A CURA DI PUNTO DI SVISTA
Inaugurazione
sabato 20 novembre 2010, ore 18.00

A Seguire l’incontro con l’autrice, ore 19.00.

INTERVENGONO:
Sandro Bernardi, Docente di Storia e Critica del Cinema, Università di Firenze
Valentina Trisolino, Storica della Fotografia, curatrice

MODERA:
Maurizio G. De Bonis, direttore CultFrame – Arti Visive e presidente di Punto di Svista

Da diversi anni Orith Youdovich dirige il proprio sguardo creativo sul mondo in un continuo processo di analisi del rapporto tra sguardo soggettivo e paesaggio. Nell’ambito di questa ricerca l’autrice ha individuato nella condizione di crisi esistenziale soggettiva e nel decadimento della relazione interiore tra individuo e società, i due elementi di sofferenza della realtà sociale. Il paesaggio diviene così non solo contenitore ovvio di questo disagio ma anche vero e proprio personaggio della rappresentazione della crisi individuale e della conseguente deriva collettiva. Era dunque inevitabile che, effettuando questo suo percorso autonomo, Orith Youdovich incontrasse l’opera filmica e la poetica di Michelangelo Antonioni, cineasta dalla chiara impostazione visuale che con assoluta determinazione affrontò le questioni relative alla psicologia umana, all’incomunicabiltà, alla devastante crisi dei rapporti interpersonali.

Come devo vivere è un’esperienza visiva composta da trenta immagini fotografiche di diverso formato che rappresentano l’incontro, sia a livello tematico che espressivo, tra la visione dolorosa, quanto rigorosa, di Orith Youdovich e la lucida e tragica analisi dell’universo umano effettuata da Michelangelo Antonioni.
Il paesaggio diviene in Come devo vivere luogo “altro” della riflessione sull’esistenza, spazio psicologico e apertura severa, dunque priva di qualsiasi tendenza estetizzante, verso quell’abisso straniante che caratterizza la relazione tra individuo e mondo, abisso che la moderna società dei consumi ha totalmente rimosso.

Orith Youdovich, nata a Tel Aviv, vive e lavora a Roma. Diplomata in Fotografia presso l’Istituto Superiore di Fotografia di Roma (ISF,1992). Ha esposto in varie mostre personali: “Interno-Esterno” (Roma); “Mistery Train” (Roma); “Il Pigneto” (Roma); “Cortili e chiostri – angoli di vita nascosti della città” (Roma) e in mostre collettive: “Moravia – sulle orme dello scrittore in Ciociaria” (Sarajevo, Latina); “I centri storici della Calabria” (Scalea – CS); Immagini sul tema dell’incontro di culture diverse nei paesi della Calabria (Roma). Ha vinto il primo premio della sezione bianco e nero al concorso “Chia – Passato e presente” (1993). Da diversi anni ha abbandonato il reportage sociale per dedicarsi alla fotografia di tipo concettuale. Nell’ambito di FotoGrafia – Festival Internazionale di Roma ha curato la mostra “Fotografia Israeliana Contemporanea”, allestita presso il Museo Andersen della Galleria d’Arte Moderna di Roma (2005), e ha co-curato la mostra “Cronache del quotidiano. David Perlov – Fotografie e Film” presso la Galleria Nazionale d’Arte Moderna di Roma e Palazzo delle Esposizioni (2008). Ha co-curato le mostre “Terra sospesa – Fotografie di Alfredo Covino” presso Officine Fotografiche (2009) e “Testamento geometrico – Fotografie di Andrea Papi” (FotoLeggendo 2010). Ha curato il libro “Fotografia Israeliana Contemporanea” edito da FPM Edizioni (2005). Giornalista, nel 2000 ha co-fondato la testata giornalistica online CultFrame – Arti Visive di cui è caporedattore. Dal 2009 è direttore responsabile della testata giornalistica Punto di Svista – Arti visive in Italia, organo dell’Associazione culturale Punto di Svista.

INFORMAZIONI TECNICHE:

Inaugurazione: Sabato, 20 novembre 2010, ore 18:00
La mostra di Orith Youdovich prosegue:

Dal 20 novembre al 10 dicembre 2010
Giorni: Dal lunedì al venerdì
Orari: dalle 10 alle 13 e dalle 15 alle 20
Presso:
Officine Fotografiche, via G. Libetta, 1 00154 – Roma
Tel. + 39 06 512 5019
Ingresso libero
CONTATTI:
Punto di Svista – www.puntodisvista.net
Email: puntodisvista@gmail.com
Officine Fotografiche – www.officinefotografiche.org

Comunicazione e Ufficio Stampa Officine Fotografiche
Renata De Renzo
Mobile: +39.3804356552
Email: press@officinefotografiche.org

come devo vivere

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“Luigi Ghirri”

di Caltagirone (CT)

Inaugura

Sabato 5 Settembre 2009 ore 18,30

Una mostra fotografica di

MIGNON

turetta_marco_new-york_2003

“Sognare di Donne”
Fotografie di:
Fatima Abbadi
Ferdinando Fasolo
Roberta Lotto
Mauro Minotto
Giorgio Pandolfo
Giampaolo Romagnosi
Angelo Tassitano
Marco Turetta
Giovanni Umicini
Intervengono:

Francesco Pignataro
Sindaco del comune di Caltagirone

Giuseppe Pappalardo
Storico e critico della fotografia

Sebastiano Favitta e Attilio Gerbino
Curatori mostre della Galleria Fotografica “Luigi Ghirri”

Presentazione mostra e Libro fotografico “Mignon – Sognare di Donne”
(POLYORAMA EDITORE – GENTE DI FOTOGRAFIA)

Dal 5 Settembre al 4 Ottobre 2009

Giuseppe Pappalardo, promotore di questa mostra, è da diverso tempo attento all’attività di Mignon che torna con un progetto collettivo tipico del gruppo e che prevede un insieme di immagini che creino un dialogo con l’osservatore e non una esposizione per autore di “fotografi”.

Ecco cosa scriveva Pappalardo nel “Notiziario Fotografico” di Marzo 2005:

“Dobbiamo riconoscere che le mostre del formidabile ensemble Mignon dissipano radicalmente le ombre e i dubbi che da tempo addossiamo sui giorni futuri della fotografia. L’esperienza di questo gruppo, l’entusiasmo del loro programma e della loro proposta, fanno, invece, tacere i tanti lamenti che si sentono tra i fotografi e confermano che la fotografia, quella sana, sincera, onesta e motivata, quella che insomma amiamo, è ancora viva e vegeta. La fotografia Mignon si stacca, infatti, risolutamente dalla tanta ripetitività, più che mediocrità, che c’è in giro e autorevolmente si propone all’attenzione nazionale e internazionale spiegando con chiarezza le ragioni del proprio fotografare e, quindi, la necessità di guardare ancora una volta all’esistenza umana dentro e attraverso l’intelligente selezione dell’obiettivo. Questi fotografi lo fanno legandosi a una tradizione storica e tecnica che si rivela non solo adeguata ai loro intenti ma ancora opportunamente vitale per frugare tra i giorni nostri e lungo le nostre strade; e lo fanno scegliendo per il loro cammino compagni d’avventura che sono anche qualificati maestri ed eminenti storici della fotografia (ci riferiamo alla stima che Walter e Naomi Rosenblum accordano al sodalizio). Testimoniano, inoltre, con la loro concreta attività che professionisti e amatori possono, attraverso un concordato programma di intenti, maturato nella ricerca fotografica e nella consapevolezza d’un uso intelligente dello specifico fotografico, offrire quella riflessione del mondo e sul mondo che, da tempo, la nostra piccola e personale esperienza fotografica riconosce come fondamentale per capire chi siamo e dove stiamo. Le indicazioni di Giovanni Umicini – la figura di maggior fama tra tanti valenti obiettivi – per quella particolare attenzione rivolta alla “Street Photography” che, nella produzione attuale di Mignon, si rivela un dirompente manifesto ideologico quanto mai opportuno di fronte all’incalzare di tante immagini fotografiche realizzate a tavolino, con poco occhio e nessuna collaborazione dei rimanenti sensi…….”

Questa nuova mostra prende spunto dalla piacevole sorpresa di riconoscere, come un vero e proprio “manifesto fotografico”, il testo della scena di un film in cui il protagonista, a spasso per le strade di Parigi, pensa al suo rapporto con le donne e la città. In un periodo in cui si preferisce vedere sempre il lato negativo delle cose, questo è un ottimo spunto per invitare tutti a un rapporto diverso con il mondo che ci circonda. Il protagonista si alimenta di ciò che vede fra il pubblico, per vivere con più forza la sua sfera privata.

Mignon

Dal film “L’amore il pomeriggio” di Eric Rohmer, Francia 1972.

Scena N° 5: Sognare di donne:

“Se c’è una cosa che non sono più in grado di fare è la corte a una ragazza, non so cosa potrei dirle e d’altronde non c’è ragione che le dica qualcosa, non voglio niente da lei, non ho niente da proporle, tuttavia sento che il matrimonio mi blocca, m’imprigiona e ho voglia di evadere. La prospettiva di una felicità senza scosse m’immalinconisce e mi scopro a ripensare i tempi lontanissimi in cui provavo anch’io gli spasimi dell’attesa. Sogno una vita fatta solo di primi amori, d’amori durevoli. So di volere l’impossibile, non invidio nessuno e quando vedo due innamorati, penso meno a me, a quello che ero, e più a loro, a quel che saranno, per questo amo la città, la gente passa e sparisce, non la si vede invecchiare, quel che rende straordinario ai miei occhi lo scenario di Parigi, le sue strade è la presenza costante e fuggevole di donne che s’incrociano a ogni momento e che quasi certamente non rivedrò mai più, purché siano la, indifferenti o consapevoli del loro fascino, felici di verificarne l’effetto su di me, come io verifico il mio su di loro, per un tacito accordo senza sguardi o sorrisi anche appena accennati. Sento il loro potere d’attrazione senza esserne attratto, tutto questo non mi allontana da Helene, al contrario mi dico che le bellezze che mi passano davanti sono il naturale prolungarsi delle bellezze di mia moglie, la arricchiscono con la loro bellezza ricevendone in cambio un poco della sua, la bellezza di lei garantisce la bellezza del mondo, viceversa quando abbraccio Helene abbraccio tutte le donne. Sento che la mia vita passa, che altre vite passano parallele alla mia e sono quasi frustrato di rimanervi estraneo, di non aver saputo trattenere ogn’una di queste donne anche per un solo istante nella loro corsa verso chissà quale lavoro, verso chissà quale piacere, e sogno, sogno di possederle tutte.

SPAZIO ESPOSITIVO: Galleria Fotografica “Luigi Ghirri”, presenta, “Sognare di Donne” Fotografie del gruppo MIGNON. Da sabato 5 Settembre a domenica 4 Ottobre 2009. via Duomo 11 c/o Corte Capitaniale, 95041 Caltagirone (CT), + 39 334 3358978, + 39 333 2419089 http://www.galleriaghirri.eu/ ORARI D’APERTURA: mar./dom. 9.00 -13.00, 16.00 -19.00.

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PORTFOLIO
4-5 luglio ore 9.00-12.30/15.30-18.00 – Castello ducale di Corigliano Calabro
• Mariateresa Cerretelli – photo editor di Class e presidente del GRIN
• Renata Ferri – photo editor di IO DONNA
• Elena Ceratti – Agenzia Grazia Neri
• Francesco Zanot – Agenzia Contrasto
• Antonella Pierno – Docente Accademia di Belle Arti di Brera
• Fulvio Merlak – Presidente FIAF
• Pippo Pappalardo – Docente DAC/FIAF
• Giancarlo Torresani – Direttore DAC/FIAF
• Carlo Ciappi – Docente DAC/FIAF
• Silvana Turzio – Storica della fotografia e Curatrice
• Carmelo Nicosia – Direttore Accademia di Belle Arti di Catania
• Cosmo Laera – Fotografo e Art Curator
• Margherita Guccione – Direttore MAXXI architettura
• Valeria Moreschi – FNAC Italia
• Elaine Harris- art buyer e producer ZOTOPROD, Francia

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Siamo giunti alla XXX edizione del
Concorso Nazionale di Fotografia Vittorio Bachelet

Scadenza presentazione foto 30  settembre 2009

Riunione giuria 10 ottobre 2009

Cerimonia di premiazione 14 novembre 2009 a Palazzo Valentini

Tema fisso b/n e colore VITA, TU SEI:…

(ovvero fotografare la vita nella sua universalità e globalità…)

Tema libero sezione unica a colori

Premio Speciale under 29

Premio Speciale I bambini nello sport

Premio Speciale Foto Natura

Premio Speciale Tina Modotti

Premio Speciale Alessandro Pavia

Ulteriori informazioni sul sito: http://www.photographers.it/articoli/bachelet.htm

Nel corso della cerimonia sarà conferito il Premio Solidarietà Vittorio Bachelet,
al fotografo Francesco Zizola,
con queste motivazioni che ci sono state offerte da Luca Pagni,
fotografo e critico della fotografia, promotore del C.P.F.
“Comitato per la promozione della fotografia”:

“Francesco Zizola, con il suo sguardo attento e solidale, mette a fuoco e denuncia al mondo le situazioni di solitudine umana e di crudeltà del mondo civile le cui prime vittime innocenti sono i bambini, molti dei quali hanno imparato che la vita è un gioco di vita o di morte. Zizola ha infatti fotografato le maggiori crisi ed i conflitti che si sono succeduti negli ultimi 20 anni, e le sue immagini fotografiche portano i segni della catastrofe di ogni giorno, ma anche il segno della speranza. Negli occhi dei bambini che sfilano nei suoi libri e nelle sue mostre fotografiche si evidenziano delle scintille di speranza, come se la vita fosse un gioco che spesso finisce male, anche per la poca solidarietà e per il profondo egoismo di molti . Anche per questo Francesco Zizola ha collaborato attivamente con molti enti ed istituzioni solidali tra i quali evidenziamo la Comunità Episcopale Italiana, la Comunità di Sant’Egidio, l’Unicef, Amnesty International e Medici Senza Frontiere, che il Premio di Solidarietà Vittorio Bachelet ha visto protagonisti nelle sue passate edizioni. Il nostro auspicio è che le foto di Francesco Zizola possano far sì che qualcuno tolga la mano dal fucile per porla sul cuore.”

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Titolo: Architettura e fotografia. La scuola Fiorentina
Testi di: G. Belli, C. H. Favrod, G. Fanelli, M. Maffioli, B. Mazza
Editore: Fratelli Alinari
Pagine: 80
Fotografie: 70
Formato: 24×26 cm
Rilegato in brossura
Prezzo (di copertina): 23,24 Euro

1 1 2 3 4 5 6 7 8 9

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Il volume non intende proporsi come antologia di immagini fotografiche delle architetture tra 800 e 900, da chiunque riprese, ma intende dimostrare alcuni aspetti e risultati del rapporto con la fotografia avuto da architetti e docenti delle scuole di architettura e poi delle facoltà universitaria di Firenze. Il volume si articola in diverse sezioni che a partire dalle emblematiche immagini realizzate dai Fratelli Alinari, segue con la raccolta fotografiche create dagli architetti trovando in quei documenti dei repertori sia di conoscenza che strumenti di progettazione, per continuare con la fotografia come supporto al lavoro di restauro e concludere con la fotografia come momento di creatività formale dello stesso architetto.

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Titolo: ItaliaFiera. Dalle Esposizioni universali al mercato globale 1861-2006
Testi di: Z. Ciuffoletti, R. Riannetti
Editore: Fratelli Alinari
Pagine: 192
Fotografie: 216 fotografie in quadricromia
Rilegato in tela con sovracoperta
Formato: 24,5×29,5 cm
Codice ISBN: 88-7292-502-9
Prezzo (di copertina): 40,00 Euro

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Al volume è affidato il compito di testimoniare le radici del sistema fieristico italiano, la qualità delle proposte, il contributo alla storia economica del nostro Paese. Le immagini fotografiche documentano le Grandi Esposizioni che hanno segnato i primi anni dell’Unità d’Italia, le campionarie, l’avvio di fiere specializzate che si sono poi rivelate motore dell’economia nelle diverse aree e per i diversi settori fino ad arrivare allo sviluppo di soluzioni tecniche per i quartieri e a concept fieristici che ci pongono all’avanguardia nel mondo in molti campi.

Questo splendido libro non solo mette in vetrina il Made in Italy, ma racconta la storia dell’evento espositivo come memorabile esperienza per il visitatore di tutti i tempi e offre un’esaustiva panoramica sui 41 principali Enti fieristici italiani, ancora oggi luoghi di incontro e di scambio preferiti dai consumatori e dalle piccole e medie aziende.

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Massimiliano Orlandoni
“ASSEMBLAGGI INVEROSIMILI”

Dino Del Vecchio

I lavori di Massimiliano Orlandoni, ricomposti in impaginazione – prelievi da immagini fotografiche – accentrano un indagine sui limiti di quella linea analitica esplicitata da Filiberto Menna in “pittura concettuale”. Il prelievo accampa una perentoria autonomia, con un sensibilismo differente e con una debita distanza da quella che fù (allora) teorizzata autosignificante marcata ripresa del colore.

Con le debite distinzioni, e non sarebbero poche, per peculiarità dei materiali e per cronologia il “significante”, rispetto ai modelli di certe alchimie estetiche, denota una formula segnica in bianco/nero, coincidente di una pluralità che accentua un sistema di relazione/interazione fra i modi e le tipologie morfologiche che, non escludono una riconciliazione con la manualità e l’espressione. E allora: Lacerti identitari di memoria, della realtà e della propria virtualità, dilatano in immaginazione figurale quanto in forma grafica. Evidente nell’insieme una sorta di complementarità e in una fusione che recupera una riflessione sul linguaggio, insieme, analitico ed espressivo.
Un naturalismo allusivo di un profilo intellettuale ed artistico, di fronte alle opere che si presentano nella duplice componente segno-cromia – struttura e impaginazione – evoca sensibilità pittoriche avanzate, rispetto al prelievo iniziale dei reperti iconografici, ricuperati per il collages. A riequilibrare la dominante iconica data dal collage fotografico, una gestualità (informale) rivendica una personale parte soggettiva dell’artista, avanzata rispetto alla serialità del prelievo. Interessanti ed originali declinazioni, in grado di mediare citazioni storiche, sembrano far comprendere un rivolgimento di relazioni rispetto alla realtà e al “qui ed ora” del tempo e dello spazio.
Molti artisti, intervengono attivamente nel vissuto. Orlandoni sostenta la sua ricerca in quei dispositivi stranianti, che tramite l’effettualità della percezione-illusione, l’immagine dinamica, orbitale, evidenzia un suo punto panottico (…) accade che una forma circolare, traslata per la scultura, restituisce l’orbita dinamica di un ipotetico occhio o di un “roto-rilievo” che si muove circolarmente sul punto della dissolvenza e della ri-formulazione. Ciò procura un grado di instabilità degradante e gradante, verso un diaframma che porta (oltre) il punto prospettico: nel luogo in cui si denotano altri esiti di spaesamento. La cifra dialettica, che include tecnica e metafisica tra fotografia e struttura, restituisce alla fisicità del procedimento volute metalliche, che descrivono la funzione oggettiva di un supporto che sostiene e include la presenza ineludibile di un labirinto invorticante – in un luogo prossimo e infinitamente lontano.
Nelle varianti e nel variare delle componenti, la duttilità della pittura conclude in una esclusiva realtà dalla quale vengono desunte inconsuete e inverosimili multiformi proposte e, perciò, non appartengono ad alcuna “corrente”, che induce ad una interpretazione storicistica. Il correlato impianto compositivo, a compimento dell’opera quale spazio della rappresentazione, sostanzia una dialettica concettualmente stimolante e in sintonia con le modalità di una progettazione che conserva un suo precipuo carattere mentale. Condotto simultaneamente alla esecuzione materiale, messe in gioco le storie personali e la facoltà immaginativa dell’autore, la ricognizione e la susseguente rielaborazione (dato fotografico e la mimesi pittorica) evoca un forte spaesamento che mette a dura prova la nostra capacità di distinguere i confini della finzione e quelli della realtà.
La complessità della visione, in cui è collocata la materia pittorica (ulteriore punto destabilizzante) differisce dalla lettura insolita e autoironica del paesaggio. La realtà percepita diafana e frammentata – riguardata virtualmente – suggerisce il luogo simbolico delle percezioni e della memoria. Lo spazio pittorico registra un immanente presente che si desume perenne partendo proprio dal tema della natura. La solidità dell’agglomerato, che aggetta persistente un informe itinerario segnico, anch’esso labirintico, sottolinea il genius loci che porta l’artista marchigiano a considerare per la sua ricerca un significato più profondo, che pone in evidenza il senso di appartenenza e l’inevitabile coinvolgimento emotivo di chi guarda e riguarda i luoghi, il tempo e i mutamenti.
A questo punto la riflessione, prevalentemente nel segno dell’autonomia, si sofferma sull’antitesi minimalista; osservando materiali peculiari di architetture eclettiche e inventive che si ravvisano in prototipi, a metà strada tra scultura e installazione ambientale. Ciò introduce, ancora una volta nel contemporaneo, un riproposto evoluto rapporto tra oggetto e la sua rappresentazione. Anche in questo caso, alcune opere di Massimiliano Orlandoni sembrano essere “pronte fatte” per la presentazione di una ipotesi di “prototipo” che conclude ad una inedita altra via funzionale e descrittiva e comunque aperta a soluzioni che la diversifichino – pubblica o museale. Infatti, le volute scultoree suggeriscono altre esponenziali variazioni, trasdotte salienti nella interazione con lo spazio e giustapposte, senza discriminanti, in una sorta di nuova “costruzione” che incrocia elementi naturali e simbolici.
Il gesto creativo conclude nella dinamicità energetica, sottintesa la presenza di alcuni dettagli, intricati per l’inquadratura ravvicinata dell’occhio fotografico, che irrompono nel flusso del linguaggio materie e materiali: esibiti preziosismi effettuali sul supporto (a volte di alluminio) tramite pennellate che distendono l’impeto di un moto “ondoso” – blù intenso. Il colore ibrida la monocromia direi fredda di un sottostante impianto costruttivo, che si caratterizza di altri significati, quelli propri della “costruttivita visuale”, che in questo caso mettono in evidenza un meccanismo, contemporaneamente dell’assonanza e dell’iterazione, con quei modelli iconografici che appaiono concavi e inversi: come nelle criptiche allusioni di Lacan. Anche qui troviamo gli elementi per indicare la poliedricità dei linguaggi che utilizzano, per la lettura dell’opere, un doppio senso; con la dualità avvertita (allora) nella definizione di un processo che defluiva nei modelli scientisti e nel pensiero propriamente dell’arte di fantasia.
Il lavoro stilistico apre verso una visionarietà rievocativa di un sublime romantico livello di ironia (un classico nella postmodernità) e induce ad una ulteriore riflessione sull’attualità dei concetti calviniani: sull’individuo e sui simboli della collettività. Al centro di questi intrecci rifluisce il senso profondo – psichico e antropologico – della costruzione formale, tra figurazione e astrazione, e, nella sua dilatata spazialità osmotica. Innanzi, si è rilevato che la sua, quella di Orlandoni, è un’arte aperta e autonoma; negli stilemi della metapittura in cui prende corpo e potenza razionalità e leggerezza. Si desume, guardando nei solchi di uno spazio cosmico che il cerchio, nella sua perfezione prelude all’immutabilità del tempo infinito come anche il riaffiorare della materia (le terre) inoltrano alla simbologia evocativa di una esplosione cosmica o vulcanica. Il campo magnetico sottende il gioco ambiguo della attrazione-sottrazione all’istinto dell’opera, che si denota concettualmente radicale, per le odierne problematiche che avvicendano sul contesto ambientale e nel chiarificato mondo sensibile dell’artista, con un parallelo sensibile e interiore. D’altronde i contenuti che codificano l’oggetto artistico, pongono interrogativi stranianti di una figuratività dialettica… d’intersezione, tra vecchie e nuove poetiche, che metamorfizzano il linguaggio e in tale contesto, si rivela nella forza di un simbolismo ermetico. Da questa angolazione, la lettura dell’opera “Identità” mostra dispiegato il significato del pensiero endemico, che Orlandoni tenta di ri-formare nella produzione recente e costantemente in progress. Un lavoro che nel corso del tempo prosegue nella scultura in affinità con visualità di pensiero e in certi esiti che sintetizzano una ricerca alchemica e sui materiali, con riscontri più concettuali quando propone in forma/materia, un legame intrinseco ad una riscoperta poetica “esistenzialista” che volge ad un suo agone personale ma, forse, ad una utopia di fondo che lo conduca al di fuori del percorso, intricato di segni e protuberanze pigmentose, che perturba in ciò che è descrittivo di semantiche del labirinto.
Nelle superfici affiorano sdoppiamenti e trasformazioni; geometrie sagomate e segni pittorici in equilibrio tra figurazione e astrazione. Vicendevolmente, archetipi e forme arcaiche, primordiali, trovano espressione e pluralità di senso in certe effettuali volute incompiutezze stilistiche. Un simbolismo rituale che prende corpo e forma nella metafora della vita, istintuale e liberatoria, viene intenzionalmente esibito attraverso l’opera “Le danzatrici di Maor” come peraltro la stessa metafora è delineata nei lavori: “L’arca di Noè, “Vita” “Luce”.
Riecheggia la bella materia, fenomenica di nuove processualità, costante di un lavoro che implica una sorta di trasformazione dei significati, che rigenerano dalla memoria – storia e cultura contemporanea: sotteso il disagio esistenziale per le contraddizioni e le dissoluzioni nell’oggi. Massimiliano Orlandoni nonostante un considerevole scarto cronologico, ravvisa tensioni formali che furono degli anni “Sessanta e Settanta”, adottando nel presente (nel suo) ricomposte allusive ironicità. Ogni opera estrinseca un risultato estetico, che porta all’evidenza una ipotesi di sviluppo oggettivo e contiene i codici di un naturalismo che avvalora, per la conseguente rielaborazione formale, allusiva di nuovi significati e nuove forme – organiche e immateriali – un processo disvelante di nuova arte, oggettuale, che incontra la percezione fisica del reale e visione astratta di pensiero.

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Col patrocinio della Circoscrizione 1 e del Comune di Torino

immagini fotografiche di Roberto Sardo

Progetto inedito

Presentazione critica: Luciana Spina Scarrone / Museo Nazionale del Cinema

Dal 5 al 28 ottobre 2006

Sala di Quartiere Torino Centro Storico, via Bellezia 19 ( piazza Macario) – Torino

Inaugurazione: mercoledì 4 ottobre, alle ore 18

Apertura: da martedì a sabato, dalle 16 alle 20 ( chiuso Domenica e lunedì ) – ingresso libero

NELLA STESSA SEDE:

- Giovedì 5 ottobre, ore 21: incontro con l’autore

- Domenica 29 ottobre, dalle ore 21: Workshop fotografico dal tema “Il fotografo artigiano, tra

pellicola e digitale”

T.O.R.I.N.O. ( Ti Osservo Respirare Idee Nell’Ombra ) è un progetto fotografico inedito, qui alla sua prima presentazione nazionale, prodotto da Roberto Sardo e dedicato alle atmosfere di una

città-crocevia. Incontri, pensieri, emozioni cercati e fotografati tra bianco/nero e colore, con la semplicità di un sentimento.

Le immagini sono state realizzate in tecnica ed esposizione manuale, con stampa chimica a selezione cromatica manuale (nessun intervento digitale).

ROBERTO SARDO è nato a Ferrara nel 1961. Vive a Rimini.

Dall’82 compie una ricerca professionale sui linguaggi espressivi, collaborando con altri autori.

Studia Fotografia dal 1984. Ha presentato numerose personali, in Italia ed all’estero, e pubblicato su giornali e periodici ( L’Espresso, Panorama, Centocose, Max… ).

E’ docente di Fotografia in progetti per enti pubblici e privati (dai centri di formazione alle università).

Nel 2002 è stato riconosciuto maestro di Fotografia al meeting nazionale di Cesenatico (direzione artistica Pino Settanni).

Nel 2005 ha presentato “ANIME” – antologia fotografica inedita, per il XX di ricerca ed espressione, col patrocinio del Comune e della Provincia di Rimini / Assessorato alla Cultura.

Nel giugno 2005 ha partecipato, in qualità di docente di Fotografia, al progetto TALE – formazione e didattica europea, a Berlino.

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