il salto).

Come capita spesso, proprio per via dell’affollamento, le inaugurazioni non sono il momento migliore per godersi una esposizione; questo per dire che se non siete riusciti a presenziare ieri non disperate, anzi. Io stesso credo che tornerò uno dei prossimi giorni per godermi le immagini con maggiore tranquillità. Qualche impressione sulla mostra sono comunque riuscito a ricavarla. Il World Press Photo è, come sempre, garanzia di grande qualità e anche questa edizione non si smentisce.

Una panoramica per immagini a 360 gradi dei nostri tempi e dell’anno appena trascorso: dalla guerra in Afghanistan al fenomeno Obama, dal dramma dei veterani americani alle sommosse nei paesi in via di sviluppo, dalla situazione iraniana alla causa animalista, ma non solo; c’è spazio anche per la fotografia etnografica, il ritratto e il “colore” legato alla cultura, alla musica, allo sport. La qualità è quindi molto alta e l’allestimento le rende onore.

Per l’occasione, Galleria Sozzani ha sostituito il tradizionale bianco dei muri con pannelli di diversi colori, in linea con le tematiche e i cromatismi delle immagini che presentano. Una scelta che dà una sensazione di maggiore ampiezza agli spazi, non certo estesissimi, della galleria e che aiuta l’osservatore nella delineazione di un ideale percorso tra le immagini. Alcune foto sono molto crude ma la mostra è assolutamente per tutti (purché armati di una certa consapevolezza che il mondo non è il paese dei balocchi) tanto che ieri erano presenti anche alcuni bambini in compagnia dei loro genitori.

E proprio di un padre é stata la frase più bella che mi sono portato via dal World Press Photo ieri pomeriggio: “vedi – spiegava al figlio di fronte alla foto di una sommossa – quei signori sono molto arrabbiati uno con l’altro. Tu dovrai stare molto attento che qui non capiti mai”.

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Quando avete intenzione di comprare un nuovo obiettivo ed avete deciso il genere (grandangolo, tele, ecc.), le funzionalità accessorie ed il budget di spesa come vi comportante nel caso ci siano due o più obiettivi simili che rientrano fra i vostri parametri?

Ci sono 6 caratteristiche da valutare per decidere quale obiettivo si comporta meglio degli altri:

• Aberrazione cromatica
• Distorsione
• Vignettatura
• Nitidezza
• Bokeh
• Flare

Alcune caratteristiche sono banalmente correggibili via software, mentre altri, come la nitidezza, sono di primaria importanza.

Thom Hogan ha provato a dare una spiegazione della sua personale classifica:

1. Nitidezza
2. Vignettatura
3. Flare
4. Distorsione
5. Aberrazione cromatica
6. Bokeh

Siete concordi o voi scrivere questa classifica in maniera diversa?

Via | ByThom

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Sta diventando molto famoso in rete grazie ali suoi Laptopogram. In pratica realizza delle stampe fotografiche partendo da foto mostrate sullo schermo del proprio computer. Abbiamo avuto l’opportunità di fargli un’intervista che vi proponiamo in esclusiva (nel seguito del post un aggiornamento esteso, in inglese).

Come ti è venuto in mente l’idea del laptopogram?
Sono molto pigro ed ero sdraiato al sole quando mi è venuta quest’idea.

Puoi spiegarci come funziona il sistema?
La carta fotografica è sensibile ad ogni tipo di luce. Il tempo ed il tipo di luce che colpisce la carta determina il tipo di immagine.

Ovviamente non è necessario un portatile. Potete usare una televisione o, per esempio, un iPhone. Qualsiasi tipo di schermo.

Quali sono i vantaggi di un laptopogram?
Questa tecnica permette di fare velocemente delle stampe a partire da qualsiasi immagine digitale: foto, grafica o persino filmati.

E viene bene.

Come provare a realizzare un laptopogram in casa (regolazioni monitor, tempi di esposizione, ecc..)?
Il minimo che vi serve sono i reagenti chimici, la carta fotografica ed una stanza buia.

Ha usato una padella del mio forno per lo sviluppo, una lampadina rossa della mia bicicletta per vedere al buio ed a volte utilizzo il caffè per fare stampe.

Quali consigli daresti per chi ha voglia di provare a realizzare un laptopogram?
Arachide + coriandolo = good.

Come prevedi di migliorare la tecnica del laptogram?
Con la pratica.

Risposte in inglese.

How did the idea came to you?
I’m terribly lazy and was lying down in the sun and the idea just came into my head.

Can you explain how the system works?
Photopaper is sensitive to any kind of light. The amount and quality of light, and the time for which you shine light on the paper determine the image.

You dont need a laptop, of course. You can use a television, or an iPhone for example. You can use any kind of screen.

What are the advantages of a laptopogram?
This technique allows me to quickly make prints from any digital image: either photo, or graphics, even movies.

And it looks good.

How can somebody do a laptopogram at home (screen, calibration, exposure time, etc)?
The minimum you will need is chemicals (for developing and fixing) and photopaper and a dark space.

I used a tray from my forno for developer, red light from my bicicletta for seeing in the dark, sometimes I use coffee to make prints.

What advice would you give to those who want to try out a laptopogram?
Arachide + coriandolo = good.

How do you plan to improve the technique of laptogram?
By practice.

UPDATE: EXTENDED INTERVIEW FOLLOWS

1. What is your history as a photographer?

I remember taking one photo when I was eight or nine. I was in the lounge of our home and my mother sat in front of the fireplace. This photo is perhaps from the same period as well. I found the scratched up negative two years ago when I went home.

A few years ago I stopped making darkroom prints. I scanned all my negatives on drumbeds and emailed myself the files. Laptopograms are the exact inverse; I take photos digitally and print them analogue. Its good to start again.

I started digital photography fairly recently. I now use my camera as a notebook of sorts, taking photos of everything. I put CHDK on it. Now my thoughts are distorted by this camera. Its like having memory you can grep.

2 – Can you tell you more about your previous experiments?

I like thinking of certain kinds of photography-as-performances.

Once I made casein prints and put them on little pieces of bread. The negatives had been developed with mint. Someone told me horse urine was the best toner but I didn’t find any horses in Helsinki so I used my own. I then walked around offering these foto-biscotti to people. Some people ate them. Some saw them for a little while, and then ate
them. Potassium bichromate is not good for you. Please don’t eat it.

At the PKBB in Jakarta I found an old Xerox machine. Now Bahasa Indonesia is quite fun; ‘foto’ means ‘photo’ ‘kopi’ is ‘coffee’, and ’susu’ is ‘milk’. ‘fotokopi’ is ‘photocopy’ and ‘kopisusu’ is ‘coffee with milk’.

My performance was called ‘fotokopisusu’. I developed some negatives in caffenol (which is coffee with washing soda) and made casein prints (casein extracted from milk). The audience was given the use of the Xerox machine. Some people made photocopies of the kopisusu prints. Some took my prints and left xeroxes behind.

In school I did a piece called ‘Aha! Oho!’ by asking people to imagine photographs. I would do this by placing an imaginary camera at a certain spot and asking people what they thought of the results. Sometimes I’d place the camera right atop our heads or in my shoe. Sometimes behind imaginary walls or in my mouth. I remember talking to Valentino Braitenberg about imaginary cameras and it was most jolly. He gave me those glasses you see in the picture. They have polarised lenses.

I would like to repeat these performances someday.

Here are two other pieces i did: here on Vimeo. The latter involves a rather lovely pianola roll given to me by Andy Cameron.

3. What are the techniques you enjoyed the most and appreciated in master’s works.

The Ungaro-Serbian photographer Andrea Palasti showed me Moholy-Nagy’s device. I liked it. The interwar period was good.

I make prints in my bathroom. And since my laptop is my lightsource I had internet in my darkroom. It was new.

4. What is the philosophy behind Laptograms, is ther anything behind it or is it just an impromptu discovery? Similarities and genealogic links with the history of photo printing?

Memory is funny. I usually have a backlog of film to be developed in a bag. Its all mixed. I developed some photos last week that I took two years ago. Its funny seeing old film that you shot. It triggers all these memories and sensations. Sometimes you do not remember taking this photo and this alters your memory of the past. Sometimes you go ‘Ah! so.’ Its like dental floss.

Early photography is interesting. You see it being used as an anthropometric tool, as an instrument. It becomes artistic later on.

A laptopogram is a mnemonic, as some photos are. It is a sign to remember the quotidian.

5. Where do you see Laptograms evolving in a year? Is there any specific subject where they might find anatural habitat and offer unique experience to the enthusiast?

Hmm. Laptopograms with Polaroid film is top on my list. You dont need any chemicals. You simply need a dark space.

Laptopograms of websites, of computer interfaces, of email inboxes, of internet porn – of these spaces we inhabit for eight hours a day.

Perhaps prints from movies; by playing cinema instead of displaying a static image.

I got hold of an iPhone yesterday. Its fun to use it like a stamp. Its a perverted scanner.

There are some websites which describe the shell script I used as a ‘virtual shutter’ or a ’shutter’. This is a flawed analogy. The script simply turns on the monitor. It is a timer. The nature of this technique is to ‘fold down’ the negative and the light source into a single object.

6. What were your feelings while watching this phenomenon grow like wildfire on the web in 36 hours?

Bemusement. Fabrizio Urettini and Alexandre Saumier-Demers were with me while this happened and we laughed.

7. What are you doing now?

I’m doing a series of prints for Fabrica. They are prints of the desktop screenshots of resident Fabricanti. I wrote to some of them and asked them to email me screenshots. Some responded immediately; some were shy; some rearranged things on their desktop; some said it was unfair because their desktops were not cool. It’s
been fun.

I might do something with Fabrizio’s gallery XYZ. A public darkroom perhaps,a circus sideshow.

8. Anything else?

Some people thought arachide+coriandolo=good was a chemical formula for developer. I meant to say that I like peanuts with coriander, its tasty.

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“Luigi Ghirri”

di Caltagirone (CT)

Inaugura

Sabato 5 Settembre 2009 ore 18,30

Una mostra fotografica di

MIGNON

turetta_marco_new-york_2003

“Sognare di Donne”
Fotografie di:
Fatima Abbadi
Ferdinando Fasolo
Roberta Lotto
Mauro Minotto
Giorgio Pandolfo
Giampaolo Romagnosi
Angelo Tassitano
Marco Turetta
Giovanni Umicini
Intervengono:

Francesco Pignataro
Sindaco del comune di Caltagirone

Giuseppe Pappalardo
Storico e critico della fotografia

Sebastiano Favitta e Attilio Gerbino
Curatori mostre della Galleria Fotografica “Luigi Ghirri”

Presentazione mostra e Libro fotografico “Mignon – Sognare di Donne”
(POLYORAMA EDITORE – GENTE DI FOTOGRAFIA)

Dal 5 Settembre al 4 Ottobre 2009

Giuseppe Pappalardo, promotore di questa mostra, è da diverso tempo attento all’attività di Mignon che torna con un progetto collettivo tipico del gruppo e che prevede un insieme di immagini che creino un dialogo con l’osservatore e non una esposizione per autore di “fotografi”.

Ecco cosa scriveva Pappalardo nel “Notiziario Fotografico” di Marzo 2005:

“Dobbiamo riconoscere che le mostre del formidabile ensemble Mignon dissipano radicalmente le ombre e i dubbi che da tempo addossiamo sui giorni futuri della fotografia. L’esperienza di questo gruppo, l’entusiasmo del loro programma e della loro proposta, fanno, invece, tacere i tanti lamenti che si sentono tra i fotografi e confermano che la fotografia, quella sana, sincera, onesta e motivata, quella che insomma amiamo, è ancora viva e vegeta. La fotografia Mignon si stacca, infatti, risolutamente dalla tanta ripetitività, più che mediocrità, che c’è in giro e autorevolmente si propone all’attenzione nazionale e internazionale spiegando con chiarezza le ragioni del proprio fotografare e, quindi, la necessità di guardare ancora una volta all’esistenza umana dentro e attraverso l’intelligente selezione dell’obiettivo. Questi fotografi lo fanno legandosi a una tradizione storica e tecnica che si rivela non solo adeguata ai loro intenti ma ancora opportunamente vitale per frugare tra i giorni nostri e lungo le nostre strade; e lo fanno scegliendo per il loro cammino compagni d’avventura che sono anche qualificati maestri ed eminenti storici della fotografia (ci riferiamo alla stima che Walter e Naomi Rosenblum accordano al sodalizio). Testimoniano, inoltre, con la loro concreta attività che professionisti e amatori possono, attraverso un concordato programma di intenti, maturato nella ricerca fotografica e nella consapevolezza d’un uso intelligente dello specifico fotografico, offrire quella riflessione del mondo e sul mondo che, da tempo, la nostra piccola e personale esperienza fotografica riconosce come fondamentale per capire chi siamo e dove stiamo. Le indicazioni di Giovanni Umicini – la figura di maggior fama tra tanti valenti obiettivi – per quella particolare attenzione rivolta alla “Street Photography” che, nella produzione attuale di Mignon, si rivela un dirompente manifesto ideologico quanto mai opportuno di fronte all’incalzare di tante immagini fotografiche realizzate a tavolino, con poco occhio e nessuna collaborazione dei rimanenti sensi…….”

Questa nuova mostra prende spunto dalla piacevole sorpresa di riconoscere, come un vero e proprio “manifesto fotografico”, il testo della scena di un film in cui il protagonista, a spasso per le strade di Parigi, pensa al suo rapporto con le donne e la città. In un periodo in cui si preferisce vedere sempre il lato negativo delle cose, questo è un ottimo spunto per invitare tutti a un rapporto diverso con il mondo che ci circonda. Il protagonista si alimenta di ciò che vede fra il pubblico, per vivere con più forza la sua sfera privata.

Mignon

Dal film “L’amore il pomeriggio” di Eric Rohmer, Francia 1972.

Scena N° 5: Sognare di donne:

“Se c’è una cosa che non sono più in grado di fare è la corte a una ragazza, non so cosa potrei dirle e d’altronde non c’è ragione che le dica qualcosa, non voglio niente da lei, non ho niente da proporle, tuttavia sento che il matrimonio mi blocca, m’imprigiona e ho voglia di evadere. La prospettiva di una felicità senza scosse m’immalinconisce e mi scopro a ripensare i tempi lontanissimi in cui provavo anch’io gli spasimi dell’attesa. Sogno una vita fatta solo di primi amori, d’amori durevoli. So di volere l’impossibile, non invidio nessuno e quando vedo due innamorati, penso meno a me, a quello che ero, e più a loro, a quel che saranno, per questo amo la città, la gente passa e sparisce, non la si vede invecchiare, quel che rende straordinario ai miei occhi lo scenario di Parigi, le sue strade è la presenza costante e fuggevole di donne che s’incrociano a ogni momento e che quasi certamente non rivedrò mai più, purché siano la, indifferenti o consapevoli del loro fascino, felici di verificarne l’effetto su di me, come io verifico il mio su di loro, per un tacito accordo senza sguardi o sorrisi anche appena accennati. Sento il loro potere d’attrazione senza esserne attratto, tutto questo non mi allontana da Helene, al contrario mi dico che le bellezze che mi passano davanti sono il naturale prolungarsi delle bellezze di mia moglie, la arricchiscono con la loro bellezza ricevendone in cambio un poco della sua, la bellezza di lei garantisce la bellezza del mondo, viceversa quando abbraccio Helene abbraccio tutte le donne. Sento che la mia vita passa, che altre vite passano parallele alla mia e sono quasi frustrato di rimanervi estraneo, di non aver saputo trattenere ogn’una di queste donne anche per un solo istante nella loro corsa verso chissà quale lavoro, verso chissà quale piacere, e sogno, sogno di possederle tutte.

SPAZIO ESPOSITIVO: Galleria Fotografica “Luigi Ghirri”, presenta, “Sognare di Donne” Fotografie del gruppo MIGNON. Da sabato 5 Settembre a domenica 4 Ottobre 2009. via Duomo 11 c/o Corte Capitaniale, 95041 Caltagirone (CT), + 39 334 3358978, + 39 333 2419089 http://www.galleriaghirri.eu/ ORARI D’APERTURA: mar./dom. 9.00 -13.00, 16.00 -19.00.

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e

IL CONSIGLIO DI QUARTIERE 3 – EST
Sono lieti di invitarvi alla presentazione del libro:

“MEDITAZIONE E FOTOGRAFIA”

Di

DIEGO MORMORIO
Presenterà l’autore il Prof. Angelo Maggi

interverranno Sara Munari (Stazione Fotografica – Lecco) e Giampaolo Romagnosi (Mignon)
Giovedi 2 Luglio 2009, ore 21

SALA CONSILIARE “FORCELLINI”

ingresso libero
Giovedì 2 Luglio: “MEDITAZIONE E FOTOGRAFIA”. Diego Mormorio presenterà a Padova presso la sala Consiliare “Forcellini”, il suo recente saggio incentrato sulla proposta di relazione tra la meditazione e la fotografia.

Il libro è nato da un’idea suggerita da un suo grande maestro tibetano, ora tornato in India, con il quale l’autore ha studiato e praticato meditazione per anni, proprio questo maestro lo ha indotto a riflettere sulla contiguità tra la fotografia e la meditazione. Il timore iniziale, secondo la spiegazione dell’autore, era da una parte quello di sfigurare con una delle persone più importanti della sua vita, e dall’altra la difficoltà di trattare una tematica così particolare. Il dubbio si è stemperato nella volontà di trasmissione di ciò che gli è stato donato dai suoi stessi maestri. Pertanto Diego Mormorio definisce questo libro “un dono che dona”.

L’autore che si occupa di fotografia da circa trent’anni spiega che lo stimolo per la scrittura di questo libro è di dimostrare come la fotografia, che nasce dalla cultura materialistica, possa essere trasformata in uno strumento spirituale. Ecco dunque la necessità di coniugare fotografia e meditazione.

“Non è necessario fotografare molto”, esorta l’autore, “non dobbiamo cadere nel consumismo del fare tutto in grande quantità”. Secondo la sua riflessione occorre imparare a osservare e a condensare l’essenza in pochi scatti.

“Noi vediamo la luce perché esiste l’atmosfera, il pulviscolo atmosferico. Quando raggiunge questi piccoli corpi la luce di diffonde, altrimenti vedremmo i corpi illuminati, ma intorno ci sarebbe buio. Senza le piccole cose le grandi non esistono: tutto è interdipendente”.

Il saggio di Diego Mormorio offre un punto di vista singolare che può essere oggetto stesso di meditazione, e numerose sollecitazioni e riferimenti per chi voglia approfondire le tante tematiche affrontate.
Diego Mormorio è nato a Caracas da genitori siciliani. Il suo lavoro è dedicato soprattutto al rapporto tra la fotografia e la cultura filosofica e letteraria. Da tempo si interessa in modo particolare al tema della rappresentazione della bellezza, della natura, del paesaggio. Tra le sue pubblicazioni citiamo “Gli scrittori e la fotografia” (1988), “Storia della fotografia” (1996), “L`isola dei siciliani” (1995), “Vestiti. Lo stile degli italiani in un secolo di fotografie” (1999), “La lunga vacanza del barone Gloeden” (2002), “La regina nuda. Delazioni e congiure nella Roma dell’ultimo Papa Re” (2006), “W Garibaldo. Tre racconti garibaldini” (2007).

Tratto da www.contrasto.it

Angelo Maggi è nato a Hitchin (Gran Bretagna) nel 1968, ha conseguito il titolo di dottore di ricerca (Ph.D.) presso la Herriot-Watt University di Edimburgo. Ha maturato esperienze a livello internazionale nell’ideazione e organizzazione di mostre fotografiche, stringendo rapporti di collaborazione con gli Istituti Italiani di Cultura in Gran Bretagna, con le National Galleries of Scotland di Edimburgo, e con il Museo di Storia della Fotografia Fratelli Alinari a Firenze. Dal 1999 al 2002 ha insegnato Storia della Fotografia e Storia dell’Architettura presso l’Edimburg College of Art – Heriot-Watt University. Attualmente insegna Storia della Fotografia presso la Facoltà di Architettura dell’Università Iuav di Venezia, e presso le Facoltà di Lettere e Filosofia delle Università degli Studi di Trento e Venezia. Vive e lavora a Padova.

Per qualsiasi informazioni inerenti al gruppo Mignon, alle iniziative dello stesso o alla “Street Photography”, scrivere a: info@mignon.it

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Mostre – Vernissage

Palermo, 28\06\2009 – h 18,30 – palazzo Tarallo – via delle pergole,74

“Ventodarte a Ballarò” ­- Personale di Kino Mistral

Info: Artem galleria – 091\346945- 3472446638 info@artemgalleria.it

____________________________________________________

VENTODARTE, KINO MISTRAL

28 giugno – 18 luglio – palazzo Tarallo – PALERMO

Domenica 28 giugno 2009 alle ore 18,30 verrà inaugurata presso le sale di palazzo Tarallo a Ballarò “Ventodarte”, la mostra personale di Kino Mistral, artista milanese che esporrà così nella sua città d’elezione . L’esposizione sarà visitabile dal 28 giugno al 18 luglio.

Il 28 giugno alle ore 18,30 si terrà un vernissage durante il quale sarà offerto agli ospiti dai partners dell’evento una litografia 30×20 dell’Artista, una borsa in tela di Pandolfo con il rinfresco di Pizzo&Pizzo e con i vini Tenuta Mariano, etichetta vinicola siciliana vicina all’Arte e alla cultura. Durante l’evento verrà inoltre distribuita una copia omaggio del volume di Andrea Camilleri “Maruzza Musumeci” edito da Sellerio, la storia di un giovane e ricco pittore, alla ricerca di un amore autentico.

Ventodarte vuole rivivere l’intera esperienza artistica di Kino Mistral in un percorso scandito da quaranta dipinti che delineano lo stile acquisito dal maestro negli anni vissuti lontano da Milano. Nelle opere sono rintracciabili le influenze della Pop Art e quelle dell’ Espressionismo Astratto, frutto del soggiorno a New York e dell’incontro con Andy Warhol e Robert Rauschenberg, il tutto filtrato dal profondo amore per i costumi e i vividi colori siciliani della “sua” Palermo e dalla sua attività di architetto. Queste ultime due esperienze spiegano perfettamente, come afferma il critico Aurelio Pes, l’attrazione per le «fluorescenze artificiali e intense» l’attribuzione di un «risalto talora metallico e fortemente incisivo ai tratti umani, agli oggetti, ai paesaggi urbani, alle dure torsioni delle strutture meccaniche ed architettoniche».

Al vernissage sarà presentata la rivista Zero91, nuovo mensile Siciliano.

Partner fondamentale della galleria Artem di Palermo per la promozione di Kino Mistral è Pietro Barbaro Group, da sempre vicino all’attività del pittore.

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Dorothy Hong - ”Introductions”

Inaugurazione: giovedì 4 giugno 2009 dalle ore 18.00 alle ore 21.00

Periodo: 5 giugno 2009 – 1 agosto 2009

Sedi: VISION QUEST Contemporary Photography

Piazza Invrea 4 r, 16123 Genova

tel.: +39 339 7534993, +39 010 265629

Orario: dal mercoledì al sabato ore 15.30 – 19.30

e su appuntamento (tel. +39 3397534993)

Sito web: www.visionquest.it

Informazioni e-mail: info@visionquest.it

L’artista sarà presente all’inaugurazione

VISION QUEST Contemporary Photography è lieta di presentare la mostra personale di Dorothy Hong: “Introductions”.

La maggior parte dei fotografi, interrogata su come sono arrivati alla loro professione, sono pronti a offrire aneddoti sulla loro infanzia, racconti ispirati, storie di una macchina fotografica come un tesoro di famiglia. Ma non Dorothy Hong. «La mia storia non è molto interessante», ammette. «Ho scelto la fotografia per impostazione predefinita durante le scuole superiori quando ho dovuto iniziare la ricerca di un college e sui corsi di laurea disponibili. Ho pensato, ‘Beh, mi piace la fotografia, potrei anche fare il corso’». Si iscrive così alla Scuola di Arti Visive a Manhattan. Da lì a breve conquista la posizione di stagista per la rivista The Fader e il resto, come si dice, è storia.

Attualmente, la Hong lavora a tempo pieno come fotografa e coordinatrice fotografica presso The Fader e, lavorando fianco a fianco con il direttore creativo Phil Bicker, crea racconti attraverso ritratti. «Dorothy negli ultimi due anni ha rivolto il suo interesse ad una vasta gamma di impegni fotografici», spiega Bicker «tuttavia è nel ritratto che appare per la prima volta la firma del suo stile, e così rimane. Dorothy possiede un innato senso della composizione il quale, insieme a una sensibilità semplice e pura, le permette di creare immagini perfette per noi.

Per esempio, ha recentemente eseguito un lavoro creando una storia con dei ritratti per la nostra rivista sugli adolescenti residenti di un ostello di Brooklyn, ed è di prossima uscita una brochure nella quale rappresenta la vita di circa venti hipsters di New York che frequentano lo stesso club di Manhattan settimana dopo settimana; tutto questo sempre con il suo inconfondibile stile fra ritratto e documentario».

Al di fuori di The Fader, la Hong semplicemente invia una e-mail presentando se stessa e il suo sito web a diverse riviste fra le quali Theme e Dazed & Confused ritraendo il cantante Rufus Wainwright ed il coreografo Stephen Petronio. «Credo che ai direttori artistici piaccia il modo in cui riesco a stabilire un rapporto personale con i miei soggetti», spiega la Hong, che lavora principalmente in medio formato. «E poi la luce; sono una grande fan della luce ambiente. Non ne aggiungo mai. Seguo il sole, ovunque sia. La luce naturale controlla la maggior parte della mia fotografia».

Con questa vena di semplicità, la Hong continua ad usare la pellicola per i sui ritratti e dice che lavorare in interni le permette un maggiore controllo. «Basta avere sempre una finestra vicino”, dice ridendo. «Il mio modo di fotografare è semplice», riassume, «io, la mia macchina fotografica e tanta luce naturale».

Jacqueline Tobin, Photo District News, New York

Dorothy Hong Nasce nel 1983 a New York (Usa). Cresce a Long Island e si forma frequentando la Scuola delle Arti Visive di New York, conseguendo il BFA (Batchelor of Fine Arts) nel 2005. Nel 2007 Photo District News la inserisce tra le trenta migliori fotografe emergenti degli Usa. Fotografa per giornali e riviste come Giant Magazine e Newsweek. Nike e Sony BMG sono tra i suoi committenti.

Nella sua fotografia si trova, molto spesso, un insieme di influenze storico-artistiche come, per esempio, il piano americano o la luce cara ai pittori del rinascimento italiano. Ricerca stilistica, questa, che rafforza l’espressività dei soggetti ripresi: sguardi, posture, luoghi che accentuano il messaggio emozionale proveniente dalle giovani generazioni.

Questa è la sua prima mostra personale al di fuori degli Stati Uniti

VISION QUEST Contemporary Photography

Piazza Invrea 4r, 16123 Genova

Tel. 010 265629 – 3397534993 www.visionquest.it info@visionquest.it

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I MAESTRI DELLA FOTOGRAFIA ITALIANA A BOLOGNA

Alla Cineteca di Bologna l’anteprima delle proiezioni integrali dei documentari dedicati a Franco Fontana, Mimmo Jodice, Gianni Berengo Gardin, Gabriele Basilico, Ferdinando Scianna

Il 29, 30 e 31 maggio al Cinema Lumière,

alla presenza di Fontana, Berengo Gardin, Scianna

Cinque documentari per cinque maestri della fotografia: Franco Fontana, Mimmo Jodice, Gianni Berengo Gardin, Gabriele Basilico, Ferdinando Scianna si raccontano in cinque film che la Cineteca di Bologna presenterà in anteprima in versione integrale nella tre giorni al Cinema Lumière Fotografia al cinema (curata da Rosaria Gioia e Giuseppe De Mattia dell’Archivio Fotografico della Cineteca di Bologna), venerdì 29, sabato 30 e domenica 31 maggio, alla presenza degli stessi Franco Fontana (29 maggio, ore 18; moderatore Gianni Gosdan), Gianni Berengo Gardin (30 maggio, ore 18; moderatore Claudio Marra), Ferdinando Scianna (31 maggio, ore 18; moderatore Claudio Marra).

Prezzo speciale: € 3,50 a giornata.

Prodotta da Giart – Visioni d’Arte, la serie Fotografia italiana ha il patrocinio della Cineteca di Bologna e verrà distribuita a partire proprio dalla fine di maggio grazie alla collaborazione con Contrasto.

I documentari saranno presentati negli stessi giorni nell’ambito di FotoGrafia Festival Internazionale di Roma.

Con questo progetto, la Cineteca di Bologna e il suo Archivio Fotografico pongono le basi per una riflessione sul contemporaneo in fotografia: l’Archivio Fotografico, che si occupa da tempo della conservazione e della valorizzazione del proprio patrimonio, intende approfondire la ricerca in riferimento al materiale conservato, volgendo allo stesso tempo lo sguardo verso la fotografia contemporanea; vuole affrontare i problemi e le tematiche che essa indaga, coinvolgendo e interpellando i suoi protagonisti, ponendosi dal loro punto di vista. Lo stesso obiettivo che si pongono i cinque documentari.

Il pressbook dei documentari è disponibile sul sito della Cineteca di Bologna al link:

http://www.cinetecadibologna.it/areastampa/c_217.

Fotografia italiana

Cinema Lumière della Cineteca di Bologna (via Azzo Gardino, 65)

Venerdì 29 maggio

Ore 18

FRANCO FONTANA (Italia/2008) di Giampiero D’Angeli e Alice Maxia

Franco Fontana si racconta immergendosi nella città e nel paesaggio, che trasforma in spazio interiore dando alle forme, alla materia e alle ombre una forte potenza emotiva.

Al termine incontro con Franco Fontana.

Conduce Gianni Gosdan, docente di Teorie e tecniche della fotografia – Accademia Belle Arti Bologna.

Ore 19

MIMMO JODICE (Italia/2009) di Giampiero D’Angeli e Alice Maxia

Mimmo Jodice cerca nei luoghi più suggestivi della sua Napoli le origini della civiltà mediterranea. Il tempo non esiste più, i resti archeologici, gli antichi volti scolpiti nella pietra e il mare ispirano un gioco tra realtà e immaginazione.

Sabato 30 maggio

Ore 18

GIANNI BERENGO GARDIN (Italia/2008) di Giampiero D’Angeli e Alice Maxia

Gianni Berengo Gardin riparte da Venezia e rievoca i suoi reportage sugli ospedali psichiatrici, il movimento del 1968, gli zingari. Mettendo sullo stesso piano l’occhio, il cuore e la mente, secondo l’insegnamento di Henri Cartier-Bresson.

Al termine incontro con Gianni Berengo Gardin.

Conduce Claudio Marra, docente di Storia della fotografia – DAMS, Università di Bologna.

Ore 19

GABRIELE BASILICO (Italia/2008) di Giampiero D’Angeli e Alice Maxia

Basilico da Milano alla Francia del nord, da Beirut alla Silicon Valley, dal porto di Genova a Mosca, spiega come la ‘lentezza dello sguardo’ sia fondamentale per comprendere e dare un senso ai luoghi.

Domenica 31 maggio

Ore 18

FERDINANDO SCIANNA (Italia/2009) di Giampiero D’Angeli e Alice Maxia

Ferdinando Scianna scava nella camera oscura della memoria e ritorna in Sicilia, dove incontra e fotografa dopo vent’anni la sua musa, la top model Marpessa. La fotografia come modo di specchiarsi nel mondo, di sentire e di pensare la vita.

Al termine incontro con Ferdinando Scianna.

Conduce Claudio Marra, docente di Storia della fotografia – DAMS, Università di Bologna.

Ufficio Stampa:

Andrea Ravagnan

tel: (+39) 0512194833

cinetecaufficiostampa2@comune.bologna.it

www.cinetecadibologna.it

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ROMA, 29 aprile 2009 – Fotolia, storica agenzia di distribuzione di immagini di qualità professionale a basso costo, annuncia l’apertura della sezione Stock Video, che arricchisce le 5.500.000 immagini presenti nel catalogo Fotolia con una prima collezione di oltre 10.000 video clip disponibili in licenza Royalty Free, sempre a prezzi da microstock.

“Fotolia è ormai da anni accreditata sul mercato internazionale quale risorsa affidabile di fotografie e illustrazioni (in JPEG e vettoriali) di altissima qualità, utilizzabili legalmente in ambiti commerciali e acquisibili sui nostri siti a prezzi irrisori,” spiega Oleg Tscheltzoff, co-fondatore e presidente Fotolia LLC. “Lo scorso gennaio abbiamo invitato i nostri Autori a presentarci video clips stock a seguito di una massiccia richiesta da parte dei nostri acquirenti. Il materiale pervenuto e visionato in poche settimane – più di 10.000 clips già selezionate – ha confermato la capacità di Fotolia di attrarre alcuni dei migliori video-makers da ogni parte del globo, che distribuiscono tramite la nostra agenzia contenuti professionali in licenza royalty free.”

La collezione video di Fotolia è composta da una grande varietà di contenuti, dalle animazioni 2D e 3D ai cortometraggi ed ai video tradizionali. Le clip sono proposte in dimensioni tra i 320×240 e 1920×1080 pixel, dai 24 ai 30 fotogrammi/secondo, fra i 5 ed i 60 secondi di durata. Queste clip, in vari formati digitali e fino al Full-HD, sono disponibili a partire da soli 10€. Gli autori possono informarsi sui dettagli dell’offerta e registrarsi per proporre le proprie clip all’indirizzo http://it.fotolia.com/Info/Contents/Videos

Dal momento del lancio nel novembre 2005, Fotolia è cresciuta fino ad offrire uno dei maggiori database mondiali di immagini legali al minor prezzo sul Web, permettendo a fotografi ed illustratori professionisti e amatoriali di raggiungere oltre 1 milione di acquirenti creativi in tutto il mondo, compresi in una gamma che spazia dai liberi professionisti e piccoli studi grafici e tipografici fino alle grandi agenzie di pubblicità e ai maggiori gruppi editoriali.

Con l’apertura del catalogo Video Stock, Fotolia continua ad espandersi in nuovi mercati, per soddisfare le esigenze delle case di produzione video, TV e cinematografia di tutto il mondo anche nell’ambito del materiale di archivio generico, proponendo così un’alternativa lowcost di alta qualità rispetto alle tradizionali banche di filmati.

 

Fotolia
Fotolia LLC, con sede a New York, filiali in undici paesi e siti in dieci lingue, è la maggiore agenzia mondiale di immagini in microstock.
Lanciata nel novembre 2005, Fotolia è una comunità globale di oltre 1.100.000 utenti, animata da professionisti dell’immagine, fotografi e designer di talento, con un database di quasi 5.500.000 immagini disponibili in alta risoluzione con licenza royalty free, destinate all’uso professionale in pubblicità, grafica, editoria, video e telefonia, Web e blog, comunicazione aziendale, decorazioni e gadgets, a prezzi imbattibili (a partire da 0,14€).
Nel dicembre 2007 è stata la prima agenzia indipendente di microstock ad entrare nel mercato stock tradizionale, con il lancio di Fotolia Infinite Collection. Per maggiori informazioni e accedere ai servizi, visita www.fotolia.it

Contatti Fotolia Italia
tel. 06-916.501.625

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L’A.F.I. – Archivio Fotografico Italiano e l’Associazione Culturale Click Art’s fotografia, sempre più attive nel promuovere la fotografia di ricerca e la giovane fotografia, in collaborazione con  EPSON-Sponsor Tecnologico e con il patrocinio del COMUNE DI CASTELLANZA (VA), organizzano dal 24 maggio al 7 giugno 2009 la 7a Festa della Fotografia d’Autore. L’iniziativa si terrà presso l’antica Villa Pomini, sita in via Don Luigi Testori 14 a Castellanza, noto centro d’arte e cultura della provincia di Varese,  con il seguente programma:

Mostre Fotografiche:  24 maggio – 7 giugno 2009  – Villa Pomini

Paesaggi Umani – Massimo Vitali

“Le immagini devono avere una dimensione magica, in cui si incontrano a volte spunti sociologici e lucidi e dove si elaborano strutture narrative. Sono soddisfatto quando la lettura delle miei foto è complessa e contraddittoria, e sono curioso fino al limite del voyeurismo, affascinato dal comportamento degli individui, pur senza cerca di comprenderne il significato. Il mio intervento è neutro, non faccio che registrare: attendo che le cose mi accadano davanti perché le cose che succedono definiscono l’immagine. L’esperienza  fotografica diventa una pratica aperta per un’esperienza del mondo”.  Con questa riflessione Vitali presenta il suo lavoro, apprezzato e conosciuto a livello internazionale. Una mostra di stampe di grande formato, realizzate appositamente da EPSON, per il calendario da collezione 2009, selezionate dall’autore con cura e passione.

Massimo Vitali, nato a Como nel 1944, è toscano d’adozione e vive a Lucca. Studia fotografia al London College of Printing, Negli anni ’60 inizia una carriera come fotoreporter che, grazie anche all’incontro con Simon Guttmann, fondatore dell’Agenzia Report, lo porta a lavorare per riviste e agienzie italiane ed europee. Negli anni ’80 gira anche dei film per la televisione la pubblicità.  Dal 1995 si dedicata alla fotografia come ricerca artistica, iniziando la serie sulle spiagge, sviluppata come strumento originale per ritrarre il mondo. La sua abilità nel mostrare paesaggi e masse di gente con dettagli narrativi e formali a volte esaltati da sfondi quasi impalpabili, fa classificare i suoi lavori come paesaggi umani contemporanei.

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Anime in Rosso – Mario Chiodetti

La mostra “Anime in rosso” ricapitola un lungo lavoro di studio che il fotografo Mario Chiodetti ha compiuto sull’opera dell’amico pittore Luca Lischetti, una ricerca che vuole reinterpretare le figure enigmatiche e inquietanti dell’artista attraverso il filtro dell’immagine fotografica.

Con l’ausilio di una modella, Magda, Chiodetti ha compiuto un’operazione di sintesi, immergendo nel rosso delle grandi tele lischettiane la morbidezza di un corpo femminile ma con le medesime caratteristiche cromatiche dei “totem” del pittore, larve d’uomo con il volto di maschera.

«E Lischetti si presta, la sua anima da pittore non si tira indietro di fronte al corpo umano, come fosse un Ives Klein ma meno metafisico e più ruspante o un Piero Manzoni che non ha le fisime dell’avanguardia. Si diverte, insomma, a trattare con mano quando normalmente tratta di sega elettrica. Chiodetti intanto scatta e gira intorno alla scena, come il cacciatore. Sa che la creatura deve acquistare una sua vitalità in relazione all’opera, all’ambiente, deve prepararsi al suo ruolo cui è chiamata e legata: la statua vivente che prova a dare un senso altro a quelle creature immobili e impassibili», scrive nella presentazione al catalogo il critico d’arte Riccardo Prina.

«Da tempo pensavo di inserire la figura umana nelle tele di Luca, che mi hanno sempre affascinato per la loro potenza espressiva», spiega Chiodetti, «e grazie a Magda, una modella polacca che già aveva avuto esperienza di body painting, ho tentato l’esperimento, vissuto da noi tre come un divertissement. Poi è nata l’idea di una mostra, sollecitata anche da Giuseppe Biselli, fotografo e giornalista, appassionato collezionista di automobili d’epoca, e direttore del settimanale “Cronaca Vera”. La mostra consta di cinque grandi stampe su supporto di alluminio e altri lavori più piccoli assieme a una figura di Luca e ad altre sue tele di dimensioni ridotte».

Un “incrocio di mani” tra il fotografo e il pittore all’insegna di un colore, il rosso, nuovo per il fotografo, di solito più a suo agio con il bianco e nero, una sfida da evidenziare alla fine, con la tecnologia ultima della stampa fotografica digitale.

In mostra il catalogo con i testi di Riccardo Prina, del gallerista Giuseppe Biselli e dello stesso Chiodetti, curato dalla grafica Benzoni ed edito da Arterigere.

Mario Chiodetti è nato a Varese dove vive e lavora. Giornalista e fotografo professionista freelance, ha collaborato con quotidiani e periodici tra cui “Airone”, “Qui Touring”, “Focus”, “Il Venerdì di Repubblica”, “Donna Moderna”. Attualmente è editorialista e curatore delle pagine culturali de “La Provincia di Varese”. Autore di libri fotografici come “Il lago perduto” e “Color di Provincia”, ha scritto testi per cataloghi d’arte e libri di fotografia.

Un altro Vedere – Fotografie stenopeiche di Massimo Stefanutti

Lensless ?

La forma interrogativa è  d’obbligo: c’è una effettiva e concreta ragione per fotografare con uno stenopeico (e cioè senza l’obiettivo o, meglio, le lenti) invece che con una normale macchina fotografica, analogica o digitale che sia?

Una delle risposte più comuni a questa domanda fa espresso riferimento alla c.d. pratica stenopeica e cioè ad una sorta di ” rito ” , variamente identificato (senza voler esser esaustivi) con la particolarità della macchina  utilizzata, dalla pretesa antitecnologicità del mezzo, da un situazione di lentezza nel fotografare in opposizione ad una velocità nell’ordinario mezzo usato (soprattutto se digitale), alla necessità di operare con un  processo manuale di ripresa complicato e laborioso,  ecc.

Pochi  riflettono  – prima di tutto – sulla struttura tecnologica di una macchina stenopeica e assolutamente nessuno mette in rilievo come lo  stenopeico (intendo il solo foro) abbia una propria caratterizzazione prima naturale e poi simbolica. In fondo si tratta solo di un piccolissimo buco  analogo a tanti altri esistenti in natura o artificialmente creati: da quelli nelle rocce a quello della  serratura.

Spesso il risultato finale non è quello immaginato o sperato (uso questi termini con cognizione di causa).

L’immagine finale contiene, molte volte, più di quanto ci si immaginasse  anche se, spesso, ha  molto meno di quanto si volesse: un’ottima applicazione dell’inconscio tecnologico, secondo il pensiero di Franco Vaccari. E ciò con buona pace di tutti coloro che credono nella assoluta e perfetta previsualizzazione dell’immagine: concetto ora ancor più smentito  dalle fotocamere digitali (quanto meno quelle compatte in uso alla maggior parte del popolo fotografico) nelle quali “si  guarda e si vede” direttamente in un piccolo schermo ma, in concreto, non si pre-visualizza alcunché in quanto l’immagine è in movimento e non ferma; in sintesi, si post-visualizza.

L’assenza della mediazione dovuta dalla lente inibisce all’immagine la fruizione di una serie di strutture formali – che ci si attenderebbe  ritrovare una normale fotografia – prima di tutto la messa a fuoco.

E non solo: la prospettiva non è più quella del Brunelleschi, l’ampiezza della focale non è più riconoscibile, le masse hanno rapporti disconosciuti, le proporzioni delle cose all’interno dell’immagine sono assolutamente incongrue, la riconoscibilità  del soggetto rasenta sovente il paradosso ed il senso di spaesamento è fortemente marcato. Tutto questo costituisce un punto di forza dell’immagine ottenuta e l’analisi non può essere condotta con certi parametri estetici.

Allo stenopeico il tempo come istante non interessa: non deve confrontarsi con momenti decisivi veri o falsi che siano; capisce l’assoluta equivalenza di qualunque momento rispetto ad un altro e rivela lo stato delle cose, in una prospettiva assolutamente simbolica; opera (a causa dei tempi di esposizione spesso molto lunghi) in una situazione  di tempo dilatato nella quale il passato non è ancora passato ed il presente non è del tutto presente.

Con questi riferimenti  si possono capire le immagini stenopeiche attuali: ma il discorso non sarebbe completo se non si facesse mente locale a questa fotografia come ad una “fotografia dell’oscurità“.

Il nero catramoso accanto a bagliori accecanti, il tono basso, una specie di tunnel visivo dato dalla caduta della luce verso i bordi dell’immagine, i soggetti criptici e quelli che fanno pensare alla morte,  l’incertezza della visione, conferiscono una patina misteriosa a queste icone segnate da qualità oniriche e magiche, riconducibili ad un fitto dialogo con gli  archetipi della nostra memoria individuale o collettiva.

“Foro negletto” secondo J.H. Wandell e  “Crudele spazio stenopeico ” secondo Paolo Gioli e, come tutta “La Fotografia, per le sue due origine extra-umane, al punto di congiunzione dell’arte e della filosofia“, secondo Jean-Claude Lemagny. (Massimo Stefanutti)

Massimo Stefanutti, avvocato, specializzato in diritto della fotografia, nasce a Venezia nel 1957, dove vive e lavora. E’ tra i maggiori autori internazionali di fotografia stenopeica, ed è membro dell’Osservatorio Italiano per la Fotografia Stenopeica presso il Musinf di Senigallia.

Ha esposto personali in prestigiosi spazi in diverse parti d’Italia, partecipando a manifestazioni nazionali di rilievo di arte e fotografia contemporanea.

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Sguardi sul Set - Marina Alessi

In Effetto notte (La nuit americane, 1973) François Truffaut aveva voluto anche il fotografo di scena nella piccola troupe impegnata nella realizzazione di Vi presento Pamela – film nel film -  affidandogli una eloquente funzione narrativa (prima amoreggiava  – prendendosi i rimbrotti del regista – e poi fuggiva con la fidanzata di Jean Pierre Leaud). Una scelta significativa quella operata dal grande regista francese, a ribadire l’importanza della sua funzione . Perché al fotografo di scena è demandato il compito di documentare la realizzazione e di produrre il materiale fotografico, utile all’ufficio stampa per la promozione. Se un tempo, il suo compito era quello di riprodurre la scena (facendo mettere gli attori in posa e fotografandoli dal “punto macchina”) in foto utili anche per la vendita del film, oggi la situazione è decisamente cambiata. Il fotografo deve essere soprattutto un testimone in grado di restituire la vita, le pause, il fermento del set. Un testimone, spesso solitario – si muove senza dover rendere conto del proprio agire, se non a cose (scene) fatte – a cui è richiesto sguardo vigile e sensibilità, oltre alla “trasparenza” (non deve essere d’intralcio e non deve far perdere tempo). Tutte qualità che Marina Alessi ha dimostrato di possedere, fin da quando, alla fine degli anni ’90, slittando naturalmente dal chiuso del palcoscenico (luogo del suo approccio al mondo dello spettacolo), si è trovata sui set “en plain air”.  Set per di più particolari, perché animati da comici (il trio, Aldo, Giovanni e Giacomo, di cui ha seguito il cammino cinematografico da Tre uomini e una gamba fino a Tu la conosci Claudia? ma anche il Claudio Bisio di Asini) in diversi casi all’esordio come protagonisti. Per qualche tempo unica donna in un settore a decisa prevalenza maschile (suo il solo nome femminile tra gli scritti di AFS, l’Associazione dei fotografi di scena formatasi agli inizi del 2000 e dissoltasi qualche stagione dopo), Marina Alessi ha saputo confrontarsi con un genere non semplice come la commedia, riuscendo, con i suoi reportage sul set,  a riconsegnare  ritratti puntuali e giuste atmosfere.  Come ha evidenziato fin da subito la giuria di “CliCiak”, il concorso nazionale per fotografi di scena promosso dal Centro Cinema Città di Cesena, che ha più volte premiato e segnalato il suo lavoro. Ed è dall’ormai consistente fondo di quel concorso, giunto quest’anno alla sua dodicesima edizione, che provengono molti degli scatti visibili nella mostra. Antonio Maraldi

La fotografa Marina Alessi ha colto, attraverso il suo obiettivo, i protagonisti del mondo del teatro, del cinema e della cultura, seguendoli sui set e nella vita come ritrattista e fotografa di scena.

Collabora inoltre ai progetti grafici delle copertine di importanti case editrici, fra cui Mondadori, Rizzoli e Condé Nast . Da sette anni utilizza e porta ai massimi livelli i ritratti con Polaroid Giant Camera, la macchina fotografica, costruita in 5 esemplari in tutto il mondo, che permette, grazie alle sue dimensioni (un metro e mezzo di altezza per due, 100 chili di legno e di ottone), la realizzazione di ritratti in formato 50×60: veri e propri pezzi unici che hanno come soggetto attori (citiamo ad es. Claudio Bisio, Carlo Verdone, Diego Abatantuono, Filippo Timi, Violante Placido, Silvio Muccino, Aldo Giovanni & Giacomo) e scrittori di fama internazionale come Doris Lessing, Ken Follett, John Grisham, Tahar Ben Jelloun, Inge Feltrinelli, Enzo Biagi, Valerio M.Manfredi, Mario Rigoni Stern.

Nascono così le sue personali:

AutoRItratti 44+1 (2008) fotografia e street art con-fusi nei ritratti di 44  street artists italiani in mostra all’AuditoriumArte all’interno Auditorium Parco della Musica a Roma.

Sguardi in camera (2008) mostra sulle grandi signore della cultura, che corona la collaborazione col comune di Savignano sul Rubicone iniziata col progetto di foto-censimento Ritratti di famiglia al femminile.

Facce(e)Note (2006 e 2007), raccolta di fotografie scattate ai cantautori del Premio Tenco, ancora una volta per Vanity Fair (Teatro Ariston di San Remo).

Facce da leggere, immagini di scrittori colte per la rivista Vanity Fair durante il Festivaletteratura di Mantova: 250 ritratti nell’arco di cinque anni. Un lavoro coronato nel 2007 dalla mostra personale a Palazzo Ducale.

Comicando (2004), 33 ritratti di comici realizzati per Emergency (Fnac di Milano).

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Premio Italiano di Fotografia “Memorial Franco Pontiggia”

Esposizione dei tre migliori portfolio selezionati dalla Giuria, e premiazione del miglior autore.

La finalità del Premio, oltre a ricordare la figura di Franco Pontiggia, che si traduce in una straordinaria esperienza artistica e di vita, e in un’ampia varietà di immagini dedicate all’ esistenza umana, è quella di scoprire nuovi talenti ar­tistici, offrendo loro l’opportunità di esibire le proprie opere in mostre collettive e personali, di essere inseriti nella collezione dell’Archivio Fotografico Italiano e di vedersi attribuire un Pre­mio in danaro, da utilizzare per il proseguo delle ricerche.

Gli autori esposti saranno resi noti in occasione dell’inaugurazione ed il Premio al vincitore sarà consegnato dalla moglie del noto indimenticato fotografo varesino, nel corso dell’apertura della 7^ Festa, il 24 maggio alle ore 11.30.

Eventi Collaterali:

Proiezioni-Conferenze

Parco di Villa Pomini – Grande Schermo

28 MAGGIO 2009 ore 22

Audiovisivi di Walter turcato

- Sogno D’estate

- Terra Santa

- God of Thunder – Etna

- Restauri

- Passion lives Here – Torino 2006

- Magico San Felice

- Le Nuvole

- Volo

In caso di maltempo l’incontro si terrà nelle sale interne di villa Pomini

4 GIUGNO 2009 ore 22

Multivisioni di Roberto Tibaldi  “Studio Immaginare”

- Passaggio in Tunisia    Panoramico

- Ccu vera fidi    Panoramico (con Francesco Lopergolo)

- Oltre la fin del Mundo   Panoramico

- Priviti     Panoramico

- terra!     Panoramico

- Dormirei poco, sognerei di più    Panoramico (con Francesco Lopergolo)

- Visage   

In caso di maltempo l’incontro si terrà nelle sale interne di villa Pomini

Domenica 7 giugno 2009 – ore 14/18

Seminario: Come si organizza un Portfolio o Progetto Fotografico

con Visione Portfolio dei partecipanti

A cura di Paola Riccardi – Agenzia Grazia Neri.

Quota di partecipazione euro 60,00 – max 10 persone

Iscrizioni entro il 24 maggio 09 ai seguenti recapiti:

e-mail: claudio.argentiero@alice.it / Tel. 347 – 5902640

Domenica 24 Maggio  2009  Villa Pomini

Fotografia in Festa

Una giornata dedicata interamente alla fotografia, con i seguenti appuntamenti:

Dalle ore 10 alle 12,30

Inaugurazione – presentazione degli autori – visita guidata alle mostre

Raccolta iscrizioni alla lettura dei Portfolio

Ore 11, 30: Premiazione vincitore Premio Italiano Memorial Franco Pontiggia

Ore 12,30: cocktail “Pizzas and cheese”

LETTURA PORTFOLIO – ore 14,00/19,00 –

Prenotazioni al n° Tel.

La lettura e la valutazione dei portfolio da parte di esperti è divenuta un’attività molto apprezzata da chi, a vari livelli, si occupa di fotografia, e in particolare da chi fotografa per passione e non ha la possibilità di confrontarsi con una committenza. Molti appassionati producono lavori davvero interessanti, ma spesso sono timorosi nel proporsi, o impossibilitati a ricevere pareri e consigli su come proseguire nelle proprie ricerche. La disponibilità di esperti, professionalmente in contatto giornaliero con il mondo e il mercato delle immagini, può fornire utilissime indicazioni su come valorizzare il proprio percorso creativo.

Saranno presenti i seguenti esperti:

- Roberto Mutti     Critico – consulente artistico, giornalista

- Sandro Iovine Giornalista, curatore di mostre e libri, direttore della rivista IL FOTOGRAFO

- Paola Riccardi Agenzia Grazia Neri – consulente artistico e curatrice di mostre

- Gigliola Foschi    Critico – docente Istituto Italiano di Fotografia

- Renata Ferri           Photoeditor “Io Donna” – Corriere della Sera

Area EPSON – Stampa & Informazioni Tecniche

Grazie alle diverse postazioni di stampa collocate in differenti punti, gli interessati potranno stampare autonomamente le proprie immagini utilizzando materiali originali EPSON, per tutta la giornata, assistiti da un tecnico pronto a fornire  informazioni e consigli.

______________________________________________________________________________________________________

Ore 18,30: Premiazione Concorso EPSON – A.F.I.

Il concorso è aperto liberamente a tutti.

I file da visionare, valutare ed eventualmente stampare a cura di EPSON, dovranno pervenire entro il 10 maggio 2009, al seguente indirizzo e-mail: info@archiviofotografico.org.

Dovranno essere inviati max 5 file a 300dpi f.to 20×30

Per l’invio postale del un cd-rom: ____________________________________________________

Un’apposita Giuria valuterà le migliori immagini, scegliendo i 10 autori più valenti, dei quali saranno stampate le 3 fotografie su materiale Epson fine art, esposte nell’ambito della giornata (intorno le ore 18), prima della premiazione dei 3 migliori autori selezionati dalla Giuria, prevista alle ore 18,30. Due premi aggiuntivi saranno assegnati agli autori segnalati.

Ogni autore selezionato riceverà le fotografie stampate in omaggio.

_______________________________________________________________________________________________________________________

BOOK-SHOP – Esposizione di Libri di Autori Internazionali

a cura di HF Distribuzione – www.hfnet.it

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Presentazione in anteprima al pubblico del 2° numero della rivista dall’Archivio Fotografico Italiano “laClessidra“, ricca di nuovi contenuti, contributi, scoperte e rivelazioni.

Sede dell’evento:

Villa Pomini – Via Don L. Testori 14 – 21053 Castellanza (VA)

Orari di visita mostre: venerdi e sabato 15-19 /  domenica 10-12,30 / 15-19

e nel corso delle serate di proiezione, dalle 21 alle 23 -Ingresso Libero

Comunicazione:

Claudio Argentiero T. 347-5902640 / e-mail: claudio.argentiero@alice.it

A.F.I. :  www.archiviofotografico.org

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Titolo: I segreti della fotografia digitale
Autore: Tim Grey
Editore: Tecniche Nuove
Pagine: 256
Rilegatura: brossura
Formato: 20,5 x 25,5 cm
Anno: novembre 2008
ISBN: 978-88-481-2292-4
Prezzo (di copertina): 29,90 Euro

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La digitalizzazione ha reso la fotografia un fenomeno di massa, milioni e milioni di foto spesso scattate a casaccio solo per il gusto premere il pulsante dell’otturatore. Ma una vastissima porzione di questa popolazione non accetta più le gambe tagliate o gli occhi rossi o lo scatto venuto buio, desidera qualcosa in più: strumenti per migliorare la tecnica e per avere suggerimenti e spunti creativi. Lo testimonia l’alta qualità delle immagini presenti nei vari siti di social network amatoriali come Flickr, facebook…
Ecco quindi un testo molto pratico, che spiega le tecniche e le condotte con procedure passo passo e con esempi reali, proprio come i fotografi di ogni livello desiderano.
Infatti il volume, oltre alle indiscusse abilità dell’autore, raccoglie e spiega i quesiti più frequenti, o i più singolari e interessanti, che i lettori delle pubblicazioni di Tim Gray a lui hanno rivolto.
Sta proprio qui l’unicità del testo, potremmo intenderlo come un testo collettivo: dalla gente per la gente.
Non vengono trattate solo le tecniche di scatto, ma anche di fotoritocco: il libro è riccamente illustrato con immagini del ‘prima’ e del ‘dopo’ il trattamento, con schermate e con fotografie esemplificative.
Certo i testi di fotografia digitale sugli scaffali abbondano, ma l’unicità, la praticità e anche l’eleganza de I segreti della fotografia digitale di Tim Gray non costituiscono solo uno strumento per la propria crescita fotografica, ma anche un apprezzato regalo, buono per ogni stagione.

L’AUTORE
Tim Grey è un personaggio noto negli Stati Uniti, ha scritto dozzine di libri sulla fotografia digitale, dirige una rivista, Digital Darkroom Quarterly, e una newsletter molto seguita, DDQ – Digital Darkroom Questions. É membro del cosiddetto Photoshop World Dream Team ed è per tutti questi validi motivi che O’Reilly lo ha strappato al gruppo Wiley.

L’indice del testo

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L’agenzia leader nel mercato delle immagini microstock cerca contributi video

 

ROMA, 28 gennaio 2009 – Da oggi Fotolia, storica agenzia di distribuzione di immagini lowcost di qualità professionale, invita i video autori a sottoporre il proprio materiale in vista dell’apertura della sezione Stock Video, che arricchirà il catalogo Fotolia rendendo disponibili anche video clip in licenza Royalty Free, sempre a prezzi da microstock.

“Sono ormai vari anni che Fotolia è considerata una delle risorse più affidabili di fotografie e illustrazioni di alta qualità ai minimi prezzi possibili“, spiega Oleg Tscheltzoff, co-fondatore e presidente Fotolia. “Ed ora, per rispondere alla crescente richiesta, Fotolia annuncia l’apertura delle selezioni per costituire un grande catalogo di contributi video. Cerchiamo in tutto il mondo migliaia di video maker e animatori che vogliano vendere il loro materiale per trasformare la loro passione in guadagno“.

Fotolia ricerca un’ampia varietà di contenuto, dalle animazioni 2D e 3D ai cortometraggi ed ai video tradizionali. Sono attualmente accettate sequenze in dimensioni fra i 320×240 ed i 1920×1080 pixel, dai 24 ai 30 fotogrammi/secondo, fra i 5 ed i 60 secondi di durata. A partire dalla metà di febbraio, Fotolia inizierà a concedere licenze per video in qualità broadcast, in vari formati digitali e fino al Full HD, a partire da 10€. Gli autori possono informarsi sui dettagli dell’offerta e registrarsi per proporre le proprie clip all’indirizzo http://it.fotolia.com/Info/Contents/Videos

Dal momento del lancio nel novembre 2005, Fotolia è cresciuta fino ad offrire uno dei maggiori database mondiali di immagini legali al minor prezzo sul Web, permettendo a fotografi ed illustratori professionisti e amatoriali di raggiungere oltre 500.000 media buyer di tutto il mondo, compresi in una gamma che spazia dalle piccole agenzie ai maggiori gruppi editoriali.

Con l’apertura del catalogo Stock Video, Fotolia continua ad espandersi in nuovi mercati, per soddisfare le esigenze delle case di produzione e televisioni di tutto il mondo anche nell’ambito del materiale di archivio generico, proponendo così un’alternativa di alta qualità e basso costo rispetto alle tradizionali banche di filmati.

 

FOTOLIA

Fotolia con sede a New York, basi operative in dieci paesi e siti in 9 lingue, è l’agenzia leader mondiale nel mercato delle immagini microstock. È attiva in Italia dalla fine del 2006.

Lanciata nel novembre 2005, Fotolia è oggi una comunità globale di oltre 950.000 utenti, animata da professionisti dell’immagine, fotografi e designer di talento, con un database di quasi 5.000.000 di immagini disponibili in alta risoluzione con licenza royalty free, destinate all’uso professionale in pubblicità, grafica, editoria, video e telefonia, Web e blog, comunicazione aziendale, decorazioni e gadgets, a prezzi imbattibili (a partire da 0,14€).

Nel dicembre 2007 è stata la prima agenzia indipendente di microstock ad entrare nel mercato di stock tradizionale, con il lancio di Fotolia Infinite Collection. Per maggiori informazioni e accedere ai servizi, visitate www.fotolia.it.

 

Fotolia Italia
tel. 06-916.501.625

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Arthemisia / 30 gennaio 2009
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Futurismo 1909-2009
Velocità + Arte + Azione
Milano > Palazzo Reale > 6 febbraio – 7 giugno 2009
LA GRANDE MOSTRA DEL CENTENARIO

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Milano, la città che sale, ha dato i natali al Futurismo e nel Centenario di questa avanguardia rivoltosa e visionaria ospiterà una mostra esplosiva, promossa dal Comune di Milano e da Skira Editore, curata da Giovanni Lista e Ada Masoero e prodotta da Palazzo Reale in collaborazione con Skira e Arthemisia.

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FUTURISMO
x Piccoli e x Grandi
Allacciate le cinture di sicurezza… il viaggio con i Futuristi sta per cominciare!
VISITE ANIMATE e LABORATORI CREATIVI GRATUITI per FAMIGLIE
VISITE GUIDATE ANIMATE > nelle giornate di Carnevale > 26 – 27- 28 febbraio > e tutte le domeniche di marzo, aprile e maggio > le famiglie con bambini di età compresa tra i 5 e i 12 anni, accolti da una guida, verranno subito introdotte nella storia del Futurismo, fra quadri, sculture, oggetti e scenografie > all’improvviso un uomo futurista (attore), interagirà con la guida e coinvolgerà a sorpresa gli spettatori con movimentate e divertenti spiegazioni e con racconti pirotecnici e mirabolanti!!
Orari > 26, 27 febbraio ore 11.30-16.30 > 28 febbraio ore 10.00-11.30-15.00-16.30 > ogni domenica di marzo, aprile e maggio ore 10.30
LABORATORI CREATIVI > nelle giornate di Carnevale > 26 – 27- 28 febbraio > i bambini dai 4 ai 12 anni avranno modo di esprimere la loro creatività attraverso l’utilizzo materiali insoliti e futuristi > rotoli di plastica di diversi spessori e colori, rocchetti e fili di diverse tipologie, elementi plastici derivanti dallo smontaggio di oggetti di uso quotidiano, cannucce, carta, lana, stoffe e molto altro ancora > i piccoli artisti realizzeranno un’opera nuova ed originale con questi materiali, futuristi sì, ma con un occhio alle più avanzate tecniche di riciclo: un modo per sensibilizzarli verso un futuro all’insegna della sostenibilità dell’ambiente.
Orari > 26, 27 febbraio 10.30-15.30 > 28 febbraio ore 10.00-11.30-15.00-16.30
a cura di Ad Artem
Informazioni e prenotazioni Ad Artem T 02 6597728 www.adartem.it – info@adartem.it
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PAROLIBERIAMO! > Evviva le parole in libertà! Abbasso la sintassi e la punteggiatura! Visitiamo insieme la mostra dedicata ai Futuristi e, seguendo il loro esempio, giochiamo con le parole accostandole in libertà, usandole per disegnare, cercando effetti sonori e analogie! Famiglie con bambini dagli 8 ai 12 anni sono le benvenute!
Orari > da febbraio a giugno tutte le domeniche ore 15.30
a cura di Aster
Informazioni e prenotazioni Aster T 02 20421469 www.spazioaster.it – info@spazioaster.it
§
VISITE GRATUITE – BIGLIETTO DI INGRESSO ALLA MOSTRA AL MOMENTO – PRENOTAZIONE OBBLIGATORIA

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AUDIOGUIDE
KIDS TOUR! > immagini dinamiche, movimenti e suoni > l’arte futurista è l’ideale per i piccoli!
In partenza per un nuovo viaggio a Palazzo Reale, i piccoli visitatori della mostra potranno sperimentare in presa diretta tutto l’impatto di questo movimento rivoluzionario attraverso un’emozionante audioguida che Antenna Audio ha creato appositamente per le famiglie.
Narrato da personaggi originali e divertenti e arricchito da suoni scintillanti, l’audiotour accompagnerà i bambini in un viaggio mozzafiato alla scoperta di un mondo dirompente di macchine e azione.
La sfida che i piccoli utenti dell’audioguida dovranno affrontare, e provare a vincere, sarà una corsa verso il futuro!
§

NOLEGGIO IN MOSTRA

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LABORATORI GRATUITI PER LE SCUOLE
per gli alunni delle scuole secondarie di primo grado
informazioni e prenotazioni Sezione Didattica di Palazzo Reale > T 02 860649
VISITE GUIDATE PER GRUPPI E SCUOLE
per gli studenti e per tutti gli interessati, gli appassionati, i curiosi > visite guidate con esperti operatoti didattici
e ancora > laboratoti in calsse e visite futuriste nella città di Milano
informazioni e prenotazioni Ad Artem T 02 6597728 info@adartem.it – Aster T 02 20421469 info@spazioaster.it
§
TUTTI I GIORNI SU PRENOTAZIONE

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Orari
• Tutti i giorni 9.30-19.30 • Lunedì 14.30-19.30 • Giovedì 9.30-22.30
(La biglietteria chiude un’ora prima)

Prezzi
Intero > 7,00 euro
Ridotto > 5,50 euro
Ridotto scuole > 3,00 euro

Informazioni – Prenotazioni – Prevendita Biglietti
• www.futurismo.milano.it • Infoline: 02.54919
(dal lunedì al venerdì dalle 10.00 alle 17.00; pagamento: carta di credito o vaglia)
• Punti vendita Ticket.it nelle principali città italiane
(diritto di prevendita € 1,50 a persona)
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Ufficio Stampa Skira
Lucia Crespi
tel. 02.89415532 – 02.89401645 lucia@luciacrespi.it

Ufficio Stampa Arthemisia
Alessandra Zanchi
tel 0721.370956 – 349.5691710 az@arthemisia.it

Ufficio Stampa Comune Di Milano
Martina Liut
tel. 02.88456796
martina.liut@comune.milano.it

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