Oggi, e forse sempre, vivere una favola richiede un po’ di fantasia, qualche accessorio, una bella dose di determinazione, e anche una certa pratica conquistata a suon di tentativi e sperimentazioni.

Tutte qualità delle quale sembra essere ben provvista Lissy Laricchia, e il suo alter ego Lissy Elle, per chi viaggia on line e nella comunità Flickr, pronta a mettere in scena, fotografare e ovviamente manipolare la realtà quel che basta, senza esagerare.

Nel portfolio di questa giovane fotografa che vive in Canada, ma potrebbe abitare tranquillamente in dimensioni ‘altre’, troverete tutta la magia che può contenere un barattolo o creare il respiro, il mistero che può scatenare un ombra o un semplice lenzuolo, e le avventure che possono essere sorseggiate in una tazza, morse da un frutto, o correre dietro ad un palloncino.

Lissy Elle

Lissy Laricchia & Lissy Elle é stato pubblicato su Clickblog.it alle 11:20 di sabato 07 maggio 2011.

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Il “Viaggio in Italia” sulle orme della rassegna del 1984, prosegue a Modena con un’altra collezione fotografica, e una collettiva attenta al mutamento del paesaggio italiano degli ultimi 30 anni.

Dalla collezione della Galleria Civica a quella della Fondazione Cassa di Risparmio di Modena, ad animare il viaggio nel paesaggio in mostra all’Ex Ospedale Sant’Agostino fino al 5 giugno 2011, sono i quattro sguardi e fotografi del titolo.

QUATTRO. Olivo Barbieri, Vittore Fossati, Guido Guidi, Walter Niedermayr, è un viaggio nello spazio e nel tempo, nell’Italia e in quei paesaggi riflessi nei luoghi della memoria e nella quotidianità frammentaria dei Flipper di Olivo Barbieri, nel contributo di Vittore Fossati a quel “Viaggio in Italia” del 1984, nei paesaggi emiliani ai margini di Guido Guidi, ed in quelli frutto dell’interazione tra uomo e ambiente di Walter Niedermayr. Ma il tour di Modena continua ..

QUATTRO

Viaggio a Modena: QUATTRO, Olivo Barbieri, Vittore Fossati, Guido Guidi, Walter Niedermayr é stato pubblicato su clickblog alle 08:00 di mercoledì 06 aprile 2011.

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Radici che i sotterranei della mente possono sostenere e un vaso è incapace di contenere, visioni di trame interne, collegamenti anticonvenzionali tra oggetti naturali e artificiali, suture pre e post sviluppo, rendono le ‘opere’ fotografiche di Charles Grogg una sperimentazione in progress sulle immagini.

Mostrare quello che fotografa non è abbastanza per questo sguardo visionario che dipinge, sporca e cuce stampe alla gelatina d’argento, come fossero trame di visioni più complesse, celate dalla superfici stratificate.

After Ascension and Descent raccoglie questa singolare visione del mondo naturale, e rappresentazione delle radici ancestrali del fotografo, procedendo per multipli, senza gerarchie interne, ispirandosi a quella metafora filosofica del Rizoma adottata da Gilles Deleuze e Felix Guattari.

Una visione ancestrale e misteriosa raccolta dal volume omonimo frutto di una auto pubblicazione del 2010, e dalla mostra ospitata dalla Corden Potts gallery di San Francisco, dal 5 aprile al 28 maggio 2011.

After Ascension and Descent

Charles Grogg: After Ascension and Descent é stato pubblicato su clickblog alle 14:44 di domenica 03 aprile 2011.

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WORKSHOP DONALD WEBER
Venerdì 26 Novembre 2010 ore 16:30-20:30
Sabato 27 Novembre 2010 ore 10:00-14:00

Scuola Romana di Fotografia
Via degli Ausoni 7/A
00185 – Roma

Donald Weber, nato a Toronto, è un fotografo rappresentato da VII Network, fondata da James Nachtway. Ha vinto numerosi premi tra cui: Guggenheim Fellowship, Lange -Taylor documentary Grant, World PressPhoto, Duke and Duchess of York Photography Prize, PDN’s 30. E’ stato nominato Emerging Photo Pioneer dalla rivista American Photo.I suoi lavori sono stati pubblicati su numerose riviste internazionali come Der Spiegel, The Guardian, Newsweek, Mew York Times e New York Times Magzine, Rolling Stone, Stern, time e Walrus.

Weber presenterà un’anteprima del suo nuovo libro “Interrogations“, che sarà pubblicato il prossimo anno. Questo libro è frutto di cinque anni di lavoro in Russia e Ucraina. Il suo intervento servirà a spiegare come si gestisce un progetto fotografico a lungo termine, sia in termini economici che di difficoltà logistiche e creative.

Il secondo giorno parlerà dei punti essenziali per scrivere proposte di successo per i vari grants e premi fotografici.

Clicca qui per visualizzare l’evento sul calendario

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Ogni volta che perdiamo di vista il profondo legame che abbiamo con la natura e con i suoi cicli universali e ineluttabili, passiamo il tempo a raccogliere le macerie della nostra sconfitta, così come ogni volta che ci fermiamo a riflettere su questo genere di ‘catastrofi’ possiamo trarne considerazioni preziose per la nostra esistenza.

Con lo sguardo sedotto ed intimorito dalla forza primordiale e misteriosa della natura, quanto dalle inevitabili e spesso sorprendenti ricadute sul nostro vissuto personale ed emotivo, Jane Fulton Alt ha puntato l’obiettivo sul fuoco, sulla forza distruttiva e al contempo rigenerante delle fiamme e sull’antitesi vita-morte.

The Burn, in mostra alla Corden|Potts Gallery di San Francisco fino al 30 ottobre, è il frutto di tre anni di lavoro iniziati in concomitanza con la chemioterapia della sorella, un trattamento che come il fuoco rimuove la crescita indesiderata per consentire un ciclo di rinnovamento.

The Burn

Il ciclo della vita e i misteri che lo regolano, vero leitmotiv di queste immagini, sembrano essere in realtà il filo conduttore dei progetti della fotografa americana, da Surviving Cancer a Crude Awakening sulla fuoriuscita di petrolio nel Golfo del Messico, da On Womanhood a Katrina, raccolto in Look and Leave: Photographs and Stories from New Orleans’s Lower Ninth Ward (Center Books on the American South) Edito da University of Georgia Press, che potete sbirciare nel video a seguire.

Il ciclo della vita di Jane Fulton Alt é stato pubblicato su clickblog alle 12:00 di martedì 21 settembre 2010.

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Sander Meisner è un esploratore urbano che ama muoversi di notte, e si prende volentieri tutto il tempo necessario per cogliere le sfumature del paesaggio e fotografarne le sorprendenti peculiarità.

Ogni fotografia mostra la bellezza, il mistero e la poetica di zone dismesse, tunnel, viadotti e più in generale del paesaggio urbano più industriale e desolato, frutto di una presenza umana ‘assente’ che riempie spazi apparentemente vuoti.

La luce che gioca con i riflessi, le ombre, le linee delle architetture industriali e le superfici apparentemente immobili, e il punto di vista che rende intrigante ogni paesaggio del fotografo autodidatta di Amsterdam, si possono ammirare alla Brandt gallery con la collettiva Group Dynamics, insieme a quelli di Mireille Loup e Ole Marius Jørgensen, fino al 19 settembre 2010.

Sander Meisner Gallery

I paesaggi urbani di Sander Meisner é stato pubblicato su clickblog alle 11:00 di martedì 31 agosto 2010.

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Per ognuno di noi in modo diverso, oggetti e luoghi apparentemente insignificanti e banali sanno diventare il catalizzatore di storie passate, emozioni consumate, ricordi lontanissimi, avviluppati dalle brume del tempo e da memorie frammentarie.

Memorie rimosse e pronte a saltare fuori in modo sorprendente da recessi insospettabili, frammenti volubili, evocati dalle luci di una giostra nella notte, che hanno il sapore della polvere di un strada calpestata, il calore di una giornata d’estate, il gelo di emozioni dolorose o il languore nostalgico della vita che scorre.

Reminiscenze e frammenti molto personali capaci di trasformarsi in patrimonio iconografico della memoria collettiva, come quelle che caratterizzano le ricerche fotografiche di Bruno Cattani e le Memorie esposte a Palazzo Ducale di Castelnovo ne’ Monti (RE) e nel foyer del Teatro Bismantova, dal 17 luglio al 26 settembre 2010.

Memorie di Bruno Cattani

Foto ingiallite, altalene solitarie, nebbiosi paesaggi padani, giochi e giocattoli, interni spogli pieni di presenze … abitano circa 90 fotografie, frutto di un lungo percorso di ricerca, capaci di evocare un ventaglio molto ampio di ricordi ed emozioni, dagli eventi unici a quelli quotidiani ripetuti milioni di volte, dalla malinconia al sottile piacere. Una mostra che raccogliendo i ricordi di qualcun altro ci permette di rimettere in gioco quelli che ognuno custodisce gelosamente nella propria memoria.

Le Memorie di Bruno Cattani é stato pubblicato su clickblog alle 12:43 di giovedì 01 luglio 2010.

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La prima edizione della Festa dell’Architettura, Index Urbis, curata dall’architetto Francesco Garofalo è un evento che celebra lo spazio, la progettazione e la costruzione degli edifici. La rassegna che si svolge dal 9 al 12 giugno 2010, propone una lettura della città e dell’architettura contemporanea. Un fitto programma di appuntamenti fatto di incontri, lezioni, mostre, convegni e conferenze, presentazioni di libri, rassegne di video e film, installazioni e anteprime di progetti, sarà presentato alla stampa venerdì 4 giugno 2010, alle ore 12.00, in Campidoglio.

I luoghi della Festa sono quattro: la casa dell’architettura – acquario romano, l’auditorium parco della musica, il maxxi museo nazionale delle arti del XXI secolo e il macro testaccio cui si aggiungono oltre cinquanta eventi collaterali.  Tra questi anche Officine Fotografiche con un gruppo di fotografi i quali attraverso sequenze di immagini hanno ripercorso e interpretato il territorio metropolitano dell’Eur, un quartiere della Capitale che tanto ha ispirato architetti, registi, artisti e fotografi.

L’EUR è un acronimo che ricorda che il quartiere fu ideato in occasione dell’esposizione universale di Roma. Nel quartiere Europa, così come indicato nella toponomastica del Comune di Roma, l’uomo è stato sempre figura di secondo piano rispetto agli elementi architettonici del paesaggio monumentale. IDEA EUR, LA STORIA CONTINUA è un’indagine volta a fermare un periodo storico significativo del cambiamento in atto. Il rumore delle idrovore che pescano acqua dal fondo degli scavi, le sirene delle gru, il ferro che batte contro il ferro, il ruggito dei camion che entrano ed escono dai cantieri, il vociare lontano degli operai, rompono oggi quel silenzio assordante del passato proiettando il nuovo E2010 verso il futuro. La maestosità delle opere contemporanee si andrà a confrontare con un’idea del passato, frutto della volontà di grandezza di un regime, al pari di un avvenente modello che entra nella stessa vetrina dove un altro, un po’ datato, fa bella mostra di sé. La Nuvola di Fuksas, la Torre Giardino di Renzo Piano, l’Europarco, l’Acquarium virtuale Mare Nostrum, la Città dell’Acqua, sono gli ambiziosi progetti che segneranno la fine dell’epoca dei colletti bianchi rinchiusi nei loro cubi di travertino di vetro e ferro; del Velodromo Olimpico e del Parco Luneur, che hanno fatto gioire tanti giovani della seconda metà del secolo scorso. La mostra scaturita da questo impegno è l’insieme delle idee di dodici fotografi che hanno affidato ad articolate sequenze di tre fotogrammi, anziché a singoli scatti, sintesi documentarie, narrative e creative dei diversi stati d’animo che un quartiere come l’EUR è in grado di suscitare.

L‘evento promosso dall‘Associazione Culturale Officine Fotografiche è patrocinato dalla Federazione Italiana Associazioni Fotografiche (FIAF).

MOSTRA FOTOGRAFICA COLLETTIVA:

Partecipanti:

Massimo Bottarelli; Maurice Carucci; Luisa Cobianchi; Giuseppe D’Amico; Fulvia Delfino; Milka Gangemi; Luca Guerri; Daniele Loi; Giorgio Mazzacurati; Ernesto Notarantonio;  Alberto Placidoli; Angela Villari; Fabio Viscardi.

Curatori: Alberto Placidoli

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Come in passato la sesta edizione di Padova Aprile Fotografia torna a parlare di immagini d’autore con la rassegna curata da Enrico Gusella e Alessandra De Lucia, dedicata a “La fotografia di cinema” e ai set di due grandi cineasti con le mostre “Carlo Mazzacurati nelle immagini di Lucia Baldini e Giovanni Umicini” e “Ricordando Krzysztof Kieslowski. Fotografie di Piotr Jaxa” (per la quale seguirà un approfondimento).

Questa nuova edizione della rassegna è stata inaugurata sabato 10 aprile 2010 con la mostra “Carlo Mazzacurati nelle immagini di Lucia Baldini e Giovanni Umicini”, che resterà esposta nella Galleria Cavour (piazza Cavour) fino al 23 maggio.

Una parte della mostra è dedicata agli scatti dei luoghi, della troupe e delle atmosfere realizzati da Lucia Baldini sul set del film “La giusta distanza” (2007), e del film di prossima uscita “La passione”, anteprima inedita in omaggio alla città di Padova.

Carlo Mazzacurati nelle immagini di Lucia Baldini e Giovanni Umicini

Attraverso gli scatti di Giovanni Umicini, un’altra parte della mostra è invece dedicata alle storie cinematografiche e alle gioie ed i dolori sul set di “Vesna va veloce” (1996) e “La lingua del Santo” (2000). Film, approcci e punti di vista completamente diversi dunque, frutto della sensibilità dei fotografi che hanno in comune solo la regia del padovano Carlo Mazzacurati. Grazie allo Studio Pesci in questa gallery trovate un piccolo assaggio della mostra.

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Conoscere per fotografare. Fotografare per conoscere. È di certo questa prima frase a costituire il filo conduttore del lavoro a più mani esposto, mostra frutto di un lungo lavoro che si è sviluppato dal workshop di fotografia sociale condotto dal fotografo Giulio Di Meo. Il corso è stato frequentato da una decina di persone di varie età e con esperienze fotografiche eterogenee tra loro. Durante le lezioni si è sviluppata un’ampia panoramica approfondita da momenti di dibattito su cosa si intenda reportage e la fotografia sociale.
Giulio Di Meo ha voluto trasmettere ai suoi allievi il concetto di “fotografia sociale” interpretando la fotografia come necessità di una sensibilità, di un’etica, di un impegno particolare. Una fotografia che lui stesso afferma come “desiderosa di farsi carico delle lotte, della rabbia, indignazione ma anche di amore, passione, speranza; una fotografia impregnata da un’intensa umanità.” La “fotografia sociale” quindi vuole essere una sorta di ricerca antropologica dove il fotografo viene immerso nel contesto che lo circonda, dovendosi inserire in tale realtà senza creare ulteriori difficoltà. Il contesto questa volta è stato il Pilastro, quartiere della periferia bolognese sorto negli anni sessanta con la costruzione di numerosi condomini di edilizia pubblica. E qui vivono tante persone che dal sud Italia sono arrivate a Bologna nell’epoca del boom economico per cercare un lavoro. Oggi si mescolano a queste persone molti stranieri, protagonisti di esperienze simili, ma ogni volta uniche e singolari. Si amalgamano così vite diverse che creano un melting pot di culture e usanze provenienti da differenti luoghi del mondo. Ogni persona è lo specchio di percorsi differenti e condivide ora un presente comune. La vita si tocca, si vede e si percepisce nella quotidianità delle strade e dei parchi. Come il prato del parco Pasolini è punto di incontro di molti ragazzi che si incontrano qui, così dietro il “virgolone”, enorme edificio costituita da molti appartamenti e diversi piani, gli anziani lavorano gli orti comunali, riposano e giocano a carte seduti sulle panchine. “Pilastro” significa anche tenacia, costanza, fatica, e naturalmente credere nei propri mezzi e nell’energia che si respira quando ci si mette in gioco. Qui la palestra di Boxe e Muay Thai riunisce i giovani che passano i loro pomeriggi sognando di diventare dei campioni. Il Pilastro è anche sport, quello vero, che parte dal basso e nasce dalla passione. Una passione che unisce. Ed ecco le persone che ci hanno permesso di rappresentare qualche istante della loro vita. Queste fotografie vogliono gettare uno sguardo sulla realtà del Pilastro e. svelare cosa significhi farne parte. Vogliono aiutare a leggere oltre i confini di un quartiere che erroneamente viene etichettato come periferico, degradato e come luogo di disagio sociale. In questo racconto potreste scoprire una realtà diversa, non inquinata da pregiudizi e luoghi comuni. Una realtà che ci ha affascinato e sorpreso. Provateci, forse ne rimarrete colpiti.

Espongono: Roberto Brandoli, Filippo Carnevali, Lorenzo Ciancaglini, Sabrina Flocco, Laura Luppi, Enrico Migotto, Eleonora Minler, Nicola Sacco, Alessia Scarpa, Alberto Sola e Emanuele Vesentini.
Ecuador
Il sostegno alle comunità locali – cibo, ambiente e salute
Ucodep è impegnata dal 1995 in Ecuador, nell’area andina di Cotacachi (provincia di Imbabura) nella realizzazione di interventi di miglioramento dell’alimentazione e della produzione agricola delle comunità indigene. Nel 2002 si è iniziato a lavorare anche nella regione amazzonica nord orientale del paese al confine con la Colombia, la provincia di Sucumbios, dove si estende l’importante riserva naturale del Cuyabeno, nel settore della difesa dell’ambiente e della tutela della salute.
L’intervento di Ucodep in Ecuador è strettamente legato all’attività agricola e alla conservazione del patrimonio naturalistico della Foresta Amazzonica. Nel corso degli ultimi decenni il settore agricolo ha diminuito la propria redditività e la popolazione rurale ha dovuto fronteggiare l’aumento della povertà, l’impoverimento del suolo, il peggioramento delle condizioni ambientali e la riduzione della possibilità di accedere a servizi primari quali educazione e sanità. Inoltre, nella provincia di Sucumbios si è registrata una crescita dell’attività di estrazione del petrolio con gravi conseguenze ambientali. Sebbene esista un regime democratico fin dal 1979, il contesto socio economico dell’Ecuador è caratterizzato da instabilità politica cronica, da fratture interne al paese e forti influenze regionali nei partiti. Dal punto di vista ambientale l’Ecuador presenta un’immensa ricchezza naturale, una grande biodiversità e numerose risorse idrogeologiche e minerarie, tutto ciò minacciato dai cambiamenti climatici e dal crescente sfruttamento delle risorse energetiche, soprattutto del petrolio.
Tenuto conto di tutto ciò, Ucodep è intervenuta in Ecuador con sostegno all’agricoltura e alle comunità locali per lo sviluppo rurale e valorizzazione delle risorse del territorio, di tutela dell’ambiente e della biodiversità locale e di lotta alla povertà.
Nella regione Andina di Cotacachi vivono numerose comunità di Indios (circa il 60% della popolazione residente nella zona) che, tradizionalmente, si dedicano all’agricoltura di sussistenza. Tuttavia, in seguito alla riforma agraria introdotta negli anni ’60 dal governo militare, tali popolazioni si sono trovate costrette a coltivare terreni sempre più ridotti e in posizioni sfavorevoli, con il conseguente progressivo impoverimento dei campi e la riduzione delle varietà prodotte e della qualità dei prodotti. La conseguenza di tutto ciò è stato l’indebolimento del settore agricolo, la scarsa differenziazione alimentare e l’insorgere di malattie legate alla malnutrizione, l’emigrazione dalla campagna alla città, l’abbandono dei figli per ragioni lavorative e quindi la riduzione della frequenza scolastica.
L’area della Riserva del Cuyabeno presenta un altissimo valore naturalistico, floristico e faunistico. A causa della difficoltà di accesso a questa zona l’accesso ai servizi di base, tra i quali l’uso di acqua potabile e l’assistenza medica, è molto limitato. Lo sfruttamento delle risorse naturali, per molti degli abitanti della zona, rappresenta l’unica possibilità di reddito. Gli interventi di Ucodep si concentrano quindi in queste due zone con un approccio che mira, quindi, allo sviluppo agricolo nel rispetto delle risorse locali, della valorizzazione delle stesse, della difesa dell’ambiente e del rafforzamento dei piccoli produttori locali. Ucodep si dedica anche al supporto all’educazione primaria e alla tutela della salute locale, in un’ottica integrata di sviluppo locale.
Attualmente l’intervento di Ucodep in Ecuador è realizzato tramite gli uffici di Cotacachi e Lago Agrio. La mostra fotografica Ecuador: Colori e Volti, organizzata dai volontari Ucodep di Milano, vuole ripercorrere appunto l’esperienza di 15 anni di Ucodep in Ecuador attraverso la natura, le persone e i colori che caratterizzano questo affascinante e variegato Paese. Il gruppo dei volontari Ucodep di Milano organizza e propone attività a sostegno dei progetti di Ucodep in Ecuador.
Per saperne di più di Ucodep e delle attività dei gruppo di Milano:
gtmilano@ucodep.org – www.ucodep.org
credits foto: Andrea Cianferoni, Ilaria Lazzarini, Demostenes Uscamayta Ayvar/Ucodep ©

Dal 13 al 28 Novembre 2009

Centro Sociale Barrio’s
via Barona, ang. via Boffalora, Milano
Per Info: tel.0289159255 – fax0289158280 – barrios@comunitanuova.it – www.barrios.it

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Progetto “Deserto Rosa”
Una parte della quota sarà utilizzata per la seconda parte del progetto “Deserto Rosa”, con il completamento del laboratorio di fotografia digitale nella Scuola Olof Palme della Wilaya di El Ayoun.
Contenuti del Corso:
Lezioni Teoriche (2 lezioni di due ore):
o Introduzione al reportage; definizione e distinzione delle forme in cui si sviluppa il reportage, cenni di storia del reportage, sviluppo della fotografia documentaria in Europa e in USA;
o Il reportage del quotidiano, il “fattore umano”, la fotografia di strada, il reportage delle piccole cose, il fotografo delle situazioni “normali” della gente “normale”;
o Il comportamento del fotografo, il rispetto di chi si fotografa, il dialogo e la socializzazione con i soggetti, la spontaneità dei soggetti;
o La costruzione della storia, la soggettività sociale e politica, l’oggettività;

Editing (4 lezioni di due ore):
• Sedute di critica e selezione.
Lezione Pratiche:
Uscite fotografiche giornaliere dalla mattina al tramonto.

Periodo: 26 Dicembre 2009- 03 Gennaio 2010
(date da confermare)

Info: www.attivarci.it www.giuliodimeo.it

campidilavoro@arci.it info@giuliodimeo.it

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Seminario a cura di Sandro Iovine

Direttore della rivista Il fotografo

Saper leggere un’immagine fotografica è ancor più importante della capacità di realizzare una fotografia tecnicamente corretta. Gli aspetti tecnici infatti si possono agevolmente acquisire con un po’ di pratica o addirittura affidandosi agli automatismi. Diverso il discorso della progettualità che conduce allo scatto e soprattutto alla fase di selezione, vero momento in cui il fotografo amatore, o professionista che sia, deve mettere a frutto la sua capacità di riconoscere gli scatti significativi da quelli non funzionali all’espressione delle sue idee. Saper analizzare con un metodo le fotografieche realizziamo e quelle degli altri ci conduce ad un continuo perfezionamento del nostro modus operandi e il saper ragionare in forma preventiva consente di ottenere contenuti leggibili in modo chiaro da chiunque, per la progettazione di un portfolio.

E’ prevista la visione dei lavori dei partecipanti, con commento critico.

Quota di partecipazione a titolo di rimborso spese euro 50,00

Il seminario si terrà una domenica pomeriggio di ottobre 2009, full immersion.

La data sarà comunicata agli iscritti entro la metà del mese di settembre 2009.

. Lettura Periodica dei Portfolio

Selezione Fotografi Emergenti Rassegna 2010

Tra le finalità prioritarie dell’A.F.I., vi è quella di promuovere la giovane fotografia, selezionando autori, under 35, da proporre in una rassegna annuale dal titolo: “ Fotografi Emergenti Italiani ”.

A tale scopo, nel periodo settembre-dicembre 2009, saranno programmati una serie di’incontri di lettura dei portfolio, con l’intento di scegliere i lavori più meritevoli da presentare nel 2010 alla villa Pomini.

I colloqui si terranno su appuntamento, prenotando la propria lettura con gli esperti A.F.I., telefonando o scrivendo ai riferimenti sotto riportati.

Per informazioni e iscrizioni:

Corso di Paesaggio: tel. 347 5902640 e-mail: claudio.argentiero@alice.it

Corso Base: tel. 340 2603726 (ore 13/14 – 18/21) e-mail: fiorenzopellegatta@tiscali.it

Corso Base Digitale: tel. 348 4045892 e-mail: fabio_preda@yahoo.it

Corso Ritratto e Glamour: tel. 347 5902640 e-mail: claudio.argentiero@alice.it

Seminario con Sandro Iovine: tel. 347 5902640 e-mail: claudio.argentiero@alice.it

Lettura periodica Portfolio: tel. 347 5902640 e-mail: claudio.argentiero@alice.it

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venerdì 10 luglio_ore 19_incontri in libreria

Chiara, Doccia, 2006

Chiara_Incontro con l’artista e slide-show

Chiara Carocci, in arte Chiara, lavora sui meccanismi comunicativi della pubblicità in relazione agli oggetti di consumo. Realizza opere fotografiche nelle quali, all’interno di ambientazioni sempre diverse, costruisce un personaggio – appunto: Chiara – alle prese con tematiche ispirate alla réclame, rivolgendo il suo sguardo disincantato verso la consuetudine a utilizzare stereotipi, tipica della comunicazione pubblica.

L’occasione di questo incontro è la mostra “Variazioni sul tema: La Bellezza” in corso fino al 19 luglio presso la galleria Wabi. Interverrà anche Maiter Ferrario, fondatrice di questa nuova galleria nel quartiere Isola, dove ci sposteremo dopo la presentazione per visitare la mostra e chiacchierare davanti a un aperitivo. Vi aspettiamo venerdì 10 luglio alle ore 19 presso MiCamera, in via Medardo Rosso 19 a Milano.

Chiara vive e lavora tra Marostica e Roma, dove ha esordito nel 1999 con la sua prima mostra personale.

Nei seguenti anni ha realizzato alcune mostre personali ed ha partecipato a diverse mostre collettive in spazi pubblici tra cui:

“Anteprima Q” Palazzo Reale, Napoli

“Italian Factory” Mostre Extra 50, 50 Biennale di Venezia, Venezia

“Mito Contemporaneo” Basilica Palladiana, Vicenza

“Melting Pop” Palazzo delle Papesse, Siena

“Sitting, standing,recicling” Modern Culture, New York

Nel 2002 vince il “Premio New York”, premio per l’arte contemporanea promosso dal “Ministero degli Esteri” e “Italian Academy at Columbia University” di New York.

www.accessorichiara.com

www.galleriawabi.it

www.micamera.com

_____________________

micamera – photography and lens-based arts

via Medardo Rosso 19 - 20159 Milano

MM2 Garibaldi – Uscita Via Pepe

T/F +39 02 4548 15

www.micamera.com

info@micamera.com

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La passione per la fotografia di Markku Lähdesmäki è iniziata in Finlandia, ispirata dalla tranquilla atmosfera e i panorami della sua città natale.

Dopo aver girato ogni angolo di mondo, si è trasferito nel paese delle meraviglie tropicali del sud della California, ha messo il suo ingegno e un uso notevole di photoshop a servizio della fotografia commerciale, ma i suoi progetti personali hanno fatto tesoro di tutto questo mettendo a frutto il sapore e le suggestioni delle origini.

Le immagini che ho selezionato nella mia gallery esprimono al meglio quello che mi piace di questo fotografo, ma sono certa che nel suo portfolio troverete quello che fa per voi.

Markku Lahdesmaki Gallery

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in collaborazione con

ADP – ASPeM – CELIM Milano – CISV – CMSR – CPS – MOCI -OSVIC -

Volontari nel Mondo FOCSIV
promuove

Concorso Nazionale

di video art rivolto ad artisti under 30

CONTRO L’AIDS… TAGLIA CORTO!
LA SCADENZA E‘ PROROGATA AL 20 LUGLIO
La scadenza delle iscrizioni al Concorso nazionale di Video Art Contro l’AIDS… Taglia Corto! è stata prorogata al 20 luglio. Fino a tale data i giovani tra i 18 e i 30 anni potranno inviare i propri video.

Il concorso è stato promosso con l’intento di far riflettere i giovani sull’HIV e sull’AIDS, e sulle conseguenze drammatiche che questa malattia ha non solo nel sud del mondo ma anche in quello occidentale.

Lo scopo è rendere i ragazzi protagonisti della lotta globale contro la malattia, attraverso la realizzazione dei video, privilegiando temi quali:

la diffusione dell’HIV/AIDS nelle diverse regioni del mondo,
le cause (povertà, sottosviluppo) che rendono l’HIV/AIDS una questione sociale,
l’educazione sanitaria,
la prevenzione e l’accesso universale alle cure soprattutto per i giovani,
accesso all’informazione come strumento di conoscenza e prevenzione alla malattia,
l’adozione di stili di vita consapevoli per ridurre i rischi di contagio.
L’obiettivo è permettere a giovani ed adulti di conoscere le reali dimensioni dell’AIDS, di abbattere i pregiudizi che ruotano ancora intorno alla malattia, e di stimolare una presa di coscienza che spinga a valorizzare la salute e la vita come beni assoluti.

Le opere dovranno essere spedite in busta chiusa a CVM entro il 20 luglio rigorosamente in formato DVD.

Il concorso è una delle attività di “Per un futuro senza AIDS”, un progetto che è frutto di un’aggregazione della Federazione Volontari nel Mondo FOCSIV e che si realizza con il contributo del Ministero Affari Esteri DGCS, ufficio VII e il Patrocinio del Ministero dell’Istruzione dell’Università e Ricerca – Ufficio Scolastico Regionale per le Marche Direzione Generale.

La manifestazione è organizzata dalla Comunità Volontari per il Mondo (CVM), in collaborazione con Amici dei Popoli (ADP), Associazione Solidarietà Paesi Emergenti (ASPeM), Centro Laici Italiani per le Missioni (CeLIM Milano), Comunità Impegno Servizio Volontariato (CISV), Centro Mondialità Sviluppo Reciproco (CMSR), Comunità Promozione Sviluppo (CPS), Movimento per la Cooperazione Internazionale (MOCI) e Organismo Sardo di Volontariato Internazionale Cristiano (OSVIC).
Il regolamento completo è in allegato a questo comunicato

Info

Comunità Volontari per il Mondo

Piazza Santa Maria 4 – 60121 Ancona

Tel/Fax 071 202074

Email cvm@cvm.an.it

Web http://www.cvm.an.it

Ufficio Stampa Dario Ciferri

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Mostre – Vernissage

Palermo, 28\06\2009 – h 18,30 – palazzo Tarallo – via delle pergole,74

“Ventodarte a Ballarò” ­- Personale di Kino Mistral

Info: Artem galleria – 091\346945- 3472446638 info@artemgalleria.it

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VENTODARTE, KINO MISTRAL

28 giugno – 18 luglio – palazzo Tarallo – PALERMO

Domenica 28 giugno 2009 alle ore 18,30 verrà inaugurata presso le sale di palazzo Tarallo a Ballarò “Ventodarte”, la mostra personale di Kino Mistral, artista milanese che esporrà così nella sua città d’elezione . L’esposizione sarà visitabile dal 28 giugno al 18 luglio.

Il 28 giugno alle ore 18,30 si terrà un vernissage durante il quale sarà offerto agli ospiti dai partners dell’evento una litografia 30×20 dell’Artista, una borsa in tela di Pandolfo con il rinfresco di Pizzo&Pizzo e con i vini Tenuta Mariano, etichetta vinicola siciliana vicina all’Arte e alla cultura. Durante l’evento verrà inoltre distribuita una copia omaggio del volume di Andrea Camilleri “Maruzza Musumeci” edito da Sellerio, la storia di un giovane e ricco pittore, alla ricerca di un amore autentico.

Ventodarte vuole rivivere l’intera esperienza artistica di Kino Mistral in un percorso scandito da quaranta dipinti che delineano lo stile acquisito dal maestro negli anni vissuti lontano da Milano. Nelle opere sono rintracciabili le influenze della Pop Art e quelle dell’ Espressionismo Astratto, frutto del soggiorno a New York e dell’incontro con Andy Warhol e Robert Rauschenberg, il tutto filtrato dal profondo amore per i costumi e i vividi colori siciliani della “sua” Palermo e dalla sua attività di architetto. Queste ultime due esperienze spiegano perfettamente, come afferma il critico Aurelio Pes, l’attrazione per le «fluorescenze artificiali e intense» l’attribuzione di un «risalto talora metallico e fortemente incisivo ai tratti umani, agli oggetti, ai paesaggi urbani, alle dure torsioni delle strutture meccaniche ed architettoniche».

Al vernissage sarà presentata la rivista Zero91, nuovo mensile Siciliano.

Partner fondamentale della galleria Artem di Palermo per la promozione di Kino Mistral è Pietro Barbaro Group, da sempre vicino all’attività del pittore.

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Comunicato Stampa

Mostra:  Primaverile A.R.G.A.M. 2009 -   Shozo Shimamoto, Giusy Lauriola, Pino Settanni  e collettiva.

Inaugurazione: 20 Maggio 2009, h19,00

Durata: Dal 20 Maggio al 20 Giugno 2009

Orario: 10.30-13;   15,30-19,30

Luogo: Galleria Hofficina d’Arte ,via del Vantaggio 3- 00186 Roma

Info e contatti: tel.06 32. 36. 208 – 329. 19 51 597 ; mail: hofficinadarte@tiscali.it

Musiche: Riccardo Censi, ‘Ric Halley’, con tastiere e sintetizzatori per l’occasione in galleria al fine di unire l’espressione artistica pittorica e fotografica alle note del panorama musicale contemporaneo.

In occasione della diciassettesima edizione della PRIMAVERILE di  A.R.G.A.M.-Associazione Romana Gallerie d’Arte Moderna- la galleria d’arte moderna e contemporanea Hofficina d’Arte ha il piacere di presentare nel contesto della manifestazione Le Vernici A.R.G.A.M. una mostra collettiva sul tema ‘Arti visive e musica’. L’evento avrà inizio col vernissage previsto nella galleria per il 20 Maggio ove dalle 19,00  in poi si terrà la serata inaugurale della manifestazione.

Artisti principali che esporranno in questa occasione saranno Shozo Shimamoto, Giusy Lauriola e Pino Settanni,  insieme ad altri artisti emergenti di grande talento provenienti dal panorama artistico contemporaneo romano.

Nel 1955 in Giappone, nella piccola città di Ashiya, Shozo Shimamoto inizia la sua avventura con un lavoro creativo realizzato in pubblico, un giardino dove lui e altri artisti realizzano opere, frutto di un’attività performativa nella quale il ‘fare l’opera’ è sincrono a ‘contemplare’ il pubblico. Con tutte le interferenze di un evento ‘in diretta’. Questo è possibile, in quanto il linguaggio dell’arte possiede un potere di condensazione fuori dalle regole della comunicazione codificata, un tasso di asocialità che permette accostamenti inediti che non dipendono da alcuna volontà. Gli artisti del GruppoGutai(Yoshihara,Kanayama,Motonaga,Murakami,Shiraga,Sumi, Tanaka,Yamasaki,Yoshida) adottano associazioni libere per portare nell’opera, mediante l’automatismo psichico che regge il formarsi dell’immagine, il funzionamento di un pensiero fuori dalla logica tradizionale. Le tecniche adottate vanno dal ‘frottage’ al ‘dripping’, alla decalcomania, alla pittura a fumo, agli oggetti-simbolo e nel caso specifico di Shimamoto il getto di colore prende forma attraverso il ‘bottle crash’: il lancio di bordate di colore contenuto in bottiglie di vetro che vanno ad infrangersi direttamente sulla tela. Co-fondatore nel 1954 del Gruppo Gutai, Shozo Shimamoto(Osaka 1928) teorizza una pittura-azione o happening; le sue performances sconfinano al di fuori degli usuali spazi adibiti all’arte e si rivolgono direttamente al pubblico partecipante. Farsi tirare su da una gru fino a 30 metri, sparare colori direttamente sulla tela, coinvolgere gli spettatori: tutto ciò contribuisce a creare un palcoscenico diverso e inusuale in cui l’arte mette al bando il pennello e si esprime attraverso la pura materia.

Le opere esposte del maestro Shimamoto sono frutto della performance da lui svolta presso la Certosa di Capri nel Maggio 2008.

Pino Settanni

Con l’ironia nitida e garbata che lo ha sempre distinto come fotografo di assoluto rilievo nel panorama artistico internazionale, Pino Settanni propone un’originale sintesi della sterminata galleria di ritratti custodita nel suo archivio. Protagonisti della cultura e dello spettacolo, alcuni celebri, altri dalla notorietà meno diffusa, ma tutti osservati nell’occasione per lo speciale rapporto che li lega al mondo della musica. Così Carlo Verdone, Renzo Arbore, Morricone, Bussotti, …ci sono svelati dall’occhio di Settanni nell’atto di mimare un gesto orchestrale o di studiare una partitura, oppure di …; e le loro pose, ogni volta inattese per la sorprendente unicità, non fanno che concorrere alla percezione di un’armonia analoga a quella evocata dai suoni di un concerto

Pino Settanni    Milla Jovovic 1991  Fotografia  35×50

Giusy Lauriola vive e lavora a Roma. Nel corso del suo percorso artistico ha indagato questioni pubbliche come la guerra in Iraq -in maniera privata- sottolineando temo come l’indifferenza al dolore altrui, i bisogni indotti e il potere della pubblicità. Come strumento di lavoro sceglie la fotografia digitale rielaborata al computer, successivamente contaminata dalla pittura. Quasi per allontanare il dolore raccontato, dopo il suo lavoro sulla guerra, sposta l’attenzione sulla sua città- Roma – che interpreta attraverso visioni oniriche. Il progetto successivo è la ricerca del divino nel quotidiano: la lotta tra Illuminazione e Oscurità. Al ritorno da un viaggio in Burkina Faso nasce una visione frammentaria, simile ad un flash, che sintetizza souvenir di viaggio, momenti del presente e ricordi inaspettati. Il suo sguardo, nel frattempo, è profondamente cambiato. E’ attratto dall’essenziale. Questo suo nuovo discorso in fieri coincide con il ritorno alla tecnica tradizionale della pittura, alla chimica dell’impasto, che appartengono al suo passato. La tecnica pittorica viene arricchita da colate di resina e i nuovi lavori raccontano di ciò che l’artista stessa “vede e sente”camminando per la città.

In occasione della mostra del 20 Maggio, Giusy Lauriola esporrà tra le altre opere un lavoro legato alla tematica ‘Luoghi, strumenti e colori della musica’ secondo una visione ‘metafisica’ della musica e attraverso l’elaborazione artistica della figura dello strumento musicale avente come sfondo pittorico degli scorci della città di Napoli.

Giusy Lauriola, Musica Metafisica, 2009, tecnica mista(olio e resina) cm60x60.

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in collaborazione con

ADP – ASPeM – CELIM Milano – CISV – CMSR – CPS – MOCI -OSVIC -

Volontari nel Mondo FOCSIV

promuove

Concorso Nazionale

di video art rivolto ad artisti under 30

CONTRO L’AIDS… TAGLIA CORTO!

La Comunità Volontari per il Mondo (CVM) promuove il Concorso Nazionale di video art Contro l’AIDS… taglia corto! La manifestazione è organizzata in collaborazione con Amici dei Popoli (ADP), Associazione Solidarietà Paesi Emergenti (ASPeM), Centro Laici Italiani per le Missioni (CeLIM Milano), Comunità Impegno Servizio Volontariato (CISV), Centro Mondialità Sviluppo Reciproco (CMSR), Comunità Promozione Sviluppo (CPS), Movimento per la Cooperazione Internazionale (MOCI) e Organismo Sardo di Volontariato Internazionale Cristiano (OSVIC).

Il concorso si rivolge a giovani artisti (o gruppi) tra i 18 e 30 anni che hanno fatto del video il proprio strumento di espressione privilegiato

Le opere dovranno essere spedite in busta chiusa a CVM entro il 30 giugno rigorosamente in formato DVD.

Il Concorso nasce con l’intento di far riflettere i giovani sull’HIV e sull’AIDS e sulle conseguenze gravissime che hanno nei paesi del Sud del Mondo, problemi che non devono essere trascurati da parte di noi abitanti del nord del mondo

Lo scopo è rendere i ragazzi protagonisti della lotta globale contro la malattia, attraverso la realizzazione dei video, privilegiando temi quali:

la diffusione dell’HIV/AIDS nelle diverse regioni del mondo,
le cause (povertà, sottosviluppo) che rendono l’HIV/AIDS una questione sociale,
l’educazione sanitaria,
la prevenzione e l’accesso universale alle cure soprattutto per i giovani,
accesso all’informazione come strumento di conoscenza e prevenzione alla malattia,
l’adozione di stili di vita consapevoli per ridurre i rischi di contagio.

Il concorso è una delle attività di “Per un futuro senza AIDS”, un progetto che è frutto di un’aggregazione della Federazione Volontari nel Mondo FOCSIV e che si realizza con il contributo del Ministero Affari Esteri DGCS, ufficio VII e il Patrocinio del Ministero dell’Istruzione dell’Università e Ricerca – Ufficio Scolastico Regionale per le Marche Direzione Generale.

Tale progetto impegna nove organismi di cooperazione internazionale in azioni di sensibilizzazione e d’informazione rivolte ai giovani, ai formatori e alla società civile in genere sul tema del diritto alla salute per tutti gli uomini del mondo. Individua perciò nell’HIV/AIDS una delle cause che impediscono il raggiungimento degli Obiettivi di Sviluppo del Millennio ossia il dimezzamento della povertà nel mondo.

Obiettivo dell’iniziativa è permettere a giovani e adulti di conoscere le reali dimensioni dell’AIDS, abbattere i pregiudizi legati alla malattia ancora presenti nella nostra società e in particolare verso le culture africane e stimolare nei giovani una presa di coscienza che li spinga a valorizzare la salute e la vita come beni assoluti.

Il regolamento completo è in allegato a questo comunicato

Info

Comunità Volontari per il Mondo

Piazza Santa Maria 4 – 60121 Ancona

Tel/Fax 071 202074

Email cvm@cvm.an.it

Web http://www.cvm.an.it

Ufficio Stampa Dario Ciferri

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Vernissage venerdì 3 aprile 2009 alle ore 18.30

Visitabile fino all’8 maggio 2009

Laboratorio Fotografico Corsetti

Via dei Piceni 5/7

00185 Roma

Il sacrificio restituisce al mondo sacro ciò che l’uso servile ha degradato.
(Georges Bataille)

In assenza è frutto di una lunga ricerca antropologica e architettonica. Il lavoro di Alessandro Lanzetta si sviluppa dall’osservazione del paesaggio urbano e del suo rapporto con le persone, i suoi abitanti, attraverso i quali la vera natura dei luoghi viene svelata e realizzata. L’autore, fotografo e architetto, si è mosso alla ricerca di tracce antropiche nel territorio metropolitano e si è soffermato proprio dove l’umano è assente. È l’assenza, infatti, che consente al rimosso di tornare alla luce, come durante una seduta di psicoanalisi.

Come sottolineava Bataille, ogni cosa ha un doppio uso, un uso alto, nobile, idealista, formale e un uso basso, informale e a volte disgustoso. È questa seconda natura che è indispensabile, quella che nelle necessità stringenti ha più peso, che trascina l’altra metà nella sua caduta liberatoria. Questa degradazione è come il sacrificio, che attraverso una alterazione allucinata della realtà conduce cruentamente al suo opposto: il Sacro.

La mostra è composta di undici immagini b/n e di una immagine a colori.

Alessandro Lanzetta, architetto e fotografo, nasce a Roma nel 1970. È docente in Progettazione architettonica e Progettazione del Paesaggio presso la facoltà di Architettura “Ludovico Quaroni” dell’Università La Sapienza di Roma. È redattore delle riviste Gomorra-Territori e culture della metropoli contemporanea e del magazine digitale Archphoto. Dal 2004 fa parte dell’associazione culturale Plug-in. Ha svolto attività di collaborazione con vari studi professionali e gruppi di ricerca tra cui Stalker, Altro_studio, Massimo Ilardi. È stato membro del Mo’ studio di Roma con il quale ha allestito la mostra “La grande ét@gère” a cura di Yves Nacher e Gaelle Lissillour alla Biennale dei Giovani Artisti dell’Europa e del Mediterraneo 1998-1999, e attualmente fa parte dello studio AAvv creative engineering con il quale svolge attività di progettazione architettonica. Come fotografo lavora sul paesaggio e sull’architettura. Sue fotografie sono state pubblicate su riviste di architettura e pubblicazioni inerenti il tema della metropoli. Tra le sue mostre, la personale Litorali Opachi alla Galleria Studio Lipoli & Lopez e le collettive Residential Area in Kivelänränta, Jyväskylä presso il Museum of Central Finland di Jyväskylä, Finlandia e L’Utopia Praticabile – 6 Ipertesti Metropolitani al Museo Hans Christian Andersen di Roma.

Il Laboratorio Fotografico Corsetti rappresenta la naturale prosecuzione del Laboratorio Fotografico Bassi e Corsetti, fondato nel 1971, che per anni ha rappresentato un punto di riferimento per i professionisti italiani e stranieri. Il laboratorio è anche uno spazio espositivo e polifunzionale dove vecchie e nuove generazioni della fotografia possono incontrarsi e confrontarsi con workshop, mostre e conferenze.

CONTATTI

Laboratorio Fotografico Corsetti
Tel. 06 64503493
info@corsettilab.com
www.corsettilab.com

Orari: lunedì – venerdì 8,30 – 12,30 / 15 – 19

Ingresso libero

Ufficio Stampa
Karin Giacalone
karin.giacalone@libero.it
tel 349 2609643

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Venerdì 20 Marzo 2009 alle ore 20,00 sara inaugurata la Mostra Fotografica Personale di Walter Gaberthuel di Roma dal titolo “Vedute e Visioni” presso la Galleria FIAF – Le Gru (Corso Vitt. Emanuele,214) di Valverde (CT).

La mostra, alla presenza dell’Autore, sarà presentata da Giuseppe Fichera (Presidente del G. F. Le Gru), da Enzo Gabriele Leanza (Consigliere Nazionale FIAF), da Santo Mongioì (Delegato Regionale FIAF) e da Pippo Pappalardo (Critico Fotografico); la stessa sarà possibile visitarla tutti i venerdì e lunedì fino al 6 Aprile 2009 dalle ore 20,00 alle ore 21,30.

Ulteriori informazioni sull’attività del Gruppo su www.fotoclublegru.it

Di seguito il a cura di Pippo Pappalardo (Docente DAC – Critico Fotografico)

Vedute e Visioni

Spesso, la mia insegnante di cinematografia mi sottoponeva alla lettura di un’immagine e m’invitava a leggere tutta la composizione che stava racchiusa nel quadruccio: leggere la storia che vi era raccontata, le persone citate, le cose e le fantasie che stavano lì incorniciate. Infine, come se non bastasse, pretendeva che le rivelassi immediatamente l’impressione ricevuta, d’adesione o di disagio che fosse.

“Come posso fare tutto questo e così rapidamente?” le chiedevo

E lei “Ce li hai questi benedetti occhi? Ed allora segui tutto ciò che trovi finché non vedrai e sentirai, misteriosamente e da qualche parte, la presenza di qualcuno o qualcosa che viene incontro al tuo sguardo”.

Negli anni non sempre ho rispettato questa regola, anzi, assai spesso l’ho ignorata.

Troppe volte mi sono rifugiato nel giudizio accademico, nell’intuito; però lei, la regola, torna a volte inaspettatamente e m’invita in girotondi visivi, facendo danzare i miei occhi fino a quando anche le orecchie avvertono le note della danza.

Così accade con le immagini di Walter, da me conosciuto tanti anni fa in quel santuario della fotografia che è il paesino di Scanno, in Abruzzo (e rivisto in Acireale, sempre appassionato e, posso dirlo, sempre più italiano e sempre meno svizzero).

Provate anche voi. Prendete la fotografia di un paesaggio, uno dei tanti che Walter reinventa dopo averli trovati con cura e ripresi con affetto.

Cominciate ad annotare come dispone sui vari piani gli elementi della composizione, quasi una sorta di squadratura del fotogramma e predisposizione geometrica all’ordine.

Annotate poi con quanta parsimonia (ma altrettanta raffinata disponibilità) utilizza i grigi, gestendoli ed orchestrandoli per la visione finale.

Seguite, ancora, la costruzione di questa visione raccogliendone le sfumature perché proprio lì, sulla linea invisibile del confine cromatico, ha piazzato la nota emotiva.

Infine, se avete esaurito la ricognizione degli elementi compositivi, accingetevi a rintracciare quelli espressivi (meglio se lo fate contemporaneamente) e, quindi, ripercorrete il senso della sua proposta che vi risulterà assai lontana dalla documentazione e, piuttosto, assai propensa a nascondersi dietro un registro stilistico (insistente l’uso dell’infrarosso) oppure dietro il volto della natura o del tempo.

Se avrete fatto questo viaggio nell’attimo di Gaberthuel, sarete entrati silenziosamente e senza fatica tra le “vedute e le visioni” del nostro amico e sarete in contatto con quel qualcosa o qualcuno che vi viene incontro, e di cui cennavamo sopra. E sarà, di volta in volta un’idea artistica, un simbolo, un contrasto, un’illuminazione, una rivelazione, una preghiera, un sentiero, una storia, un fantasma, una magia, un’attesa, una stazione, una stagione e “la presente, e viva, e il suon di lei”. Si, come in Leopardi, tra questi quadrucci, sarà dolce naufragare.

In quest’attitudine e capacità di trasformare la veduta in visione, e, quindi da un dato materiale far fiorire un elemento poetico, certamente spirituale, sta il sentimento visivo del Nostro.

Il suo risultato fotografico, come in certe pitture giapponesi, non si presta alla ricognizione di quell’albero, di quella nuvola, di quel profilo collinare o di quel silenzio. Ogni fotografia di Walter vuole, di queste cose, restituirci l’atmosfera e, quindi, raggiungere l’idea dell’albero, della nuvola, del sentiero.

Si obbietterà che l’uomo e la donna non vivono solo nell’atmosfera e nell’idea delle cose quanto, e piuttosto, nella storia che è fatta di vicende ed accadimenti.

Ed allora, dico io, vi siete persi qualcosa. Tornate a guardare e vi accorgerete che il campo è coltivato, l’ulivo curato, la vigna pulita, il frumento maturo, il fieno raccolto. L’uomo, con i suoi giorni, c’è e ci sta tutto. Ci sono i suoi lavori, il frutto della sua fatica, ci sono perfino i suoi simboli, ma……. bè, avete ragione anche voi, perchè le case sembrano vuote, fantasmatiche, nessun filo di fumo, troppo silenzio.

Ed allora, consentitemelo, io ritorno alla regoletta e divento più attento, e aspetto finché qualcosa non viene in soccorso. Forse è l’anelito di una domanda quello che mi giunge, una provocazione, un invito a capire di più?

Non so per voi, ma per me sta tutto qui la bellezza della fotografia: domandare e rispondere, cercare e trovare nella realtà immagini esplicative dei nostri bisogni.

Esaurito l’esame del referente, quindi, in questa mostra abbiamo avuto bisogno di altro ancora per avere ragione dei risultati fotografici del nostro svizzerotto: abbiamo dovuto ricorrere a domande del tipo “perché fai questo”, oppure “che senso ha questa fotografia”. Ed abbiamo dovuto convenire che abbandonando la veduta materiale ci si è rivelata la visione.

Concludiamo con una domanda: forse perchè l’infrarosso intercetta il calore delle cose è così tanto amato dall’amico Walter?

Ma, se la poniamo in metafora, non è il calore ciò che cerchiamo?

Pippo Pappalardo

***

Note biografiche dell’Autore:

WALTER GABERTHUEL, EFIAP, PPSA

Nato in Svizzera nel 1948 ha incontrato casualmente la fotografia, dopo essere stato negli anni giovanili un atleta di buon livello. Proprio durante i suoi viaggi in Italia, dove ha conosciuto la moglie, la fotografia si è cristallizzata come la sua nuova profonda passione. Da quindici anni l’Italia è diventata anche la sua seconda patria a seguito del trasferimento con la famiglia a Roma.

Dal 1980 partecipa con successo a Saloni Nazionali ed Internazionali, dove ha conquistato numerose medaglie (p.e. a Hong Kong, Stati Uniti, Canada, Inghilterra, Singapore, Andorra, Spagna, Romania, Austria ecc.) oltre ad attestati, diplomi, onorificenze e può vantare più di 1500 foto ammesse in tutto il mondo. Per le sue opere, la Federazione Int. d’Arte fotografica (FIAP) gli ha conferito i titoli di “Artiste FIAP” nel 1986 e “Excellence FIAP” nel 1990. Nel 2000 ha conseguito con l’Italia la Coppa del mondo in bianconero alla Biennale FIAP, e nel 2001 ha ripetuto il successo sia con la Nazionale, sia come miglior autore assoluto nella categoria foto a colori. La PSA (Photographic Society of America) lo ha insignito nel 2005 del titolo “PPSA” (Proficiency) e nel 2007 di quello di “Photo-Journalist I”. Dal 1990 ha partecipato con grande successo di pubblico e critica a mostre personali e collettive:

1990 Berna (Svi)

1991 Pergola (PS), Thun (Svi), Castelleone di Suasa (PS), Kehrsatz (Svi)

1996 Albano Laziale, Gubbio, Chieti, Berna (Svi)

1997 Roma, Gubbio, Sulmona, Val Concei (TN), Pakistan

1998 Chieti, Thun (Svi), Catania, Imperia, Senigallia, Rovereto, Albano Laziale

1999 Catania (Grammichele), Città S. Angelo, Cava dei Tirreni, Calenzano

2000 Munsingen (Svi)

2001 Zagreb, Lucca, Pergola

2002 Brescia, Serra S. Quirico, Sassoferrato, Tubice (B)

2003 Offringen (CH), leper (B), Sassoferrato

2004 Goirle (NL), Latina, Limours (F)

2005 Iraclio (GR), Atene (GR), Mezzolago, Bezzecca

2006 Amsterdam (NL), La Gacilly (F), Tilburg (NL), Pisa

2007 Mouscron (B), Valverde, Lucca

2008 Munsingen (CH), Monterolo, Jinan (Cina)

Walter Gaberthuel è autodidatta. Ama approfondire per migliorare le possibilità tecniche ed espressive delle proprie opere. Con questo spirito ha partecipato ad alcuni Workshops (con i maestri Mario de Biasi, Rene Burri, Ferdinando Scianna, Frank Dituri, Lynn Saville, Jill Hartley ecc.).

L’artista, in primis, è attratto dai paesaggi, particolarmente in infrarosso, e dallo sport. Molte sue opere sono state pubblicate in Svizzera, Germania e Italia in riviste, settimanali, giornali, manuali fotografici.

Nel 2001 è stato pubblicato il suo primo volume di fotografie in bianco e nero del titolo “Vedute e Visioni” in italiano e inglese con poesie di Timur Lenk.

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I Saharawi
Sarà a tutti gli effetti un viaggio attraverso il quale cercheremo di conoscere e raccontare la difficile realtà in cui sono costretti i Saharawi. L’odissea di questo popolo inizia nel 1975, quando il Marocco, nonostante il parere contrario delle Nazioni Unite e della Corte Internazionale di Giustizia, invade il Sahara Occidentale ex spagnolo. I primi campi profughi, ancora in territorio Sahariano, vengono bombardati con napalm e fosforo bianco, nell’indifferenza quasi totale dei governi e dell’opinione pubblica internazionale, come da miglior tradizione dei conflitti africani. Questo spinge la popolazione saharawi a chiedere ospitalità all’Algeria, e solo sotto la sua ala protettrice comincia a riorganizzarsi. Vengono costruiti i campi profughi dove tuttora vivono più di 300000 persone nonostante le terribili condizioni ambientali. I prodotti che i Saharawi ne ricavano sono appena sufficienti ad integrare l’alimentazione dei bambini e degli anziani, ma la sopravvivenza di questo popolo è strettamente legata all’invio di aiuti umanitari da parte delle nazioni europee. Le scuole e gli ospedali costruiti in pieno deserto Algerino testimoniano la determinazione e la voglia di vivere dei saharawi ed allo stesso tempo garantiscono un livello di istruzione che stupisce se si considerano le enormi difficoltà logistiche ed economiche con cui questo popolo deve quotidianamente misurarsi.

Programma e costo
Il corso prevede la permanenza nei campi profughi della Wilaya di El Ayoun. Gli studenti saranno ospiti presso le famiglie saharawi, in modo da conoscere da vicino le condizioni e le tradizioni di questo popolo. Il primo giorno, dopo la sistemazione e le presentazioni, verranno visionati i portfoli dei vari studenti e successivamente illustrate le tecniche e i consigli utili per introdurci nel mondo della fotografia sociale. Ogni giorno si andrà in giro per i campi profughi, tuffandosi in pieno deserto, nella quotidianità di questo splendido popolo; entreremo nelle loro tende, ascolteremo le loro storie, assaporeremo l’aroma dei loro buonissimi thè pronti ad imprimere su sali sensibili le nostre/loro emozioni. Dedicheremo poi le serate all’editing del lavoro svolto, discutendo e confrontando le varie fotografie. Da qui selezioneremo insieme le immagini che diventeranno alla fine il frutto del nostro viaggio. Ogni studente, comunque, alla fine del corso dovrà raccontare con un gruppo d’immagini la sua personale esperienza. Sarà inoltre realizzata una presentazione video con i migliori scatti dei partecipanti. Al rientro in Italia, i migliori scatti saranno utilizzati per comporre una mostra fotografica che sarà promossa all’interno del circuito Arci.

Progetto “Deserto Rosa”
Una parte della quota sarà utilizzata per la realizzazione del progetto “Deserto Rosa”, che prevede la creazione di un laboratorio di fotografia digitale che sarà donato alla Scuola Olof Palme della Wilaya di El Ayoun. Il fotografo Giulio Di Meo terrà inoltre, un Corso di fotografia digitale per le donne e le ragazze saharawi. Le attrezzature indispensabili per la realizzazione del laboratorio di fotografia digitale sono: un computer portatile, 2 macchine fotografiche digitali, una stampante a sublimazione, carta e ricambi di cartucce.

Periodo: 4-11 Aprile 2009

Info: www.attivarci.it www.giuliodimeo.it

campidilavoro@arci.it info@giuliodimeo.it

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Paolo Novelli

“L’essenziale (1997-2007)”

Presentazione a cura di Melania Gazzotti

Modena, Galleria MOdenArte

8 marzo – 9 maggio 2009

Inaugurazione: sabato 7 marzo alle ore 18,00

La Galleria MOdenArte inaugura il nuovo anno nel nome della fotografia. E dal 7 marzo, nei suoi locali di Modena, presenta la mostra del giovane fotografo Paolo Novelli L’essenziale (1997 – 2007): quarantotto opere in b/n, una selezione della sua produzione degli ultimi 10 anni, suddivisa in quattro sezioni con opere appartenenti ad altrettanti progetti sin qui pubblicati dall’autore.

Oltre ai primi lavori dei progetti Persona e Niente più del necessario, la mostra modenese propone immagini tratte dalla Trilogia della decadenza: una personale ricerca legata metaforicamente all’uomo contemporaneo, stigmatizzato in tre dei suoi aspetti, ognuno diventato tema di un ciclo: la fragilità, la solitudine interiore e l’essere nascosto. La trilogia, iniziata nel 2002 con Vita brevis, Ars Longa, prosegue nel 2004/2006 con Grigio notte e termina nel 2007 con un ciclo di opere ancora inedito.

L’esposizione, a cura di Melania Gazzotti, evidenzia in particolare l’ampiezza qualitativa e la natura eclettica del percorso artistico dell’autore: ogni progetto si concentra, infatti, su un ambito differente della fotografia. Si passa dalla sarcastica ed ambigua fotografia di strada in presa diretta di Persona, alle immagini razionali di interni di Niente più del necessario ed ancora, dagli eloquenti ed intensi ritratti di sculture funerarie di Vita brevis, Ars Longa alle enigmatiche vedute notturne della nebbia padana di Grigio notte.

Le immagini di Novelli, da sempre realizzate con mezzo analogico e accuratamente stampate a mano, sono caratterizzate da una singolare ricerca estetica, frutto dell’incontro tra essenzialità, sintesi, minimalismo ed evocazione poetica.

Nel corso di questi dieci anni, Novelli è riuscito a distinguersi nel panorama giovanile italiano, attraverso un’attenta ed impegnativa realizzazione tecnica delle immagini, finalizzata ad ottenere inusuali risultati estetici, lontani dalla comune documentazione fotografica, ma al contrario legati alla volontà d’imporre una fotografia soggettiva e intimista, guidata unicamente dal personale punto di vista del fotografo.

Novelli ha saputo proporre singolari ritratti di statue, concentrandosi sullo studio della luce naturale, sul chiaro/scuro e la sfocatura del soggetto; ha intrapreso difficili tentativi di rappresentare la dinamicità della nebbia notturna e la scala dei grigi da essa prodotta; ha abbracciato “il momento decisivo” della fotografia istantanea, rubata al quotidiano, senza fare del reportage; si è soffermato infine sulla riduzione del contenuto dell’immagine, per ottenere una fotografia statica e minimalista, dalla “lettura aperta” ed emblematica (serie Never beyond – 2006).

La galleria Modenarte, oltre a confermare il proprio vivo interesse per la fotografia contemporanea, dopo le mostre personali tematiche di Novelli nella sua sede di Iseo, è lieta oggi di presentare in modo più esteso ed articolato questo giovane e promettente autore; un autore che, all’interno della classicità della fotografia in b/n, è riuscito a ritagliarsi un interessante ed apprezzato campo d’azione.

Paolo Novelli

Paolo Novelli, nato nel 1976, ha pubblicato ad oggi quattro monografie, presentate tra gli altri da Lanfranco Colombo (pionere della fotografia d’arte in Europa con la celebre galleria “Il Diaframma” di Milano) e da Melania Gazzotti (curatrice indipendente e collaboratrice del Museo MART di Rovereto e della Fondazione Berardelli di Poesia Visiva di Brescia); nel 1999 inoltre è invitato da Fabrica (agenzia di giovani creativi di Benetton, allora diretta da Oliviero Toscani) ad periodo di collaborazione per il progetto “Prayer”.

Diverse le mostre personali: tra le altre, le importanti esposizioni a Palazzo d’Accursio di Bologna (2006), a Palazzo Comunale di Cremona (2005), alla Rocca di San Giorgio di Orzinuovi (2006), oltre alle mostre collettive in spazi pubblici e privati, tra cui le più recenti “Prima Rassegna d’Arti Visive” di Orzinuovi (2008) e “DIECI per CENTO – Dieci artisti contemporanei a Cento” (2008).

Paolo Novelli

L’essenziale 1997 – 2007

7 marzo – 9 maggio 2009

Modena, Galleria MOdenArte, via Toscanini 26

Orario: dal lunedì al venerdì dalle 9 alle 17.30, il sabato dalle 11 alle 18.30, la domenica e i festivi chiusa. Ingresso gratuito

Per informazioni: tel. 059/367470; e-mail infoita@modenarte.com

Ufficio Stampa mostra

Davis & Franceschini – Lea Codognato, Caterina Briganti

Tel. 055/2347273 – Fax 055/2347361

e-mail davis.franceschini@dada.it ; www.davisefranceschini.it

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Tra le poche presenze italiche nel contesto francese, proporrà 3 mostre alle quali Claudio Argentiero e Umberto Armiraglio stanno lavorando da tempo, predisponendo una serie di proposte capaci di evidenziare i propositi dell’AFI e di valorizzare gli autori inseriti nella collezione.

Tutte le immagini sono stampate con materiali professionali EPSON fine-art, e confluiranno nella collezione AFI. EPSON Italia è sponsor tecnologico di tutte le iniziative organizzate dall’Archivio Fotografico Italiano.

La mostra dal titolo: Immagini da una collezione d’Autore, è il frutto di una accurata selezione di lavori, di eccellente livello qualitativo, facenti parte dell’archivio AFI. I fotografi scelti per l’importante appuntamento, provengono da significative esperienze professionali. Questi i fotografi noti e affermati, che rappresenteranno indiscutibilmente la fotografia italiana, con l’aggiunta di una serie di immagini storiche.

Francesco Cito, tra i più prestigiosi fotoreporter italiani, già premiato al World Press Photo, ha pubblicato ampi servizi sulle più importanti testate a livello internazionale. Nato a Napoli nel 1949, Francesco Cito è arrivato relativamente tardi alla fotografia, iniziando a fotografare professionalmente dal 1975. Un interesse però venuto da lontano, da quando – ragazzo – sfogliava Epoca e si appassionava alle avventure di Walter Bonatti. Erano i tempi d’oro del fotogiornalismo in Italia. Attraverso quelle foto, quelle storie sognava l’avventura. Un fotografo eclettico, come si definisce, testimone degli eventi in molti luoghi caldi, come Afghanistan, Libano, Palestina, Arabia Saudita, Iran, Bosnia, Kossovo. Ha fotografato Napoli, il Palio, la Sardegna, il Trentino, realizzato lavori sulla mafia e sulla camorra, come sulla pesca dei tonni e sui matrimoni. Nel 1995 si è aggiudicato il terzo premio per il reportage del World Press Photo con “Matrimoni napoletani” e nel 1996 il primo premio per il reportage con “Siena, il Palio”. Sue immagini sono apparse su Epoca, Il Venerdì di Repubblica, Panorama, Sette, Corriere della Sera, Specchio della Stampa, Sunday Times Magazine, Observer Magazine, Stern, Bunte, Zeit Magazine, Figaro Magazine, Paris Match, Life.

Gianfranco Moroldo, icona del fotogiornalismo italiano, anch’esso premiato al Word Press Photo (1969), fin dagli anni ’50 si occupa di reportage, iniziando a collaborare con il prestigioso settimanale l’Europeo, in modo continuativo fino al 1993, firmando numerose copertine e interessandosi dei principali conflitti di rilevanza internazionale per oltre 40 anni. Dal 1965 al ’75 è stato più volte in Vietnam, in coppia con Oriana Fallaci, poi in Iran, in Etiopia, in India, Pakistan, Libano, Giordania, Eritrea, documentando le più recenti guerre in Jugoslavia e Somalia. In Italia, tra l’altro, ha seguito i terremoti in Sicila e in Friuli, e l’alluvione di Firenze.

Si spegne nel 2001, lasciando un vastissimo patrimonio di immagini, oggetto di studio e rivalutazione.

Nino Leto, dal 1979 ad oggi ha viaggiato fotografando i fronti di guerra piu’ caldi. Ha collaborato con l’agenzia Farabola; fino all’84 ha lavorato per la Rizzoli editore, poi Epoca e Famiglia Cristiana. In Iran ha seguito la rivoluzione e la presa del potere di Khomeini, unico fotografo italiano nel paese. Ha fotografato il conflitto libanese, la guerra in Salvador, gli scontri in Nicaragua. In Africa ha viaggiato per tutti gli stati e in particolar modo ha fotografato la presa di Kinshasa in Congo, e ancora la tragedia del Ruanda. Ha seguito per dieci anni i conflitti nei Balcani dove ha seguito l’evolversi degli scontri e lo sfaldarsi della Jugoslavia. In questi ultimi anni e’ stato diverse volte in Irak dove ha fotografato i bambini, gli uomini e le donne prima stremati dall’embargo e poi dalla guerra, firmando con le sue immagini copertine e servizi su importanti testate del settore.

Virgilio Carnisio, raffinato fotografo milanese, ha pubblicato 24 libri di successo, presentati da alcuni tra i più autorevoli critici, scrittori e giornalisti. E’ nello stesso tempo testimone e interprete della nostra epoca, e memoria storica di una città, Milano, dai molti volti, che le sue immagini propongono in chiave poetica con reminiscenza, in un bianco e nero intenso e vigoroso. Autore capace di porre sullo stesso piano professione e passione, rivolgendo il suo interesse al classico reportage in b/n, collabora attivamente con giornali e riviste. Sue immagini fanno parte di importanti collezioni.

Duccio Nacci, stimato fotografo toscano, interprete poetico della sua terra, ha ricevuto importanti riconoscimenti. Pubblicato su riviste e volumi fotografici, è autore di due libri di successo sulla Toscana. Si è specializzato nella fotografia di paesaggio, architettura e arte. E’ titolare di un Atelier fotografico in San Gimignano, dove propone le sue opere in vendita. La sua continua ricerca, lo porta a sperimentare nuove possibilità espressive, con uno stile sempre più riconoscibile, apprezzabile, consapevole e maturo.

Isabel Lima, fotografa brasiliana, ma italiana d’adozione, è specializzata nella fotografia di ritratto. Si afferma nel panorama italiano per diverse ricerche tradotte in mostre, pubblicazioni e installazioni, ognuna delle quali espressione di un percorso visivo di indubbio interesse artsitico, inteso come progressiva evoluzione dei progetti personali. Sue immagini sono state pubblicate ampiamente su riviste e libri, e fanno parte di rilevanti raccolte d’arte.

Ritratti di fine ‘800, realizzati presso un importante atelier del noto fotografo Menotti-Paracchi di Busto Arsizio (VA). Una importante quantità di lastre di vetro, che l’AFI sta rivalutando e catalogando, con tecnologie EPSON, creando un rilevante archivio della memoria. Le immagini scelte tengono conto della qualità e della rappresentatività scenografica architettata dall’autore, grazie alla quale è possibile apprezzare le diverse tipologie sociali dei soggetti, e il costume dell’epoca, offrendo una opportunità culturale e di conoscenza dentro la storia della fotografia.

L’esposizione si terrà presso la Salle du Club des Jumelages d’Arles in Place de la Rèpublique

La seconda mostra, dal titolo: Genti di terre d’acqua – Volti della civiltà contadina, di Claudio Argentiero e Umberto Armiraglio, della quale verrà stampato un corposo libro, è il frutto di una collaborazione con l’Assessorato all’Ecomuseo delle Terre d’Acqua della Provincia di Vercelli, che pubblicherà il volume in occasione di un importante manifestazione nel prossimo mese di settembre a Vercelli. Un lavoro inedito, suddiviso in due capitoli: Argentiero ha fotografato famiglie di agricoltori che si tramandano di generazione in generazione l’attività agricola. Un album di ritratti che formano un mosaico rappresentativo della cultura, della fertile operatività e della fisionomia del territorio piemontese. Armiraglio ha rivolto la sua ricerca alle mondine di un tempo, con un duplice intento: quello di mostrare la singola persona nella sua individualità specifica, e quella di proporre una metodica esposizione di figure che testimoniano un’epoca. Entrambi gli autori propongono attraverso i “volti delle genti delle terre d’acqua”, una riflessione sulla realtà sociale e lavorativa di un territorio dalla forte connotazione agricola, che conserva tradizioni, genuinità e culture, perse altrove.

La terza mostra, di Claudio Argentiero e Fiorenzo Pellegatta, dal titolo: Fete de Gardians – 20^ Reine d’Arles 2008, è composta da una selezione di immagini scattate il 1° maggio 2008 nella cittadina francese, in occasione della Elezione della 20^ Regina d’Arles. Una manifestazione particolarmente sentita in tutto il territorio, alla quale partecipa di un folto pubblico, proveniente dall’intera regione, e di un numero rilevante di donne in costume provenzale e dei Gardians a cavallo. Le immagini, volutamente in b/n, propongono attraverso dettagli e ritratti ambientati, una interpretazione dell’evento, con particolare attenzione agli sguardi, ai costumi e ai dettagli delle “regine”, lasciando scorgere angoli e architetture di Arles.

Le esposizioni si terranno presso la Mairie d’Arles (Municipio) in Place de la Rèpublique

Per informazioni:

Claudio Argentiero T. 347-5902640 / e-mail: argentfoto@libero..it

www.archiviofotografico.org

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Nova Milanese (MI), Villa Vertua, via Garibaldi, 1

12 – 25 maggio 2008

orari: sabato 15–18, domenica 10-12/15-18

ingresso libero

Inaugurazione domenica 11 maggio 2008 ore 17.00

Il mondo dell’arte rivolge ora grande attenzione ai “nuovi linguaggi”. Talvolta la vivacità della comunicazione conduce all’enfasi, talora, anche se raramente, davvero si incontrano proposte e tematiche che, mediante autenticità espressiva e tecnica, indicano prospettiva, futuro e continuità.

È il caso di questa mostra, imperniata su lavori recenti, frutto di una ricerca elaborata da due anni, attenta a coniugare i contenuti con la forma e capace di esprimere esteriormente il fondamento di pensiero. Il mondo e il linguaggio di internet. La rete. La connessione oltre la distanza, la possibilità di comunicazione oltre il pericolo della solitudine.  La traccia del dialogo non più nello sguardo dell’interlocutore ma nel tessuto informatico che sottostà ad ogni nostro colloquio elettronico. La pittura, nel gesto, nel segno istintivo e imperioso di Grazia Ribaudo, disegnatrice in punta di matita come repentino ma ritmico passo di danza, interviene sulla tela che accoglie già, nell’estensione unanime di colore, l’intreccio della rete.

Si sovrappone poi, come iscrizione nel tempo, come epigrafe di sacralità, una componente del messaggio affidato a internet: ma non è l’anima del nostro colloquio, è quella parte, ignota come l’inconscio, che nella tecnologia del viaggio informatico supporta la parola. È un quadro del nostro tempo, del linguaggio odierno, del connubio tra anima e mondo, senso della parola e rigore della comunicazione. Patrocinio del Comune di Nova Milanese.

Prefazione in catalogo del Sindaco e Assessore alla Cultura di Nova Milanese

Laura Barzaghi.

Curatela di Claudio Rizzi.

Pubblicazione edita Silvia Editrice.

Ulteriori informazioni:

Ufficio Stampa Grazia Ribaudo

tel. 0362/593888 fax: 0362/571270

web: www.graziaribaudo.it

e-mail: info@graziaribaudo.it – press@graziaribaudo.it

http://www.graziaribaudo.it/esposizioni/villavertua_2008_invito.pdf

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Il più conosciuto autoritratto di Edward Sheriff Curtis

Edward Sheriff Curtis (Whitewater, 16 febbraio 1868 – Los Angeles, 19 ottobre 1952) è stato un esploratore, etnologo e fotografo statunitense. Ha legato il suo nome allo studio dell’epopea del West e dei nativi americani, popolo del quale è stato un profondo conoscitore.

Figlio del reverendo Johnson Asahel Curtis (1840-1887), veterano della guerra di secessione americana, e di Ellen Sheriff (1844-1912), Curtis nacque a Whitewater, nello stato del Wisconsin. I suoi genitori erano originari, il padre, dell’Ohio, e la madre della Pennsylvania.

Gli avi della madre provenivano dall’Inghilterra mentre quelli del padre risiedevano in Canada. Ebbe un’infanzia tranquilla, trascorsa in buona parte ad accompagnare lungo i fiumi il padre che raggiungeva in canoa le località nelle quali si recava a predicare.

Mise la sua macchina fotografica al servizio di quello che si rivelerà lo scopo primario della sua esistenza, ovvero fotografare – tanto in senso etimologico quanto filosofico – i volti e le situazioni che segnavano la forzata decadenza dei nativi americani appartenenti alle ottanta tribù ancora esistenti fra la fine dell’Ottocento e gli albori del XX secolo. Avrebbe, alla fine, raggiunto il suo scopo: compilare una sorta di inventario ragionato – e per immagini – del fenomeno che di lì a poco sarebbe di fatto scomparso e che riguardava l’intero popolo dei pellerossa stimato solo un secolo prima, in piena età dei lumi, in oltre un milione di persone, ma che sarebbe sceso – quando l’opera di Curtis vedrà la luce – a meno di quarantamila.

La sua opera-capolavoro – The North American Indian – sarà pubblicata tra il 1907 ed il 1930 in venti volumi e portfolio rilegati a mano in pelle, con copia lettere a torchio: consterà di 1.500 fotografie, frutto della selezione di circa cinquantamila scatti, e 4.000 pagine di testo in cui l’autore profonde il suo senso spirituale ed artistico, prima ancora che di ricercatore, per un popolo destinato ad essere consegnato al mito.

Come un indiano fra gli indiani

Scrissero di lui: [Curtis] è diventato come un indiano. Ha vissuto, ha parlato come un indiano; è stato una sorta di “grande fratello bianco”. Ha passato i migliori anni della sua vita – al pari dei rinnegati di un tempo – fra gli indiani. Ha scoperto vecchie abitudini tribali e resuscitato i costumi fantastici di un tempo ormai passato….

Tale materiale, particolare non trascurabile, costituirà inoltre un caposaldo ed un’opera unica nella storia della fotografia, considerato anche che 2.200 stampe in fotoincisione verranno poi stampate su acqueforti importate. Molte di tali raccolte complete sono tuttora reperibili presso collezionisti d’arte sia in Europa che negli Stati Uniti.

Biografia [modifica]

Sotto il grande cielo,
pellerossa visti con occhi diversi

	« Secondo l’uso degli indiani il mio nome sarebbe quello di “Uomo che non ebbe mai tempo per giocare” »
	(E. S. Curtis, 1951, Memorie non pubblicate)

Edward Sheriff Curtis ebbe una lunga vita che dedicò per buona parte – i ventiquattro anni che vanno dal 1906 al 1930 – alla ricerca delle origini culturali dei nativi americani, mettendo in gioco sé stesso in numerose spedizioni esplorative e documentaristiche tese a fermare – nei loro luoghi naturali – le immagini di un popolo il cui destino veniva inesorabilmente costretto al crepuscolo, fissandole in una serie di fotografie – dagherrotipi d’epoca da consegnare alla memoria, nel viraggio in seppia – che restituiscono appieno il senso di una cultura per contro solo apparentemente destinata a scomparire.

Per compiere la sua impresa poté avvalersi del supporto di molte personalità: oltre al suo finanziatore principale John Pierpont Morgan (in grado di coprire però solo per un terzo i 35 milioni di dollari attuali che sarebbe stato il costo finale della sua opera The North American Indian), il presidente degli Stati Uniti Theodore Roosevelt, Andrew Carnegie ed i reali di Inghilterra e Belgio.

Per questo motivo Curtis fu sempre alla disperata ricerca di denaro per poter proseguire il suo lavoro.
Prevista inizialmente in cinquecento copie, la collana del suo capolavoro fu effettivamente tirata in meno di trecento (di cui solo 214 vendute mentre Curtis era ancora impegnato nel progetto).

Ottenne numerosi riconoscimenti, ma il suo sogno – talmente grande da non riuscire ad afferrarlo per intero, secondo le sue stesse parole – ebbe come contrappeso un alto prezzo: una instabilità emotiva, la rovina economica e familiare. A causa dei suoi viaggi e di una vita nomade dilapidò infatti ogni proprio avere e vide disgregarsi ogni possibilità di tenere unita la propria famiglia.

Sotto il cielo che si apre dalle zone artiche dell’Alaska a quelle aride del golfo del Messico, attraversando sterminate praterie solcate da profondi canyon e da inaccessibili catene montuose, ridiscendendo in canoa impervi corsi d’acqua o attraversando sempre su mezzi di fortuna laghi estesi come mari, fu – a suo modo – un pioniere avviato su tracce dettate a ritroso, in un viaggio avventuroso nello spazio e nel tempo, inseguendo un popolo che presto non ci sarebbe stato più.

Conobbe molti capi indiani e di molti ne fece il ritratto fotografico. Alcune sue immagini di nativi americani, spesso ripresi nelle attività quotidiane, immortalati come furono su di una pellicola fotografica, hanno mantenuto intatto il fascino di una cultura senza tempo e di coloro che di tale cultura furono i depositari.

Nel 1874 la sua famiglia si trasferì a Le Sueur County (Minnesota), dove il padre Johnson Asahel aprì un negozio di drogheria. Fu in questa città che Curtis costruì la sua prima macchina fotografica.

Nel 1885, all’età di diciassette anni, Curtis iniziò il proprio apprendistato da fotografo nella cittadina di St. Paul. Due anni dopo la sua famiglia si trasferì però a Seattle, nello stato di Washington, e qui il giovane fotografo poté fabbricarsi una nuova macchina ed entrare in società – dietro la corresponsione di 150 dollari – nello studio fotografico di Rasmus Rothi.

Ma il sodalizio durò poco, e sei mesi dopo Curtis lasciò Rothi per entrare a lavorare nello studio di Thomas Guptill sotto l’insegna: Curtis and Guptill, Photographers and Photoengravers”.

Nel 1892 Edward Curtis sposò Clara J. Phillips (1874-1932), originaria della Pennsylvania ma i cui genitori provenivano dal Canada. La coppia ebbe quattro figli: Harold, Elizabeth detta Beth, Florence e Katherine detta Billy.

Nel 1896 la famiglia cambiò abitazione, pur restando a Seattle. Insieme a loro vivevano la madre Ellen, la sorella Eva, il fratello Asahel, le sorella di Clara, Susie e Nellie, e il fratello William.

	« Guarda attentamente. Fra non molto non sarà più possibile vedere questo genere di cose. Appartengono al passato »
	(George Bird Grinnell a Edward Sheriff Curtis, riferendosi alla Danza del Sole al raduno degli indiani Piedi Neri, Algonchini e Bloods, 1900)

Nel 1895 Curtis realizzò il suo primo ritratto di un nativo americano degli Stati Uniti: Princess Angeline (1800-1896), conosciuta anche come Kickisomlo, figlia di Capo Sealth di Seattle. Passano tre anni e Curtis si unisce ad una spedizione scientifica condotta sul Monte Rainier.

In quella occasione conosce George Bird Grinnell, esperto della cultura dei nativi americani. Grinnell apprezza l’opera di Curtis e lo invita a compiere nell’anno 1900 una spedizione in Montana, per riprendere indiani di diverse tribù, fra cui di Piedi neri, a raduno per ripetere il rito della loro Danza del Sole.

Nel 1906 il finanziere-filantropo newyorkese John Pierpont Morgan, proprietario della Morgan Library, dietro l’opzione di controllo di parte degli originali, offre a Curtis 75 mila dollari per produrre un’opera monumentale, la serie The North American Indian, venti volumi per 2.500 fotografie sugli indiani del nord dell’America. Il primo volume dell’opera – che sarà venduta su prenotazione – viene pubblicato l’anno successivo; l’ultimo ventitré anni dopo, nel 1930.

Lo scopo di Curtis non è solo quello di fotografare, bensì quello di documentare nella maniera più ampia gli usi e i costumi in via di estinzione di quel popolo, pena la perdita di una opportunità insostituibile. Scrive perciò in occasione della pubblicazione del primo volume una lunga introduzione nella quale esplicita il proprio intendimento di perseguire una dettagliata raccolta, attraverso singole schede, di ogni tipo di testimonianza possibile di capi tribù (incluse diecimila registrazioni dei linguaggi e delle musiche adottati da quel popolo, i cibi, le decorazioni, le attività di ricreazione e di cerimonia, gli usi funebri, ecc.) che accompagni in maniera adeguata il suo progetto.

Nel 1916 Clara Philipps chiese ed ottenne il divorzio dal marito, sempre più impegnato nelle sue spedizioni nelle zone più settentrionali del globo terrestre, fino all’Alaska, ed in quelle che ormai erano le riserve degli indiani d’America del Nord. Ottenne – nel patto di divorzio – la custodia dello studio fotografico di Seattle e la proprietà dei negativi originali della sua prima camera fotografica. Ma Curtis, adirato per la richiesta della ormai ex-consorte, ormai in procinto di trasferirsi nella vicina Charleston, si recò allo studio e distrusse per ritorsione ogni materiale.

Intorno al 1922 Curtis si trasferì assieme alla figlia Beth a Los Angeles e nella nascente mecca cinematografica allestita sulla collina di Hollywood aprì un nuovo studio fotografico. Per procurarsi denaro lavorò come assistente cameraman per Cecil B. DeMille (anche se il suo nome non figura nei titoli, partecipò alle riprese del film I dieci comandamenti.

Sempre per far fronte alle crescenti difficoltà finanziarie che si era trovato a fronteggiare, a ottobre del 1924 vendette all’American Museum of Natural History i diritti del suo film di carattere etnografico che aveva girato nel 1914 sulla vita degli indiani del nord-ovest. Intitolato In the Land of the Head-Hunters (Nella terra dei cacciatori di teste) il film gli fruttò 1.500 dollari contro un costo di oltre ventimila.

Il declino [modifica]

The North American Indian

La copertina del primo volume di The North American Indian, monumentale opera storico-iconografica di Edward Sheriff Curtis, pubblicata nel 1907

È il 1927 quando, di ritorno dall’Alaska a Seattle, sempre in compagnia della figlia Beth, viene arrestato per non aver corrisposto alla ex-consorte gli alimenti relativi agli ultimi sette anni. Gli ex coniugi – che non si vedevano dal tempo del loro divorzio – si riuniscono, tuttavia, ancora una volta assieme a tutti i loro figli, per le festività del Natale nella casa di Florence, a Medford in Oregon. L’anno successivo, in condizioni finanziarie ormai disperate, è costretto a cedere a J.P. Morgan junior (erede e nuovo proprietario della Morgan Library) i diritti del suo progetto, il cui ultimo volume fu pubblicato nel 1930.

Cinque anni ancora e i diritti del materiale non ancora pubblicato passano nuovamente di mano dalla Morgan alla Charles E. Lauriat Company di Boston per mille dollari oltre ad una percentuale sulle royalties. Tale materiale comprendeva: diciannove bozze complete della The North American Indian, migliaia di stampe individuali su carta, prove di stampa, negativi e altri provini. Molto di questo materiale è rimasto dimenticato nei magazzini della Lauriat fino al 1972.

Quasi ottantacinquenne, Curtis morì il 21 ottobre 1952 a causa di un infarto mentre si trovava nella casa della figlia Beth a Los Angeles. Non fece in tempo a vedere pubblicata la sua autobiografia. Fu sepolto al Forest Lawn Memorial Park di Hollywood Hills e il New York Times pubblicò il seguente necrologio:

Edward S. Curtis, esperto mondiale di storia degli indiani nordamericani, è morto a 84 anni nella casa della figlia, Mrs Bess Magnuson. Dedicò la sua vita alla compilazione di una storia degli indiani [d'America]. Le sue ricerche furono condotte sotto il patrocinio del defunto finanziere J. Pierpont Morgan. La presentazione della sua monumentale opera editoriale è opera del presidente Theodore Roosevelt. Mr. Curtis era famoso per la sua attività di fotografo.

Personaggio per molti versi misconosciuto, aveva legato – forse inconsapevolmente e involontariamente – il proprio nome alla leggenda. In un’era in cui i viaggi sul territorio nordamericano comportavano rischi e incertezze, non si fece intimorire dalla possibilità di organizzarne in grande quantità, e con uno scopo ben preciso.

Alla fine della sua ricerca storico-documentaristico-fotografica – che coincideva con il crepuscolo di una epopea, l’epopea del vecchio ovest e del popolo pellerossa – Curtis avrebbe percorso quasi 65.000 chilometri, utilizzando per i suoi spostamenti lungo terreni impervi e veloci corsi d’acqua ogni mezzo possibile, dal treno, alla canoa, alle marce a piedi od ogni mezzo che avesse trovato a disposizione.

L’archivio Curtis al “Library of Congress” [modifica]

La The Prints and Photographs Division Curtis collection consistente in oltre 2.400 prove di stampa – essenzialmente virate seppia – derivate da Curtis dai negativi originali in formato 5“ x 7″ (eccetto un centinaio in 11″ x 14″) furono acquisite, scaduti i trent’anni dei termini del diritto d’autore, dal Library of Congress. Due terzi di esse non furono mai pubblicate sui volumi del The North American Indian ed offrono quindi una prospettiva differente, oltre che inedita, sul lavoro di Curtis intorno alle culture indigene.

Molti degli originali di laboratorio immagazzinati e poi dimenticati negli scantinati della Pierpont Morgan Library sono andati dispersi durante gli anni della seconda guerra mondiale. Molti altri sono andati distrutti se non, addirittura, svenduti come carta da macero.

Il “Charles Lauriat archive” [modifica]

Le ricerche di uno studio di Santa Fe (Nuovo Messico), Karl Kernberger, hanno portato nel 1970 alla scoperta nei magazzini del Charles E. Lauriat rare bookstore di Boston una collezione di circa 285 mila originali di vario genere, tutti opera di Curtis. Kernberger ha dato così vita assieme a Jack Loeffler e David Podwa ad un comitato per il recupero delle opere di Curtis appartenute a Charles Emelius Lauriat (1874-1937). La collezione è stata poi però contesa ed acquisita da un altro investitore di Santa Fe, Mark Zaplin, il quale l’ha a sua volta ceduta al gruppo californiano guidato da Kenneth Zerbe, che ne è l’attuale proprietario.

Bibliografia [modifica]

Nativo americano fotografato da Curtis

(in lingua inglese)

• New York Times, 16 aprile 1911; Lives 22 years with Indians
• New York Times, 28 marzo 1915; Review: In the Land of the Head-Hunters
• Barbara A. Davis, Edward S. Curtis: The Life and Times of a Shadow Catcher (San Francisco, 1985)
• Laurie Lawlor, Shadow Catcher: The Life and Work of Edward S. Curtis (New York, 1994)
• Anne Makepeace, Edward S. Curtis: Coming to Light
• Victor Boesen e Florence Curtis Graybill, Edward S. Curtis: Photographer of the North American Indian (New York, 1977)
• Florence Curtis Graybill e Victor Boesen, Edward Sheriff Curtis: Visions of a Vanishing Race (New York, 1976)
• Mick Gidley, Edward S. Curtis and the North American Indian, Incorporated (Cambridge University Press, 1998)

Altri progetti [modifica]

• Wikimedia Commons contiene file multimediali su Edward Sheriff Curtis

Collegamenti esterni [modifica]

• Una mostra al Museo delle Culture del Mondo di Genova – marzo 2006
• (EN) -American Masters: Edward Curtis
• (EN) -Smithsonian: Edward Curtis
• (EN) -Library of Congress Print Collection: Edward Curtis
• (EN) -Library of Congress Exhibit: Edward Curtis
• (EN) -Biografia online di Curtis
• (EN) -Cardozo Fine Art: Edward Curtis
• (EN) -Flury and Company: Edward Curtis
• (EN) -Soulcatcher: Edward Curtis
• (EN) -Findagrave: Edward Curtis
• (EN) -Andrew Smith Gallery:fotografie originali di Edward Curtis
• (EN) -Storia degli indiani d’America, di Edward S. Curtis, con illustrazioni
• (EN) -The Indian Picture Opera: Edward Curtis

(in formato PDF)

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Chiara Francesconi – Gabriele Silvi

a cura di
Stefano Verri – Cristina Petrelli

L’inaugurazione si terrà domenica 13 gennaio alle 18:00
La mostra termina il 1o febbbraio
La Galleria Marconi è aperta tutti giorni dalle 16.00 alle 20.00, esclusa la domenica

Dopo la pausa natalizia, la Galleria Marconi di Cupra Marittima riprende la stagione espositiva della rassegna di mostre Con te o senza di te. Domenica 13 gennaio alle 18.00 si inaugura la doppia personale di Chiara Francesconi e di Gabriele Silvi, mentre i testi critici sono stati scritti da Stefano Verri e Cristina Petrelli.
Per questa doppia personale i due critici Stefano Verri e Cristina Petrelli sono stati invitati a presentare un artista ciascuno e a integrarsi e interagire nel proprio lavoro. Stefano Verri presenta Chiara Francesconi, che lavora sulla fotografia, mentre Cristina Petrelli presenta Gabriele Silvi, che invece sviluppa il suo lavoro sull’installazione.

“Il centro attorno a cui ruotano le opere di Chiara Francesconi è il mondo femminile in tutte le sue sfaccettature. L’artista priva i sogetti di momenti di intimità di cui rende partecipe il mondo intero. Microuniversi si espandono a dismisura fino a diventare la chiave interpretativa del mondo che ci circonda. Piccoli segnali diventano le spie di un’epoca. Il colore diventa il filtro, la cortina che ci divide tra realtà e rappresentazione tra mondo e set, in un vortice di confusioni inattese e i riflessi. Un gioco con lo spettatore costruito per lo spettatore frutto di semplicissimi scatti ed artifici di luce”. (Stefano Verri)

“Un grande luna park con le luci che brillano, i colori sgargianti e le forme attraenti. A questo rimandano i lavori di Gabriele Silvi. Siamo invitati a partecipare. Ma quando entriamo nel meccanismo del gioco, l’apparente innocenza viene gradualmente sostituita da un senso di consapevolezza. Il rimando è ad altri contesti, drammatici scenari, fragili equilibri”. (Cristina Petrelli)

Con te o senza di te è il nome del rassegna che nella stagione 2007/08 riunisce le mostre della Galleria Marconi. A primo impatto potrebbe sembrare una presa di posizione abbastanza snob, come per dire: che tu ci sia o meno la nostra attività va avanti lo stesso. Ma questa a ben guardare è solo l’impressione iniziale, e non potrebbe essere altrimenti, perché la realtà è un’altra, e ben diversa.
Questo progetto è in verità una dedica, ed un ringraziamento, a tutte le persone che negli anni di attività della Galleria, hanno collaborato alle nostre iniziative, hanno partecipato, o ci sono state semplicemente vicine col cuore e/o con la simpatia.
Con te o senza di te le cose non sarebbero mai potute andare secondo il percorso che la Galleria ha fatto in questi anni. Artisti, critici, curatori, tutti hanno lasciato un segno nella nostra strada.
Con te o senza di te in fondo non è che una rete che raccoglie idee e progetti, spesso distanti tra loro, ma riuniti in un percorso preciso: tracciare un cammino nell’arte contemporanea. Un percorso non univoco che però è in grado di dar voce a progetti, concetti, idee.

Ci sono facce che ci sembrano un’esagerazione
Altre che le vediamo una volta e già ci scolpiscono gli occhi
Rughe sorrisi epidermidi
Li vendiamo a caro prezzo i nostri ricordi
Ma poi li perdiamo per una manciata di coriandoli
Con te o senza di te quale sarebbe stata la mia strada?
Un bugigattolo un ponte o una villa in collina
Sarei solo o avrei una persona in più da salutare?
Di ricorrenza in ricorrenza
Cercando di non perdere un momento felice
Anche uno soltanto
Con te? Senza di te? Spero comunque per te
Una strada è bella solo quando la possiamo raccontare a chi ci incontriamo
E scriverne un pezzo insieme
Che sia una frase un capitolo o una congiunzione
Ci sono facce che vedi spesso, anche adesso
Sorridere è un buon passo per continuare

scheda tecnica

curatore: Stefano Verri – Cristina Petrelli
testo critico: Stefano Verri – Cristina Petrelli

interviste e ufficio stampa: Dario Ciferri

relazioni esterne e promozione delle attività: Stefania Palanca

fotografia: Marco Biancucci
riprese video: Stefano Abbadini
allestimenti: Marco Croci
progetto grafico: maicol e mirco
webmaster www.siscom.it
dal 13 gennaio al 10 febbraio
orario: lunedì-sabato dalle 16 alle 20

Galleria Marconi di Franco Marconi
C.so Vittorio Emanuele, 70
63012 Cupra Marittima (AP)
tel 0735778703
e-mail galmarconi@siscom.it
web www.siscom.it/marconi

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Iniziativa dell’arte per un orfano

Da sabato 9 Dicembre  fino al 13 Gennaio 2007

presso la Galleria Marchina di via soldini 6/a  – Brescia

Mx_massimo tantardini   mette a disposizione una delle sue singolari opere (frutto di una pluriennale ricerca estetica attorno al DNA) al fine di sostenere un’ iniziativa ad altissimo contenuto sociale. Approfittando delle numerose festività del mese di Dicembre, e della sensibilità di ognuno, che il periodo natalizio rende ancor più forte, si è desiderato unire l’arte alla possibilità di sostenere con il proprio acquisto un progetto molto vasto e ambizioso. “CAR-GO ART” è una mostra collettiva che raccoglie il lavoro di artisti molto diversi per esperienza, poetica e linguaggio, ma in questo caso accomunati dal desiderio di “DARE”. Grazie alla donazione dei loro lavori, infatti, hanno reso possibile una mostra in cui i visitatori potranno  acquistare ogni opera in esposizione per un prezzo simbolico di € 500 che verranno donati interamente al progetto “MAISON DES ENFANTS”  Associazione ONLUS la casa dei ragazzi, ovvero come sperare e credere che almeno un centinaio dei 350.000 orfani della Repubblica di Guinea possano avere un alloggio, un pasto tutti i giorni, qualche cura medica, un’istruzione, anche professionale, e forse, ciò che più importa, un po’ di affetto, di amicizia e tanta speranza nel futuro.

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Mx_massimo tantardini – Cenni Biografici

Mx_massimo tantardini (Brescia 28 aprile 1970) sperimentatore nei linguaggi delle arti visive, della poesia e della performance, direttore della rivista di cultura contemporanea inside e fondatore della factory SHIN.

È da sempre un convinto sostenitore di una forma di espressione che sia il più possibile priva di sovrastrutture e che sia totalmente autonoma e indipendente dalle logiche di produzione delle grandi major. “la bellezza non può morire per natura ma solamente se condannata a morte”.

Il suo percorso è cominciato negli anni ’80 con esperienze legate al contesto musicale, teatrale e cinematografico sperimentali e si è sviluppato poi nel corso degli anni cambiando linguaggio. La sua poetica esprime una natura contraddittoria e multiforme e un’indole portata a relazionarsi alla realtà tramite il non-senso e la dialettica iperealismo-surrealismo. Sta lavorando tramite la fotografia, al rapporto fra corpo+memoria e DNA e parallelamente ad una serie di pannelli e performance recuperando il linguaggio del fotoromanzo. Vive e lavora tra Brescia e Parigi.

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La fotografia incontra

l’arte dei suoni

In occasione di “Eventi in Jazz” 2006, i fotografi Claudio Argentiero, Umberto Armiraglio e Cristiano Fabris, presentano un pregiato libro dal titolo: “Some Jazz in B.A.”, dalla grafica decisamente insolita, tutto in bianco e nero,  frutto di un lavoro realizzato in occasione di Eventi in Jazz 2004 e 2005.

Una selezione di immagini di particolare impatto visivo, che via via ci accompagnano in un viaggio nella musica, reso ancor più stimolante da un’impaginazione originale curata da Armiraglio e Fabris,  che con vera  passione hanno prodotto un volume da collezione.

Noti da tempo per le diverse opere editoriali  e per le autorevoli esposizioni presentate in Italia e all’estero, i 3 fotografi si presentano al pubblico anche con una mostra, confrontandosi sul diverso modo di “sentire visivamente” l’arte dei suoni.

Immagini che sanno restituire l’energia che scaturisce da un genere musicale basato sull’improvvisazione, in cui gli autori si fanno interpreti dell’espressività,  la mimica, la gestualità e la ritmica dei concertisti,  attraverso tagli decisi e composizioni intense e vigorose.

In un bianco e nero a volte nitido a volte sgranato, si esaltano i giochi di luce e ombra, che ricreano l’atmosfera coinvolgente dei concerti, in cui l’energia si svela con vivacità sempre più incalzante, coinvolgendo il  pubblico.

Opere realizzate con materiali, stili e tecniche differenti, che non mancheranno di interessare e attrarre  appassionati e collezionisti di fotografia.  Quella d’autore.

Sono previsti due percorsi espositivi: il primo, che verrà inaugurato in occasione della presentazione del libro, il 21 ottobre, presso un locale davvero originale, unico e aperto alla creatività , ricavato all’interno di un vecchio opificio, sede dell’Associazione Culturale il Melograno,  in cui le fotografie occuperanno diversi spazi in armonia con l’ambiente;

il secondo:  itinerante in tutte le sedi dei concerti.  Una rassegna di circa 40 immagini in bianco e nero che faranno da giusto contorno alle frizzanti serate musicali.

L’iniziativa gode del patrocinio del Comune di Busto Arsizio e dell’Archivio Fotografico Italiano, del quale i tre fotografi sono  soci fondatori, nato con l’intento di custodire e rendere fruibili ad un pubblico molto ampio,  le tante ricerche d’autore realizzate dagli stessi e da altri fotografi.

21 ottobre 2006 ore 18: presso il Melograno – Via xx settembre – Busto Arsizio

ore18,30 – 20: aperitivo in musica

Segreteria Organizzativa:

AFI – Villa Pomini – Via Don Luigi Testori 14 – Castellanza (VA)

Comunicazione: Claudio Argentiero T. 347-5902640 / e-mail: argentfoto@libero.it

Cristiano Fabris T. 347 – 7122082 / e-mail: crisfab@fastwebnet.it

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