inaugurazione venerdì 16 dicembre 2011, ore 18.00
A seguire incontro con l’autrice

Si inaugura venerdì 16 dicembre 2011 alle ore 18.00 presso Officine Fotografiche – Roma la mostra Nur (Luce) – fotografie di Monika Bulaj a cura di Maurizio G. De Bonis e Valentina Trisolino per Punto di Svista e organizzata da Officine Fotografiche. La mostra rimarrà aperta fino al 15 gennaio 2012.

L’esposizione, composta da trentasette immagini, di cui alcune di grande formato, pone la propria attenzione sulla realtà afgana, la quale pur conoscendo la sovraesposizione mediatica internazionale da ben dieci anni rimane, special modo per il mondo occidentale, un’enigma velato di paure e pregiudizi. L’obiettivo del suo progetto, concentrandosi sull’Afghanistan, è stato quello di mostrare il mondo nascosto del popolo Sufi, le tribù nomadi e le minoranze che abbracciano quest’antichissima tradizione pre-islamica, disprezzata dai talebani wahhabita.

Monika Bulaj, con un taccuino e una fotocamera Leica, ha esplorato da sola questo paese, ne ha respirato l’essenza, conosciuto la bellezza umana e del paesaggio. Si è inondata di luce, una luce che rende unico questo territorio e che lei stessa definisce “un giardino luminoso”. Lo scopo della Bulaj è quello di evitare gli stereotipi e di vivere dal di dentro la vita delle popolazioni che intende studiare e capire. La fotoreporter polacca è artefice di una fotografia documentaria non di consumo, né banalmente cronachistica, quanto piuttosto di intensa e appassionata analisi della condizione esistenziale di esseri umani di cui in occidente si ha spesso un’idea distorta.

Monika Bulaj (1966) è una fotografa, documentarista e reporter polacca. Da anni vive in Italia, a Trieste. Ha collaborato per diverse testate giornalistiche tra le quali Il Venerdì di Repubblica, National Geographic, EAST – European and Asian Strategies, La Repubblica, D – La Repubblica delle Donne, Io Donna – Corriere della Sera, Internazionale. Ha pubblicato diversi libri tra i quali “Libya felix”, Mondadori 2002; “Donne, storie e progetti”, Alinari 2004; “On the move”, SKIRA 2007; “Genti di Dio. Viaggio nell’Altra Europa”, con la prefazione di Moni Ovadia, Frassinelli 2008. Nel 2005 ha vinto il premio Grant in Visual Arts 2005 da parte di European Association for Jewish Culture e nel 2009 il Premio Chatwin “Occhio assoluto”.

 www.officinefotografiche.org

www.puntodisvista.net

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http://www.facebook.com/event.php?eid=112992125406221&ref=mf

Durante il viaggio ci saranno collegamenti in Italia
sia webcam che radiofonici dalla viaggiatrice.

“ Viaggiare in solitaria crea il necessario distacco dal mio quotidiano:
mi “abbandono” ai modi di vivere dei popoli che sto visitando, mi
immergo “incontaminata”
nella loro cultura e ne respiro l’essenza, in una dimensione spirituale
ideale per la mia ricerca.
Adatto sempre i mie abiti e i miei gesti alla cultura locale.
Ho un profondo rispetto per le diverse religioni e culture in tutte le
loro esternazioni.
Viaggiare in solitaria può comportare vari contrattempi e pericoli , ad
esempio oltre
il Circolo Polare Artico ho dovuto abbandonare il fuoristrada in un
fiume, rischiando l’ipotermia”

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e

IL CONSIGLIO DI QUARTIERE 3 – EST
Sono lieti di invitarvi alla presentazione del libro:

“MEDITAZIONE E FOTOGRAFIA”

Di

DIEGO MORMORIO
Presenterà l’autore il Prof. Angelo Maggi

interverranno Sara Munari (Stazione Fotografica – Lecco) e Giampaolo Romagnosi (Mignon)
Giovedi 2 Luglio 2009, ore 21

SALA CONSILIARE “FORCELLINI”

ingresso libero
Giovedì 2 Luglio: “MEDITAZIONE E FOTOGRAFIA”. Diego Mormorio presenterà a Padova presso la sala Consiliare “Forcellini”, il suo recente saggio incentrato sulla proposta di relazione tra la meditazione e la fotografia.

Il libro è nato da un’idea suggerita da un suo grande maestro tibetano, ora tornato in India, con il quale l’autore ha studiato e praticato meditazione per anni, proprio questo maestro lo ha indotto a riflettere sulla contiguità tra la fotografia e la meditazione. Il timore iniziale, secondo la spiegazione dell’autore, era da una parte quello di sfigurare con una delle persone più importanti della sua vita, e dall’altra la difficoltà di trattare una tematica così particolare. Il dubbio si è stemperato nella volontà di trasmissione di ciò che gli è stato donato dai suoi stessi maestri. Pertanto Diego Mormorio definisce questo libro “un dono che dona”.

L’autore che si occupa di fotografia da circa trent’anni spiega che lo stimolo per la scrittura di questo libro è di dimostrare come la fotografia, che nasce dalla cultura materialistica, possa essere trasformata in uno strumento spirituale. Ecco dunque la necessità di coniugare fotografia e meditazione.

“Non è necessario fotografare molto”, esorta l’autore, “non dobbiamo cadere nel consumismo del fare tutto in grande quantità”. Secondo la sua riflessione occorre imparare a osservare e a condensare l’essenza in pochi scatti.

“Noi vediamo la luce perché esiste l’atmosfera, il pulviscolo atmosferico. Quando raggiunge questi piccoli corpi la luce di diffonde, altrimenti vedremmo i corpi illuminati, ma intorno ci sarebbe buio. Senza le piccole cose le grandi non esistono: tutto è interdipendente”.

Il saggio di Diego Mormorio offre un punto di vista singolare che può essere oggetto stesso di meditazione, e numerose sollecitazioni e riferimenti per chi voglia approfondire le tante tematiche affrontate.
Diego Mormorio è nato a Caracas da genitori siciliani. Il suo lavoro è dedicato soprattutto al rapporto tra la fotografia e la cultura filosofica e letteraria. Da tempo si interessa in modo particolare al tema della rappresentazione della bellezza, della natura, del paesaggio. Tra le sue pubblicazioni citiamo “Gli scrittori e la fotografia” (1988), “Storia della fotografia” (1996), “L`isola dei siciliani” (1995), “Vestiti. Lo stile degli italiani in un secolo di fotografie” (1999), “La lunga vacanza del barone Gloeden” (2002), “La regina nuda. Delazioni e congiure nella Roma dell’ultimo Papa Re” (2006), “W Garibaldo. Tre racconti garibaldini” (2007).

Tratto da www.contrasto.it

Angelo Maggi è nato a Hitchin (Gran Bretagna) nel 1968, ha conseguito il titolo di dottore di ricerca (Ph.D.) presso la Herriot-Watt University di Edimburgo. Ha maturato esperienze a livello internazionale nell’ideazione e organizzazione di mostre fotografiche, stringendo rapporti di collaborazione con gli Istituti Italiani di Cultura in Gran Bretagna, con le National Galleries of Scotland di Edimburgo, e con il Museo di Storia della Fotografia Fratelli Alinari a Firenze. Dal 1999 al 2002 ha insegnato Storia della Fotografia e Storia dell’Architettura presso l’Edimburg College of Art – Heriot-Watt University. Attualmente insegna Storia della Fotografia presso la Facoltà di Architettura dell’Università Iuav di Venezia, e presso le Facoltà di Lettere e Filosofia delle Università degli Studi di Trento e Venezia. Vive e lavora a Padova.

Per qualsiasi informazioni inerenti al gruppo Mignon, alle iniziative dello stesso o alla “Street Photography”, scrivere a: info@mignon.it

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Die Lücke

Donatella Simonetti

a cura di Barbara Meneghel

Inaugurazione
giovedì 18 giugno 2009
ore 19.00
via Ausonio, 18 _ Milano

18 giugno – 25 luglio 2009

Nella fotografia figurativa contemporanea, una città può essere letta come un campo quasi-neutro di forze visive ed emozionali. Per la sua prima personale da Aus18, Donatella Simonetti presenta una serie di scatti urbani il cui impatto formale si colloca al limite dell’astrazione, cromatica e geometrica. Realizzate a Berlino nell’arco dell’ultimo anno, le immagini raccontano angoli della città scarnificati ma d’impatto, strappano al contesto squarci di colore e di forme essenziali, e privilegiano un cromatismo piatto e deciso.

Proseguendo la sua linea di ricerca sull’architettura contemporanea (dopo aver studiato, in passato, le città spagnole e Milano), l’artista propone un approccio essenziale e asciutto alla capitale tedesca, di cui sembra nello stesso tempo voler succhiare l’essenza visiva ed esistenziale. Se quindi prevalgono nell’immagine il rigore delle linee geometriche e la purezza del colore, gli scatti assumono anche un significato emotivo che rimanda alle connotazioni di vuoto spaziale, imponenza, e vastità proprie di alcune metropoli contemporanee, di Berlino in particolare.
Una parete colorata, il dettaglio di un aeroporto, le scie allucinate dei fari delle auto di notte sono universali e particolari al tempo stesso, rimandano a un non-luogo che appartiene al mondo esterno e interno. La figura umana è del tutto assente: il senso di vuoto e di angoscia heideggeriana, mescolati a sensazioni positive di dinamismo e rigore contemporaneo, sono delegati alla sensibilità dello spettatore, che ritrova nel grande formato quello stesso senso di sublime e imponenza che avverte tra le strade di alcune capitali. Godendo nel frattempo della perfezione tecnica della fotografia pura.

La Berlino notturna e diurna in mostra diventa quindi uno spazio asettico artistico ed emotivo, che gioca sul confine tra la fotografia narrativa della tradizione (Gabriele Basilico, Luigi Ghirri) e arte contemporanea.

Donatella Simonetti è nata a Urbino nel 1982.
Vive e lavora tra Como, Berlino e la Svizzera.

Tra le principali mostre ricordiamo:

Das Weiche – Galerie Foto-Shop, Berlin (2009);

Com’On – Giovani artisti comaschi interpretano l’architettura – a cura di Roberto Borghi (2008);

Blu sospesi, Ex chiesa di San Pietro in Atrio, Como (2008);

Impressioni Spagnole, Spazio Tasca, Milano (2007).

18 giugno – 25 luglio 2009

Lun/Ven 10.00 – 13.00 / 15.00 – 19.00
Sabato su appuntamento _ Domenica chiuso

Galleria Aus18
Via Ausonio, 18 – Milano
+39.02.8375436
+39.339.4739699
www.aus18.it info@aus18.it
c.p. Via Ariberto, 19
20123 milano

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IL RIENTRO DAL TIBET
“Ogni volta che parto, metto in cantiere la possibilità di perdere
tutto: bagaglio e salute.
I rischi sono sempre molti. Ma il furto del mio portafoglio (con soldi,
carta di credito e bancomat) a Lhasa mi ha colto alla sprovvista.
Non tutto il male viene per nuocere : ho scoperto tutto il calore
della generosità tibetana,
e l’immediatezza della generosità degli italiani su Facebook (che
seguivano il mio diario dal Tibet in diretta) .
La mia guida tibetana mi ha restituito la mancia che gli avevo dato, i
gestori tibetani dell’albergo mi
hanno offerto vitto e alloggio gratis. Decine di persone su Facebook si
sono mobilitate pronte a spedirmi
soldi , bonifici, aiuti. Una bella esperienza, grazie ancora a tutti,
dal profondo del mio cuore”
“Nel frattempo quando sono tornata in Nepal da Lhasa, era caduto il
governo nepalese e mi sono trovata
tra manifestazioni, scioperi, blocchi dei maoisti. In bocca al lupo ai
nepalesi per risolvere i loro problemi davvero gravosi.”

L’AUTRICE
Raffaella Milandri, viaggiatrice in solitaria e fotografa di San
Benedetto del Tronto,
indaga tra popoli e culture con estrema curiosità , ritraendo momenti
carichi di intenso significato emozionale.
«Viaggiare in solitaria crea il necessario distacco dal mio quotidiano
che mi permette un temporaneo ma completo abbandono al modo di vivere
dei popoli che sto visitando: mi permette di essere immersa
incontaminata nella loro cultura e respirarne l’essenza. Io mi
assimilo alle genti che studio per catturarne l’immagine autentica,
perch̬ mi vedano come una di loro Рnon come un forestiero Рadatto
sempre i miei abiti e i miei gesti alla cultura locale.»
“La mia è street photography, pura fotografia di strada.
Nessuna posa, né situazione creata o artificiale: ritraggo le persone e le situazioni così come sono, magari appostandomi per ore fino a far parte del paesaggio locale. Quando viaggio ho talvolta dei colpi di fulmine : alcune persone che incontro mi diventano personaggi. E’ un innamoramento vero e proprio, il sorriso, lo sguardo, il modo di fare. Mi apposto e cerco di avvicinarmi con discrezione per poter fare una foto e sapere la loro storia.
L’autrice collabora con la Fototeca Storica Nazionale Gilardi (MI) ed ha
all’attivo fotoreportage in Giappone, Australia, India, Nepal, Usa,
Canada, Egitto e in vari paesi europei. In preparazione un libro sui
suoi viaggi.

Per comunicazioni e contatti 335 6126630
email info@europrinters.it

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La viaggiatrice in solitaria e fotografa Raffaella Milandri,

di San Benedetto del Tronto, che sta preparando la mostra fotografica

“Imagine” per fine maggio 2009, parte martedì 28 aprile per un viaggio tra Nepal e Tibet.

LA MOSTRA
"Imagine" di Raffaella Milandri,
ci trasporta ai confini tra Nepal e Tibet, tra fratelli tibetani in esilio e soldati che pattugliano i confini.
La quotidianità appare sconvolta ma non rassegnata,
in una tensione carica di dignità, aspettando che il mondo reagisca in maniera determinante.
La mostra farà parte  delle molteplici e interessanti manifestazioni del 1° Festival della Pace
organizzato dal Comune di  San Benedetto, e sarà allestita all'interno dell'Hotel Calabresi, in Piazza della Rotonda (Piazza Giorgini)
dal 29 maggio al 7 giugno 2009. Durante la mostra sarà allestita una asta di beneficenza,
il ricavato della vendita delle foto sarà devoluto.
IL VIAGGIO
Rigorosamente in solitaria, senza alcuna prenotazione tranne l'aereo,
questo viaggio di Raffaella Milandri la vedrà indagare nella realtà del Nepal e del Tibet,
alla ricerca di immagini e di emozioni."Mi spoglio degli agi quotidiani, solo una valigia
e niente cellulare. Il mio cammino sarà costruito giorno per giorno.
Unico bagaglio sostanzioso: macchina fotografica, videocamera per mettere su Youtube alcuni filmati , e una webcam con la quale mi collegherò su Facebook per raccontare le mie giornate ."
"Prima di partire ho prestato servizio con il Gruppo di Protezione Civile Comunale e con il FIR SER di Ascoli per aiutare la popolazione aquilana, auguro un buon lavoro a tutti  e invio un saluto speciale alle persone attendate al campo di Tempera(AQ) dove ho lasciato il cuore: forza e coraggio"
L'AUTRICE
Raffaella Milandri, viaggiatrice in solitaria e fotografa di San Benedetto del Tronto,
indaga tra popoli e culture con estrema curiosità, ritraendo momenti carichi di intenso significato emozionale.

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Sabato 18 aprile 2009 ore 18.30

Officine Fotografiche
Via Casale De Merode, 17/a – Roma

Officine Fotografiche ha organizzato un incontro d’eccezione con il fotografo Ernesto Bazan, per parlare di uno dei suoi lavori più intensi: Cuba. Un viaggio fotografico e un libro che saranno presentati sabato 18 aprile 2009 alle ore 18.30 presso la sede dell’associazione, con l’ausilio di una proiezione delle fotografie del suo lavoro.
Ci sono voluti 14 anni di vita e fotografia a Cuba, e poi due intensi anni di editing, messa in pagina e stampa, per dare alla luce il libro, che si intitola appunto Cuba.
Approdato sull’isola per la prima volta, quasi per caso, nell’autunno del 1992, Ernesto Bazan ha ritrovato per le strade dell’Avana la sua infanzia siciliana perduta e inconsciamente cercata invano durante molti viaggi in giro per il mondo.
“Per tanti anni Cuba l’avevo fortemente desiderata come si desidera una donna che incontri e non riesci più a togliertela dalla testa. Sono quasi certo d’esserci vissuto in un’altra vita” ha scritto nelle pagine del suo diario.
Il lavoro su Cuba coniuga l’approccio reportagistico, in cui Bazan cerca di cogliere la quintessenza del vivere quotidiano fotografando gente sconosciuta, incontrata per qualche secondo per le strade dell’isola, assieme ad un approccio più intimo e personale nelle foto che ritraggono vari momenti nella vita della sua famiglia e dei suoi amici contadini con cui ha condiviso lunghi periodi di tempo nelle campagne cubane reminiscenti della terra natia.
Cuba ha fatto vincere a Bazan alcuni dei più importanti premi internazionali fra cui vale la pena menzionare: il W. Eugene Smith Fund, considerato l’Oscar della fotografia documentaristica mondiale; il primo premio nella categoria di vita quotidiana al World Press Photo; e una borsa di studio dalla prestigiosa Fondazione Guggenheim.

Ernesto Bazan è nato nel 1959 a Palermo. Ha ricevuto la sua prima macchina fotografica a 14 anni, quando iniziò a fotografare la vita quotidiana della sua città natale e le zone rurali della Sicilia. Da allora la fotografia è diventata una vera missione di vita.
I suoi lavori sono stati esposti in Europa, in America Latina e negli Stati Uniti. Le sue fotografie fanno parte di collezioni private e musei fra cui il MOMA e l’ICP di New York, il SFMOMA a San Francisco, il Museo di Fine Arts di Houston, il Center for Documentaire Studies all’università di Duke a Durham, il South East Museum of Photography a Daytona, la Fondazione Italiana della Fotografia a Torino, la Biblioteque Nationale a Parigi e il Museo Rattau ad Arles.
Il lavoro su Cuba ha vinto alcuni fra i più prestigiosi premi internazionali: il W. Eugene Smith, il Mother Jones Foundation for Photojournalism, la Dorothe Lange – Paul Taylor prize, il World Press Photos, due borse di studio delle Fondazioni Alicia Patterson e una dalla fondazione Guggenheim. Vive attualmente in Messico, dove ha creato i BazanPhotos workshop, che danno una speciale enfasi all’America Latina.

Un evento organizzato da
Officine Fotografiche Associazione Culturale
via Casale de Merode 17/a – 00147 Roma
tel/fax 06 5125019
www.officinefotografiche.org
of@officinefotografiche.org
press@officinefotografiche.org

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Daniela Carati /All All and All
a cura di Valeria De Simoni
4 aprile > 23 maggio 2009
Inaugurazione: sabato 4 aprile 2009, ore 18.00 > 21.00

Sabato 4 aprile 2009 la galleria DAC inaugura All All and All, personale di Daniela
Carati. Il titolo della mostra è tratto dall’omonima poesia dello scrittore gallese Dylan Thomas.
L’artista presenta una serie inedita di opere fotografiche di medio e grande formato che indagano tutte (in inglese all) le possibilità del conoscibile. Si tratta di scatti inediti realizzati negli ultimi due anni tra Genova, New York e Lipsia, stampe lambda montate su forex e sotto plexiglass.
Attraverso la sua camera analogica Daniela Carati ha esplorato diversi tipi di soggetti – dal paesaggio al ritratto – facendo della fotografia una forma di esperienza della realtà. La sua ricerca ha rappresentato, sin dagli esordi, una limpida testimonianza del comportamento dell’uomo contemporaneo, un’analisi sociale operata con una totale franchezza nella rivelazione dell’essenza dei soggetti. Sfumata in varie declinazioni, la poetica dell’artista è tutta giocata su scansioni immediate, pulite, quasi asettiche, della realtà. Tuttavia, una sottile e tagliente vena ironica percorre tutta la produzione. Nel tentativo di recuperare l’autenticità delle cose Daniela ripensa il rapporto che sussiste tra mente e realtà esterna alla mente.
Compiaciuta di un gusto vagamente surrealista, in questi nuovi lavori, e per la prima volta, utilizza la manipolazione digitale dell’immagine praticando una sorta di “copia” e “incolla” di personaggi e oggetti in bilico tra fantasia e informazione. Sullo sfondo di scenografie diverse – Broadway, la campagna sassone, la spiaggia ligure – Daniela registra, conserva, denuncia, consacra, piccole folle di attori. I suoi montaggi sono abbreviazioni, sintesi, citazioni di appunti personali. L’atmosfera che ne deriva è irreale, trasognata, non sense. La consueta obiettività dello stile viene meno. A livello percettivo realtà e finzione si (con)fondono dando adito qualsiasi interpretazione.
In questo ultimo ciclo di opere l’artista introduce un elemento assolutamente nuovo, racconta se stessa, la sua personale visione del mondo. La sua attitudine nei confronti dello scenario contemporaneo non è semplicemente intuibile ma volontariamente palesata. Attraverso la fotografia Daniela ha confezionato la realtà con indizi e allusioni che testimoniano il bisogno personale, tuttavia collettivo, di guardare il mondo con occhi nuovi.

Daniela Carati è nata a Bologna nel 1964, vive e lavora a Genova.

Mostre pesonali recenti: 2005 Neu Arbeiten, Chelsea Galerie, Laufen, Basel; Reife Träume, Gewehrsaals des Alten Schloss Ettersburg, Weimar. 2004 New Generation, Fusion Art Gallery, Torino.
Mostre collettive recenti: 2009 Art Swap, London EAST festival, AUGUST art, London. 2008 The Bride to Peace, Uluslararasi Plastik Sanatlar Dernegi, Istanbul; Vita Sospesa, Cimitero Monumentale di Staglieno, Genova; Photography4statements, Chelsea Galerie, Laufen, Basel. 2007 – 2006 Suoni e Visioni. Un percorso emozionale della fotografia e della musica dal 1950 a oggi, Galleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea, Repubblica di San Marino / Istituto Italiano di Cultura, Hamburg, Copenhagen / Museo d’Arte Contemporanea Villa Croce, Genova.

DAC
piazzetta Barisone 2R
16128 Genova
T: 010 859 22 83
E: info@galleriadac.com

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con il Patrocinio del Comune di Arezzo
presentano
Arte e Psiche
Iconografie immaginarie e dissertazioni poetiche dell’inconscio
Mostra di Arte a cura di Rita Carioti
opere di
Rita Carioti – Laura Cirinei
Andrea Gasparro – Chiara Greci
Tommaso Musarra – Alessandro Marrone
Fabio Nucci – Giacomo Piazzesi
Sergio Poddighe – Andrea Roggi – Laura Serafini
Paolo Tranchina – Francesco Verdi
riflessioni poetiche di
Patrizia Buracchi – Vincenzo Enrico – Patrizia Fazzi
27 Dicembre 2008 – 24 Gennaio 2009

Il Centro Culturale ArtCamera, propone una nuova mostra tematica dal titolo “ARTE E PSICHE – Iconografie immaginarie e dissertazioni poetiche dell’inconscio”. I sedici artisti in mostra – pittori, scultori, fotografi e poeti, di elevato livello e acuta sensibilità – in questa intrigante tematica che vede protagonista la pura essenza della sfera interiore, quale dimensione alta del “sentire”, nelle proprie identificazioni e differenziate forme artistiche, si esprimono comunemente nel più ancestrale, puro ed autentico linguaggio comunicativo dell’anima e della psiche, cioè il proprio Io, quale nucleo centrale intorno al quale, l’intelletto dell’artista crea e l’anima modella la propria opera, e il proprio più profondo pensiero.

L’interiorità dell’animo umano viene esplorata nel corso della storia dell’arte a partire dal Romanticismo, periodo in cui alcuni artisti si addentrano in questa dimensione della realtà umana sempre esistita, ma di cui non si è avuta per lungo tempo coscienza precisa. I romantici continuano tuttavia a rapportare lo sguardo verso il profondo con il mondo esteriore, proiettandolo cioè nell’aspetto prevalente della natura. Tra gli esempi di eccezione pionieristica della trattazione della tematica, spicca sia lo straordinario connubio artistico tra il poeta Dante Alighieri e il pittore Sandro Botticelli, che illustra le tavole della Somma e Universale Divina Commedia, sia il pittore
fiammingo Hieronymus Bosch che nell’enfasi di una esoterica visionaria carica percettiva, crea ambigue e bizzarre rappresentazioni dell’umanità, di cui è interessato a rappresentare, in una immateriale e quasi onirica interpretazione, la convivenza del bene e del male.

E’ tuttavia nel corso del XX secolo che si assiste alla creazione di forme atte a rappresentare la parte oscura della coscienza, di quell’inconscio ampiamente teorizzato nello stesso periodo da Sigmund Freud, padre della psicoanalisi, e in seguito da C. Gustav Jung, Eric Fromm, James Hillman e altri. Grazie alle loro ricerche psicoanalitiche il sogno e l’onirico entrano nell’universo costitutivo dell’arte, non come fantasie allegoriche o stravaganti come nel passato, ma come diretta espressione dell’inconscio, portato così alla luce dalla profondità dell’Io, ponendo l’attenzione alla dimensione dell’uomo, che oltrepassa la sua realtà ordinaria e percepibile con gli strumenti della logica. In tal senso, la psicoanalisi, nel suo compito di liberazione, è svelamento delle forze occulte dell’inconscio. In questo atteggiamento programmatico si riconosce il tentativo di saldare la realtà storica con quella onirica, allo scopo di liberare tutte le potenzialità espressive della natura umana.

In modo prevalente è il movimento Surrealista che, riunito attorno alle idee di André Breton, propone e fornisce immagini fortemente suggestive in grado di fissare sulla materia i dettami imposti da quell’interiorità che scaturisce manifestandosi allo stesso modo nell’arte come nel sogno. I surrealisti tentano la rielaborazione in chiave creativa del pensiero psicoanalitico, ma hanno anche come obiettivo ultimo un mutamento nella presa di coscienza di sé e della e della società.

Spicca tra i molti, la stra-ordinaria visione poetica del pittore francese Renè Magritte. Un isolato originale ed insolito linguaggio di rappresentazione psichica lo propone il geniale incisore e grafico Maurits Cornelis Escher, che basandosi su concetti matematici, ed esplorazioni sull’infinito e dall’osservazione sulle stranezze della percezione e della prospettiva, crea fantastiche e suggestive costruzioni spaziali impossibili, in movimenti o rappresentazioni chiusi in un perpetuo ciclo infinito.

Il contributo fornito dal movimento surrealista all’arte contemporanea è di fondamentale importanza perché avvia un percorso ancora inesplorato e che si svilupperà nel tempo, nella sua massima espressione poetica, nella tecnica della scrittura automatica nell’Action Painting americana, e che approderà fino alle più recenti e nuove forme espressive contemporanee.

Per trasmettere a fondo il proprio pensiero riguardo al genio e al cuore, nel tentativo di scoprire il significato del proprio mistero invisibile, l’artista, prima ancora della ragione, volge il movimento all’interno di se, immergendosi in una lunga e spesso travagliata avventura emotiva. La costante, insaziabile e meticolosa ricerca, lo rende errante pendolare dell’essere in profondi e tortuosi labirintici percorsi interiori, vagando con l’anima cautamente come equilibrista in bilico tra mille incertezze, e costantemente sospeso tra il conscio e l’inconscio, amore e psiche, realtà e sogno, nella vana speranza di finale approdo, quale rivelazione, dell’oscuro enigma e supremo mistero della vita e della morte.

In una differenziata e non convenzionale modalità scenografica di rappresentazione delle opere, la mostra viene immaginata e concepita come una grande camera onirica, formata di tanti microcosmi quanti sono gli artisti protagonisti, che divengono anche mediatori e specchi di riflesso e riflessione della nostra attuale, specifica e variegata identità sociale. Nell’insieme ne scaturisce una interessante e costruttiva osservazione, in un variegato, suggestivo e forse immedesimativo confronto.

La mostra è preceduta, nel giorno stesso della inaugurazione, da un breve Seminario introduttivo per permettere di dare voce e meglio ampliare e condividere specifici aspetti relazionali della tematica Arte e Psiche. In esso verrà accentuato il punto di vista filosofico dal Prof. Fredinando Abbri e quello storico-artistico dal Prof. Fabrizio Fabbrini (entrambi Ordinari nell’Università di Siena) e dal Prof. Simone Zacchini (Ricercatore nell’Università di Siena e musicologo), i quali hanno reso testimonianza nei propri saggi in questo catalogo. Inoltre per evidenziare una spesso dimenticata o trascurata sfera della psiche, quella del disagio mentale, ho fortemente voluto coinvolgere il Dott. Bruno Benigni Presidente del Centro per la Salute mentale “Franco Basaglia” di Arezzo, il quale esporrà assieme al Prof. Paolo Tranchina (psicanalista, studioso di simboli e archetipi) differenti aspetti della complessa realtà di chi soffre quei disagi e i concreti rimedi o sostegni da apportare, uno dei quali è certamente l’attiva applicazione dell’arte non solo come espressiva forma liberatoria ma anche come efficace terapia. Interverrà inoltre l’Assessore alla Cultura della provincia di Arezzo Emanuela Caroti.

Rita Carioti
Presidente Centro Culturale ArtCamera

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CAGLIARI – L’eccellenza sarda come la più alta espressione della tipicità dell’Isola è stata scelta da Ichnusa, quale tema conduttore del concorso fotografico dal titolo “La tua Sardegna”, che, a partire dal prossimo 1° maggio, permetterà a chiunque vorrà partecipare, di inviare una fotografia che colga l’anima e l’essenza della “sardità”. Scene di vita quotidiana, paesaggi tipici, volti, figure,colori e tradizioni ogni soggetto/oggetto che richiami alla realtà isolana immortalato in uno scatto potrà essere inviato, entro il 31 maggio, registrandosi sull’apposito sito.

Una giuria di esperti, presieduta dal fotografo italo-argentino Pablo Volta, valuterà le immagini pervenute e decreterà il vincitore del concorso che oltre a ricevere in premio una splendida macchina fotografica digitale (Nikon modello D300 reflex a obiettivo singolo) vedrà la propria fotografia affissa, nel suo comune di residenza (oppure in quello del luogo ritratto), divenire il soggetto di una nuova campagna di affissioni firmata Ichnusa.

Anche il secondo e il terzo classificato riceveranno in regalo un apparecchio fotografico digitale (Nikon modello D300 reflex a obiettivo singolo), mentre le 20 migliori immagini diventeranno protagoniste di un’esposizione che sarà allestita nei mesi di luglio e agosto negli aeroporti di Cagliari e Olbia.

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Venerdì 18 aprile 2008 alle ore 20,00 presso la Galleria FIAF, sede del Gruppo Fotografico Le Gru di Valverde (CT) – Corso Vitt. Emanuele 214 – sarà inaugurata, la mostra fotografica personale dal titolo “Ludoincontro” di Gianfranco Consiglio di Catania.

La Ludoteca è un servizio centrato sul gioco, autogratificante, di immaginazione, di arricchimento ed anche un centro educativo, sociale e culturale, dove si favorisce la libera espressività creativa e l’ incontro tra bambini di età, capacità e condizioni sociali differenti e tra generazioni. E’ un luogo fantastico, nel quale un adulto entra in punta di piedi; nel quale gli occhi di un bimbo spaziano all’infinito. E’ l’età dell’innocenza, quella terra di mezzo tra la nascita e il mondo della scuola, nel quale si accendono le speranze e i sogni che ci porteremo dentro per la vita. In questo spazio di amore, di accoglienza e di scambio di emozioni, si è inserito Gianfranco Consiglio; questo luogo per lui è diventato un universo nel quale dare volto ai propri desideri di fotografo e anche di padre. La tecnica del bianco e nero, usata con sapienza e capacità, inserisce al tema un linguaggio asciutto, quasi cronachistico, con una scrittura della luce priva di preziosismi che si avvicina quasi ad una narrazione autobiografica e che mira all’essenza. Essa ci accompagna in questa visita guidata attraverso gli sguardi dei bambini, immersi nei loro pensieri gioiosi e intensi, e ci indica un fotografo giunto ad una maturità espressiva completa, che non ha timore di avvicinarsi a temi narrativi poco percorsi e battuti pur di esprimere, con profondità, un mondo ai più sconosciuto; quello dei nostri figli.  (Dalla presentazione del critico Michele Piazza Roxas)

La mostra è possibile visitarla tutti i lunedì e venerdì fino al 26 maggio 2008 dalle ore 19,30 alle ore 21,30. Ulteriori info sull’attività del Gruppo su www.fotoclublegru.it

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Venerdi 22 febbraio 2008 dalle ore 18,30 la galleria Artsinergy di Roma presenterà al pubblico il nuovo progetto espositivo di Giuseppe Rado dal titolo A.I.KO (Artificial Intelligence Kombat) curato da Gianluca Marziani.

Per cominciare spieghiamo A.I.Ko nei termini di un plot narrativo…

2097: la giurisdizione di Zenko è sotto il controllo di due potenti agenzie di spionaggio globale. Ad Haiku, giovane agente speciale dell’agenzia A.I.Ko, viene affidata la missione di intercettare i movimenti di alcuni membri di spicco della concorrente agenzia K.O.I.Ba, assoggettata al potere dei cervelli artificiali e alle macchine Subgender. Le due sorelle Majo e Sandya e il loro capo, la spietata Razjahi, sono il nuovo obbiettivo di Haiku. La A.I.Ko. incarna in tutte le sue peculiarità l’essenza più pura della classica agenzia di spionaggio globale: il suo compito è di conservare e controllare il patrimonio creativo del genere umano con ogni mezzo. Haiku, però, si sente uno strumento, una bambola combattente contro altre bambole combattenti, pronte a tutto pur di portare a casa la propria piccola missione: terminare i propri avversari, offrendo loro una buona manciata di caramelle di piombo. Entrambe le agenzie hanno lo stesso scopo: controllare lo Psyco-WIRED, un’iperrete cui ci si connette senza terminali esterni e che regola ogni tipo di comunicazione tra i soggetti che popolano il pianeta. I server pensanti dello Psyco-Wired sono i discendenti degli inventori della rete, i patriarchi del wired. Essi dominano, in maniera occulta, tutti i motori di ricerca attraverso un solo mezzo “Il motore Immobile” con il quale hanno imparato a comunicare per mezzo di uno sconosciuto sistema informatico denominato Haiku. Questa singolare omonimia sconvolgerà gli equilibri tra le varie entità: il futuro non ha aspettato invano, qualcosa sta cambiando….

Giuseppe Rado ha ideato un complesso progetto espositivo che ruota attorno ad una storia fantasy con personaggi, ambienti e specifiche azioni narrative. L’idea iniziale è così diventata uno storyboard anomalo che l’artista presenta in galleria con un allestimento sequenziale e alcuni ingrandimenti selettivi. Ad affiancare le tavole anche un progetto video con cui l’autore aggiunge uno spunto interpretativo allo storyboard, creando scarti visuali che azionano le stesse tavole coi loro contenuti. A completamento del progetto alcune immagini fotografiche di grande formato, raffiguranti le giovane protagoniste in pose ravvicinate che fanno pensare al tipico shooting da copertina.

I tre step progettuali si amalgamano in chiave stilistica e narrativa. Rado rielabora l’immaginario manga di chiara derivazione giapponese, aggiungendo matrici di un cinema iperreale alla Gregg Araki ma anche una vena figurativa tipicamente europea. Il risultato è una storia di techfantasy al femminile, una specie di Charlie’s Angels per immaginari rinnovati e consapevoli. Tutto è volutamente parossistico, dai grandi occhi bamboleschi delle ragazze a certi colori fluo, dalle pose sceniche all’abbigliamento fetish che le protagoniste indossano. Ed ecco che l’eccesso di realtà in stile Araki (parliamo sempre di Gregg, l’autore di film come “Doom Generation” e “Mysterious Skin”) si bilancia con una costruzione frontale, quindi più rinascimentale, del ritratto figurativo. Lo stesso storyboard dimostra una vena personale che definisce uno stile fotografico e completa la fisionomia multilinguistica del progetto.

Riepiloghiamo lo schema della mostra:

r. L’intero storyboard in formato A3
a. Alcuni ingrandimenti fotografici di tavole dello storyboard
d. Una videoinstallazione
o. un gruppo di immagini fotografiche a colori, grande formato

Non resta che dirvi: buone visioni incrociate…

Biografia

Nasce a Brindisi il 14/05/1970.
Vive e lavora attraverso varie esperienze artistiche: dalla pittura al cinema, dalla fotografia alla performance fino alla fotografia alla manipolazione iconografica.
Premi e riconoscimenti
Premio Arte 2005 Targa d’0ro sezione fotografia. Museo della Permanente Milano. Ottobre 2005.
Premio Fabbri 2007. Sezione Fotografia. Fondazione del Monte Bologna. Ottobre 2007.

Solo Show
From Pod to Pod. A cura di Maurizio Sciaccaluga,.Lagiarina Verona. Aprile 2007

Made in Japan 2, in collaborazione con VulcanoComtemporary Art, C-Dream Costa Lounge Bar, Genova, Novembre 2006.

Made in Japan a cura di Maurizio Sciaccaluga – Galleria Vulcano Comtemporary Art, Caivano Napoli; Settembre 2006.
Ani-Me 2, a cura di Enzo Longo – Il Segno Arte Contemporanea; Brindisi Aprile 2006.

Empowered i-dolls a cura di Carmen Lorenzetti – Zanarini; Bologna Febbraio 2006.

Ani-Me a cura di Massimo Rosa presso il t&t – tiepolarte ; Roma Maggio 2005.

Partecipazione all’evento mediatico “Fioriranno” con>la video installazione ” +Pri-Vacy” ;Bologna, maggio 2004.

Group Show
Un secolo ed oltre. Premio Fabbri per l’Arte II edizione.

Autori: Matteo Bergamasco, Davide Coltro, ConiglioViola, Vanni Cuoghi, Andrea Di Marco, Michelangelo Galliani, Marcello Jori, Paolo Maggis, Nero, Giuseppe Rado, Antonio Riello, Giovanni, Ruggiero, Andrea Salvatori, Nicola Samorì, Adriano, Tetti, Nicola Vinci, Massimiliano Zaffino, Luca Zampetti. A cura di Marina Mojana. Fondazione del Monte. Bologna. Ottobre 2007.

La nuova figurazione italiana. To be continued… A cura di Chiara Canali. Fabbrica Borroni. Milano. Ottobre 2007.

Il Cuore nella Notte. A cura Francesca Pietracci. Video Arte.
autori: Stefano Cagol, Gu Dexin, Rita R. Florit, Enrico Frattaroli, Elizabeth Frolet, Giorgio
Lupattelli, Federica Marangoni, Giuseppe Rado. Ex Magazzini Generali Roma. Settembre 2007.

-BaTTiTi e altri echi del cuore. A cura di Francesca Pietracci.
Autori: Giovanni Albanese, Matteo Basilè, Giorgio Bevignani, Stefano Cagol, Luigi Caiffa, Gu Dexin, Rocco Dubbini, Paul Ferman, Rita R. Florit, Enrico, Frattaroli, Elizabeth Frolet, Giorgio Lupattelli, Federica Marangoni, Giovanni Ozzola, Eugenio Percossi, Mariuccia Pisani, Giuseppe Rado, Oliviero Rainaldi, Milena Sergi, Stella Tasca, Cosimo Terlizzi. Ostuni, Agosto 2007.

Ducis in Fundo. Autori: Valeria Agosti Nelli, Clara Brasca, Davide Coltro, Daniele Girardi, Ernesto
Jannini, Adriano Nardi, Giuseppe Rado, Luisa Raffaelli. La Giarina Verona. Luglio 2007.

A Certain Form of Heaven/Male, a cura di Isabella Falbo, Galleria Artsinergy Bologna, Aprile 2007.

Indicativo presente a cura di Luca Beatrice, Alessandro Riva e Maurizio Sciaccaluga, Miart 2007,
Milano.

Premio Cairo 2006. Museo della Permanente; Milano. Ottobre 2006

-Sushi for Biginners a cura di Micòl Di Veroli ABITART HOTEL, ESTROBAR; Roma Maggio 2006.

Corpi mutanti a cura di extratela – Palazzo Pisani; Lonigo (Vi) Gennaio 2006

A-Zone a cura di Massimo Rosa, UGC cinè citè, Fiumicino Roma Dicembre 2005.

Premio Arte 2005: Primo premio targa d’oro sezione fotografia. Museo della Permanente di Milano, Ottobre 2005.

Made in Italy” Alla galleria “Artitude “; Parigi, Ottobre 2005.

Mostra fotografica “Click.it” presso la galleria Kamaver Kunsthause ; Lecco Luglio 2004.

Partecipazione all’evento mediatico “Fioriranno” con la video installazione ” +Pri-Vacy” ; Bologna maggio 2004.

-Selezione finale nella sezione “film maker” e proiezione del corto “Tràgos” all’ “Alternative Film Festival” ; Picciano (Pe) Ottobre 2001.

Selezione e proiezione del corto “Tràgos” nell’ambito del -Ravenna film festival” organizzato dal circolo ” Antonio Ricci” come opera maggiormente meritevole;
Ravenna 2001.

Produzione integrale del corto “Tràgos” – simbolismo noir – produzione Exzema film, Giuseppe Rado; Bologna, ’99/’00.

Regia e riprese della rappresentazione teatrale “L’ira del sole: un 9 di maggio” di, e con Mariafida Moro; produzione “Exzema film” Giuseppe Rado; Bologna, teatro Arena del Sole, novembre1998.

Documentario sperimentale sulla “Certosa” di Bologna, 1998.

Produzione integrale del corto “Good morning” – autobiografico – Bologna 1998.

Produzione integrale del corto ” Cavo” – escursus edipico; Bologna 1998.

Film documentario “Liceando 88″- Produzione “Eczema film” Giuseppe Rado; Bologna , 1998.

Quarto premio al concorso grafico ” 25 immagini per il 25 Aprile” indetto dal comune di
Bologna/ANPI/circolo “G.Dozza”in occasione del 55° anniversario della Liberazione.

Mostra collettiva “Giovani artisti al Baraccano” con il patrocinio del comune di Bologna, prima selezione marzo 1998. Selezione riservata alle migliori 20 opere, presso “Centronova” di Villanova; Bologna. Maggio 1998.

———–

Artsinergy
Via Capo d’Africa 46
00184 Roma

Info
Tel: +39 06 45496564
Mob: +39 393 9317110
Mail: asroma@artsinergy.com
Web: www.artsinergy.com

catalogo: in galleria con testo di Gianluca Marziani

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Buone notizie, insomma, la rivoluzione digitale non solo non sembra aver alterato la tecnica fotografica classica, ma offre opportunità fino a ieri impensabili per portare alla luce storie altrimenti destinate all’oblio. Parola di Ed Kashi.

Ecco cosa ci ha raccontato

Intervista a cura di Paola Fontana

Ed, credi che Internet e le tecnologie digitali in genere abbiano violato le regole sacre della “vera fotografia”?

E’ indubbio che le tecnologie digitali abbiano radicalmente cambiato il modo in cui io e i gli altri colleghi lavoriamo. Quando scattavo con la mia Leica a pellicola ero solito fare uno o due foto di un soggetto prima di muovermi e passare ad altro seguendo il mio istinto di fotografo. Oggi, con la reflex digitale posso invece riprendere intere sequenze di 10 o 15 scatti, da cui scelgo in seguito quelli più evocativi e potenti. Non da meno, credo che gli sviluppi che le tecnologie digitali portano con sé aprano il campo a una schiera di nuove possibilità di condividere le immagini. Ho cominciato nel 1991 a lavorare, insieme a mia moglie Julie Winkour, su progetti multimediali e posso dire che grazie al digitale è possibile raggiungere platee più ampie e attraverso modalità innovative e stimolanti. Se è vero che il mio lavoro consiste nel raccontare storie e il mio obbiettivo è far si che queste storie raggiungano il maggior numero di persone, non vedo ragioni per opporsi alle tecnologie digitali.

l’articolo continua qui…

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Ferruccio Ferroni (Mercatello sul Metauro, 1 luglio 1920 – Senigallia, 5 settembre 2007) è stato un fotografo italiano.

Dopo due anni di guerra si è laureato in giurisprudenza nel 1953 ed ha svolto la professione di avvocato fino al 1992. Ha iniziato a fotografare nel 1948, sotto la guida di Giuseppe Cavalli. Ha fatto parte dei gruppi fotografici “La Gondola” di Venezia e “Misa” di Senigallia. Nel 1950 è stato premiato, per il complesso delle opere, al Grand Concours International de Photographie, organizzato dalla rivista “Camera” di Lucerna. Sue fotografie sono conservate presso la collezione permanente della Subjektive Fotografie nel Museo Folkwang di Essen e presso la collezione permanente dell’Associazione Fotografica Misa nel Museo d’arte moderna e dell’Informazione di Senigallia. Nel 1996 è stato insignito col titolo di “Maestro Fotografo Italiano” dalla F.I.A.F e di “Autore dell’anno 2006″ ancora dalla F.I.A.F.

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Stefano Giogli, classe 1965, Perugino di Città di Castello, è uno di quei fotografi illuminati che dell’Africa vogliono cogliere aspetti particolari, aspetti non legati all’evento, generalmente drammatico, ma allo scorrere della vita quotidiana. Indubbiamente non un turista, forse nemmeno un fotoreporter, Giogli è piuttosto un viaggiatore colto e curioso che manifesta la propria apertura al mondo, raccontando il mondo e le piccole storie di chi lo abita. La storia è quella di Radio Horizon. Radio Horizon nasce nel 1987 a Ouagadougou in Burkina Faso, ed è la prima radio privata Africana. Immediatamente costretta alla chiusura riuscì a riprendere la propria attività solo nel 1990. Grazie alla determinazione ed al dinamismo dei suoi promotori oggi la radio ha guadagnato popolarità, conquistando centinaia di migliaia di ascoltatori. In quattordici anni di attività l’emittente è cresciuta e diventata un fondamentale strumento d’espressione e di pensiero, nonché un basilare vettore d’informazione e di educazione promuovendo la comunicazione tra tutte le persone raggiunte. Di struttura decisamente raffinata e con uno stile fresco ed essenziale, l’indagine fotografica, risulta essere anche particolarmente originale. Degno di nota è l’utilizzo del colore e la scelta delle luci. I colori, saturi e solari, e le alte luci, bruciate e brucianti, bene trasmettono l’atmosfera calda e brulicante di vita. Un lavoro, che oltre a regalarci la vera essenza dei soggetti rappresentati, ci svela molto della sensibilità dell’autore, costantemente alla ricerca delle infinite sfumature delle cose, sfumature spesso racchiuse nelle piu’ piccole intercapedini del quotidiano.

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presentain
my beginning
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my endfotografie di yosuke taki

inaugurazione 5 dicembre ore 19

comunicato-breve-mostra-taki.doc

L’artista giapponese Yosuke Taki presenta, in questa sua prima personale a Roma, una complessa riflessione su quello che T.S.Eliot nei suoi indimenticabili versi de Four Quartets ha chiamato “Zero summer, – Where is the summer, the unimaginable” -la stagione originale della genesi universale. Grandi immagini di particolari provenienti dal mondo vegetale invadono le pareti: foglie di cardo mariano, di girasole, fiori di cardo dei lanaioli, fiori di loto – secchi, ingialliti e accartocciati – che sprizzano una inaspettata vitalità, primordiale. Sono epifanie. I fiori di Taki hanno qualcosa di provvidenziale nei loro lineamenti, nelle loro espressioni, qualcosa che nessun uomo potrebbe mai creare. Una perfezione irraggiungibile.

Taki ci fa assistere a questi momenti epifanici e nel guardare le sue piante sembra anche a noi di sfiorare la “zero summer”, ritrovando aldilà delle immagini visive la nostra essenza invisibile, il nostro “autoritratto da estate zero”.

Taki prosegue il suo cammino e si emerge nel mondo dei piccoli insetti in “ Dreams of dead insects ovvero canti funebri di una piccola bambina selvatica. Ispirato a un racconto di Laura Biagi, un’artista cantante, di una bambina che celebrava riti funebri per insetti morti con i suoi primissimi canti, Yosuke Taki mette inscena il teatro dei gesti rituali della bambina che costruisce cimiteri tra i cespugli sulle dune lungo la spiaggia, piccoli anfiteatri dell’eternità.

Le immagini rappresentano la parte dei sogni degli insetti, ovvero i sogni generati dal canto della bambina, i suoi richiami ai morti trasformati in visione di un prato incantato. Un prato magico colorata in cui lo spettatore ancora una volta scopre la zero summer, la simbiosi del deperire e divenire, la stagione originale delle genesi, in cui fiammeggiano all’improvviso colori scintillanti, impossibili da concepire.

Le fotografie di Yosuke Taki sono immagini –sentinelle che ci riportano in memoria visioni che abbiamo credute cancellate nella nostra mente e che improvvisamente riemergono quasi con un sussulto, un brivido. E’ il momento in cui ci rincontriamo con la nostra essenza invisibile, il nostro “estate zero”.

Yosuke Taki

Nasce a Tokyo nel 1962. Si laurea nel 1985 in Letteratura francese presso l’Università di Waseda (Tokyo). Dal 1985 al 1988 frequenta i corsi del dottorato di ricerca all’Istituto di Studi Teatrali dell’Università di Waseda scrivendo la tesi del master “La storia dei buffoni alla corte francese dal medioevo al rinascimento” (1987) e un breve saggio “Lettere di voci” (1987) sulla copiosa corrispondenza tra un arlecchino e Maria de’ Medici.

Dal 1985 al 1988 studia il teatro Kyogen, forma tradizionale di commedia giapponese, con il maestro Kosuke Nomura (attuale Mannojo Nomura).

Attualmente, oltre a lavorare come sempre in campo teatrale, prosegue la sua ricerca artistica con il video e la fotografia intitolata “Zero summer – The secret life of plants” .

Mostre:

• Consolato Generale Giapponese di Milano (personale, aprile 2002)

• L’istituto giapponese di cultura di Roma (collettiva “Sur-face”, febbraio – aprile 2003)

• Premio Michetti a Francavilla al mare, CH (collettiva, luglio – settembre 2003, menzionato)

• Galleria Fabbrica Eos di Milano (collettiva, luglio – settembre 2003)

• Società Umanitaria, Milano, la mostra “Il canto della terra” con musicista Antonio Testa e altri due fotografi Roberta Tudisco e Enrico Labriola, dal 14 al 19 dicembre 2004.

• Laboratorio delle arti di Piacenza (personale – ottobre 2005)

• Galleria Luxardo a Roma (personale, novembre 2006 – gennaio 2007)

La mostra sarà accompagnata da un testo di Marco Belpoliti

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Paolo Consorti mette in scena i sogni e le fantasie del presente. Nel suo lavoro i confini tra realtà e illusione si dissolvono come zucchero in un bicchiere d’acqua. Questa prodezza la compie attraverso un trucco: mescolando pittura e fotografia a formare un’immagine iper-reale.

consorti.pdf

Ciò che si osserva non è del tutto chiaro. E’ alquanto inquietante e conduce in uno stato di provvisorietà, ad un luogo tra inferno e paradiso. Fantascienza, barocco, SM, esistono con uguali diritti tra i personaggi, i cui gesti sono l’essenza culminante dell’elaborazione sull’iconografia Cristiana. Il noto incontra l’ignoto, ricreato in un aspetto e con colori che facilmente ci travolgono negli eventi mostrati sulla tela, i quali appaiono in un secondo momento più difficili da comprendere.

Mescolando pittura e fotografia Paolo Consorti fonde la nostra realtà esterna (fotografia) con quella interiore (pittura), e così crea lo spazio iper-reale della nostra coscienza mentale ed emozionale.

Ispirandosi alla Divina Commedia di Dante e alla transizione dell’uomo nel regno infernale, come descritto nel terzo Canto, Consorti tenta di ri-postulare questi stati di sospensione della nostra esistenza. L’artista non vede alcuna differenza tra il barocco e Hollywood, e tratta ogni materiale pittorico solo per aggiornare interrogativi fondamentali.

La seconda mostra da Herrmann & Wagner presenta uno spaccato sui nuovi lavori. I loro colori sono intensi e i soggetti esaltanti. Essi sono inoltre inquietanti proprio per essere sempre ai limiti.

I dipinti sono accompagnati da un video che traduce la metodologia e l’atteggiamento di Consorti nel lavoro filmico.

Margret Uhrmeister

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