ART IN-BOX
mostra collettiva italo ceca
nell’ambito del ciclo di incontri Marginalíe
presso la Casa dell’Arte della cittá di Brno / Dům Umění města Brna

Curatrici: Susanna Horvatovičová – Tereza Rullerová

Inaugurazione della mostra: lunedí 13. dicembre 2010 – ore 18:00
presso la Casa dei signori di Kunstát / Dům pánů z Kunštátu
Dominikánská 9, Brno

15. 12. 2010 – 30. 01. 2011

Il progetto artistico ART IN-BOX è nato da un’idea di Susanna Horvatovičová come un’iniziativa espositiva destinata a viaggiare per il mondo. La prima mostra collettiva italo ceca ART IN-BOX è stata organizzata dalle curatrici Susanna Horvatovičová e Tereza Rullerová nell’ambito del ciclo di incontri dedicati all’arte Marginalie, in occasione del centenario della Casa dell’Arte della cittá di Brno nella Repubblica Ceca.
L’inaugurazione della mostra si aprirà presso il Dům pánů z Kunštátu (la Casa dei signori di Kunstát, una delle sedi della Casa dell’Arte di Brno) lunedí 13 novembre 2010 alle ore 18:00 con le performances degli artisti cechi Darina Alster a Milan Salak.

BOX MADE IN CZ: Darina Alster, Michal Cab, Jiří David, Jaro Dufek, Petr Krátký, Radim Labuda, Milan Salák, Lucie Skřivánková, Dagmar Šubrtová, Klára Vystrčilová. Filip Nerad, Anna Balážová, Ondřej Homola, Jan Šrámek, Tereza Rullerová & Vít Musil.

La mostra italo ceca ART IN-BOX è concepita come un’unica installazione composta da diverse scatole create come un lavoro di postproduzione. L’installazione vuole essere uno spazio misterioso, simbolo dell’identità tra la forma, il contenuto e la funzione dell’opera, ma anche il metro di misura dello sviluppo dell’arte e dell’architettura al giorno d’oggi. Il tema principale del progetto è dedicato alle relazioni che intercorrono tra la città e la natura. Gioca inoltre sulla misura esatta della scatola: 20x20x20 come.
ART IN-BOX presuppone, infatti, il gioco bivalente che si può instaurare tra la scatola e il suo contenuto, ed anche quello tra la grandezza reale della sala espositiva ed i singoli lavori realizzati in miniatura.

Il concetto della mostra è ispirato al noto ready-made di Marcel Duchamp e ai successivi Fluxus Boxes. Nel corso della storia da M. Duchamp a J. Cornell il motivo della scatola ha assunto numerose forme, dal montaggio al collage fino al ready-made. La scatola, più tardi, è anche diventata un elemento mutifunzionale nell’ambito della pubblicità e del design. Per esempio, nel ciclo dei Fluxus Boxes sono state inserite le cose più disparate, dagli oggetti al rebus e alle lettere fino alla pubblicità, dai ricordi personali fino a beni di consumo quotidiano.

Secondo la Teoria del sistema degli oggetti di Jean Baudrillard e il fenomeno artistico odierno legato alla Teoria della postproduzione del critico Nicolas Bourriaud, la nostra società “è posseduta“ dagli oggetti, così come al contrario gli oggetti sono manipolati dalla società. In questo senso, ART IN-BOX gioca sull’ambiguità tra l’opera concettuale e l’oggetto concreta, combina la tecnica tradizionale con media sperimentali, come il video ed i lavori di postproduzione. La mostra italo ceca mette in moto un processo e un fenomeno artistico e mette in relazione le sue singole parti: la scatola diviene, in questa maniera, un contenitore virtuale di installazioni multimediali, ma anche un pacco postale o uno scrigno di ricordi personali.

ART IN-BOX non è un progetto espositivo Fluxus, nè una tradizionale mostra di pittura e di scultura. Mette semplicemente in mostra quella mutevole “magica scatola“, che si può trovare ad ogni angolo della strada, come nei progetti di urbanistica e nelle gallerie. E’ solo un magico gioco di combinazioni tra caso e necessità, che utilizziamo quotidianamente: Post Box – Mailbox – Artbox – Eco Box – Kits Box – White Box – Box In Box – Art In Box …

Dům pánů z Kunštátu
Dominikánská 9, 602 00, Brno
martedì – domenica 10–18, 
ingresso 60 Kč (2,5 EUR), ridotto 30 Kč (1,5 EUR)
www.dum-umeni.cz

Clicca qui per visualizzare l’evento sul calendario

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Il corso intensivo è volto ad articolare risposte a domande sulla destinazione e l’uso del proprio lavoro: voglio esporre le mie fotografie e/o devono produrre un reddito? Devo soddisfare un mio piacere o quello di qualcun’altro? Devo produrre una ricerca o esprimere delle opinioni su un argomento comune?…
Finalità del corso è uscire dalla banale logica di essere appiattiti sulla semplice fotografia di una realtà scattata dalla nostra macchina fotografica.

Programma

1° Teoria – Il linguaggio fotografico: un linguaggio di base comune per rendere funzionale la fotografia al discorso che vogliamo mettere in evidenza.

2° Teoria – Il linguaggio fotografico: un linguaggio di base comune per rendere funzionale la fotografia al discorso che vogliamo mettere in evidenza.

3° Tecnica – Sorgenti luminose in studio: luce flash, tungsteno, tubi luminescenti, led, fibre ottiche, pannelli riflettenti, specchi.

4° Pratica – Esercitazioni di illuminazione in studio: realizzazione di immagini di oggetti di materiali diversi (plastica, vetro, legno, ecc.).

5° Esercitazione – Scoprire da soli: valorizzazione della materia (still life in studio), svolgimento degli esercizi assegnati dal docente.

6° Tecnica – Il flash : uso del flash dedicato (flash e tempi lunghi, flash multipli, fill in flash, ecc.).

7° Esercitazione – Scoprire da soli: svolgimento in sala posa degli esercizi assegnati dal docente sul flash dedicato.

8° Teoria – Preparazione alle esercitazioni in esterno e definizione del tema.

9° Esercitazione – Scoprire da soli: esercitazione in esterni (diurna e/o notturna) in location che permettano di realizzare foto aventi temi/soggetti definiti nella lezione precedente.

10° Teoria – Critica: verifica delle esercitazioni con commenti e critiche.

11° Teoria – La rappresentazione di un concetto astratto: desolazione, alienazione, integrazione, ricchezza, povertà bontà, femminilità, machismo, integralismo…attraverso l’immagine.

12° Esercitazione – Scoprire da soli: la rappresentazione fotografica di un concetto astratto, esercitazione in studio o in esterni.

13° Teoria – Critica: verifica delle esercitazioni con commenti e critiche.

14° Teoria – Book: dalle immagine realizzate nel corso al book personale. Scegliere, stampare, impaginare.

15° Teoria – Book: dalle immagine realizzate nel corso al book personale. Scegliere, stampare, impaginare.

Costo: 350,00€

Info e iscrizioni corsi@phlibero.it – 338 4114264 – 011 19505351

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Si sente sempre troppo spesso qualcuno che si lamenta di non avere l’attrezzatura adatta per fare delle belle foto.

Anche se può essere bello stringere fra le mani l’ultimo ritrovato della tecnologia quel che è più importante è la luce. Per dimostrare questo basilare concetto che in molti scordano Lee e Patrick di Fstopper hanno realizzato un video spiritoso in cui mostrano come sia possibile ottime foto anche con una fotocamera limitata come quella di un iPhone.

Via | FStoppers

Belle foto, una questione di luce é stato pubblicato su clickblog alle 08:30 di martedì 06 luglio 2010.

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Conoscere per fotografare. Fotografare per conoscere. È di certo questa prima frase a costituire il filo conduttore del lavoro a più mani esposto, mostra frutto di un lungo lavoro che si è sviluppato dal workshop di fotografia sociale condotto dal fotografo Giulio Di Meo. Il corso è stato frequentato da una decina di persone di varie età e con esperienze fotografiche eterogenee tra loro. Durante le lezioni si è sviluppata un’ampia panoramica approfondita da momenti di dibattito su cosa si intenda reportage e la fotografia sociale.
Giulio Di Meo ha voluto trasmettere ai suoi allievi il concetto di “fotografia sociale” interpretando la fotografia come necessità di una sensibilità, di un’etica, di un impegno particolare. Una fotografia che lui stesso afferma come “desiderosa di farsi carico delle lotte, della rabbia, indignazione ma anche di amore, passione, speranza; una fotografia impregnata da un’intensa umanità.” La “fotografia sociale” quindi vuole essere una sorta di ricerca antropologica dove il fotografo viene immerso nel contesto che lo circonda, dovendosi inserire in tale realtà senza creare ulteriori difficoltà. Il contesto questa volta è stato il Pilastro, quartiere della periferia bolognese sorto negli anni sessanta con la costruzione di numerosi condomini di edilizia pubblica. E qui vivono tante persone che dal sud Italia sono arrivate a Bologna nell’epoca del boom economico per cercare un lavoro. Oggi si mescolano a queste persone molti stranieri, protagonisti di esperienze simili, ma ogni volta uniche e singolari. Si amalgamano così vite diverse che creano un melting pot di culture e usanze provenienti da differenti luoghi del mondo. Ogni persona è lo specchio di percorsi differenti e condivide ora un presente comune. La vita si tocca, si vede e si percepisce nella quotidianità delle strade e dei parchi. Come il prato del parco Pasolini è punto di incontro di molti ragazzi che si incontrano qui, così dietro il “virgolone”, enorme edificio costituita da molti appartamenti e diversi piani, gli anziani lavorano gli orti comunali, riposano e giocano a carte seduti sulle panchine. “Pilastro” significa anche tenacia, costanza, fatica, e naturalmente credere nei propri mezzi e nell’energia che si respira quando ci si mette in gioco. Qui la palestra di Boxe e Muay Thai riunisce i giovani che passano i loro pomeriggi sognando di diventare dei campioni. Il Pilastro è anche sport, quello vero, che parte dal basso e nasce dalla passione. Una passione che unisce. Ed ecco le persone che ci hanno permesso di rappresentare qualche istante della loro vita. Queste fotografie vogliono gettare uno sguardo sulla realtà del Pilastro e. svelare cosa significhi farne parte. Vogliono aiutare a leggere oltre i confini di un quartiere che erroneamente viene etichettato come periferico, degradato e come luogo di disagio sociale. In questo racconto potreste scoprire una realtà diversa, non inquinata da pregiudizi e luoghi comuni. Una realtà che ci ha affascinato e sorpreso. Provateci, forse ne rimarrete colpiti.

Espongono: Roberto Brandoli, Filippo Carnevali, Lorenzo Ciancaglini, Sabrina Flocco, Laura Luppi, Enrico Migotto, Eleonora Minler, Nicola Sacco, Alessia Scarpa, Alberto Sola e Emanuele Vesentini.
Ecuador
Il sostegno alle comunità locali – cibo, ambiente e salute
Ucodep è impegnata dal 1995 in Ecuador, nell’area andina di Cotacachi (provincia di Imbabura) nella realizzazione di interventi di miglioramento dell’alimentazione e della produzione agricola delle comunità indigene. Nel 2002 si è iniziato a lavorare anche nella regione amazzonica nord orientale del paese al confine con la Colombia, la provincia di Sucumbios, dove si estende l’importante riserva naturale del Cuyabeno, nel settore della difesa dell’ambiente e della tutela della salute.
L’intervento di Ucodep in Ecuador è strettamente legato all’attività agricola e alla conservazione del patrimonio naturalistico della Foresta Amazzonica. Nel corso degli ultimi decenni il settore agricolo ha diminuito la propria redditività e la popolazione rurale ha dovuto fronteggiare l’aumento della povertà, l’impoverimento del suolo, il peggioramento delle condizioni ambientali e la riduzione della possibilità di accedere a servizi primari quali educazione e sanità. Inoltre, nella provincia di Sucumbios si è registrata una crescita dell’attività di estrazione del petrolio con gravi conseguenze ambientali. Sebbene esista un regime democratico fin dal 1979, il contesto socio economico dell’Ecuador è caratterizzato da instabilità politica cronica, da fratture interne al paese e forti influenze regionali nei partiti. Dal punto di vista ambientale l’Ecuador presenta un’immensa ricchezza naturale, una grande biodiversità e numerose risorse idrogeologiche e minerarie, tutto ciò minacciato dai cambiamenti climatici e dal crescente sfruttamento delle risorse energetiche, soprattutto del petrolio.
Tenuto conto di tutto ciò, Ucodep è intervenuta in Ecuador con sostegno all’agricoltura e alle comunità locali per lo sviluppo rurale e valorizzazione delle risorse del territorio, di tutela dell’ambiente e della biodiversità locale e di lotta alla povertà.
Nella regione Andina di Cotacachi vivono numerose comunità di Indios (circa il 60% della popolazione residente nella zona) che, tradizionalmente, si dedicano all’agricoltura di sussistenza. Tuttavia, in seguito alla riforma agraria introdotta negli anni ’60 dal governo militare, tali popolazioni si sono trovate costrette a coltivare terreni sempre più ridotti e in posizioni sfavorevoli, con il conseguente progressivo impoverimento dei campi e la riduzione delle varietà prodotte e della qualità dei prodotti. La conseguenza di tutto ciò è stato l’indebolimento del settore agricolo, la scarsa differenziazione alimentare e l’insorgere di malattie legate alla malnutrizione, l’emigrazione dalla campagna alla città, l’abbandono dei figli per ragioni lavorative e quindi la riduzione della frequenza scolastica.
L’area della Riserva del Cuyabeno presenta un altissimo valore naturalistico, floristico e faunistico. A causa della difficoltà di accesso a questa zona l’accesso ai servizi di base, tra i quali l’uso di acqua potabile e l’assistenza medica, è molto limitato. Lo sfruttamento delle risorse naturali, per molti degli abitanti della zona, rappresenta l’unica possibilità di reddito. Gli interventi di Ucodep si concentrano quindi in queste due zone con un approccio che mira, quindi, allo sviluppo agricolo nel rispetto delle risorse locali, della valorizzazione delle stesse, della difesa dell’ambiente e del rafforzamento dei piccoli produttori locali. Ucodep si dedica anche al supporto all’educazione primaria e alla tutela della salute locale, in un’ottica integrata di sviluppo locale.
Attualmente l’intervento di Ucodep in Ecuador è realizzato tramite gli uffici di Cotacachi e Lago Agrio. La mostra fotografica Ecuador: Colori e Volti, organizzata dai volontari Ucodep di Milano, vuole ripercorrere appunto l’esperienza di 15 anni di Ucodep in Ecuador attraverso la natura, le persone e i colori che caratterizzano questo affascinante e variegato Paese. Il gruppo dei volontari Ucodep di Milano organizza e propone attività a sostegno dei progetti di Ucodep in Ecuador.
Per saperne di più di Ucodep e delle attività dei gruppo di Milano:
gtmilano@ucodep.org – www.ucodep.org
credits foto: Andrea Cianferoni, Ilaria Lazzarini, Demostenes Uscamayta Ayvar/Ucodep ©

Dal 13 al 28 Novembre 2009

Centro Sociale Barrio’s
via Barona, ang. via Boffalora, Milano
Per Info: tel.0289159255 – fax0289158280 – barrios@comunitanuova.it – www.barrios.it

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La mano di Raffaella e di una donna boscimane

La viaggiatrice in solitaria e fotografa Raffaella Milandri al rientro dalla sua spedizione in solitaria in Botswana annuncia: “Il mio progetto immediato è mettere il mio operato e le mie opere al servizio di cause umanitarie. La Fotografia Umanitaria è uno strumento importantissimo per aiutare chi soffre. E’ uno specchio vivido e tangibile sulla realtà, senza trucchi o mistificazioni. E le potenzialità di sensibilizzazione e di aiuto concreto a chi ne ha bisogno sono tantissime, attraverso i media, mostre, proiezioni, aste di beneficenza, e collaborazioni con le ONG ( ndr Organizzazione Non Governativa, è una organizzazione indipendente dai governi e dalle loro politiche. Generalmente si tratta di organizzazioni non aventi fini di lucro che ottengono una parte significativa dei loro introiti da donazioni.)”
Chiediamo alla fotografa : come è nato per Lei il concetto di Fotografia Umanitaria?
Dice la Milandri, già autrice di una mostra sul lavoro minorile in India e di una mostra con asta di beneficenza a favore di un centro per anziani senzatetto del Nepal :
“ E’ stato un percorso personale che ha amalgamato diversi ingredienti. Passione per la fotografia e per il viaggio in solitaria. Attenzione estrema per i Paesi in sofferenza e in via di sviluppo, le culture in pericolo, i diritti umani violati. Curiosità innata, spirito di osservazione e capacità di adattamento alle situazioni estreme. Ho viaggiato scomodamente, ho scattato foto in condizioni difficili, ho mangiato spartanamente , ho dormito in modesti alloggi -ma sempre col sorriso -mischiandomi fra la gente, adeguandomi ad un diverso stile di vita e ad una diversa mentalità, assorbendo come una spugna costumi , atteggiamenti e sentimenti. Essere donna, pur se con molti rischi, mi ha fatto accettare e giudicare inoffensiva”
Continua la Milandri:
“Ho raccolto foto discrete, belle, bellissime. Ma sempre e soprattutto testimonianze.
Bambini al lavoro; donne in condizioni di sfruttamento e disagio; popolazioni indigene umiliate ed in pericolo; violenze ed ingiustizie. E’ così che approdo alla fotografia umanitaria. Ho raccolto in giro per il mondo un mare di sofferenza, ora il mio animo è greve di tanto dolore e ansioso di agire”
Come pensa di mettere in pratica i suoi programmi, e a chi darà la priorità negli aiuti?
“Prima di tutto sono disponibile per ONG e associazioni non profit, come dicevo, con il mio operato e le mie opere; poi ho focalizzato i primi due obiettivi precisi , per i quali agirò attraverso i media e una mostra fotografica. Il primo obiettivo è sostenere e promuovere la ratifica dell’Italia alla ILO 169, una convenzione internazionale a favore dei diritti dei popoli indigeni e tribali. Allo scopo ho anche già formato un gruppo su Facebook, stiamo inviando lettere di sollecito al Ministro Frattini.Siamo già in diverse centinaia. Il link è http://apps.facebook.com/causes/355059?m=cc366e79 ”
LA ILO E LA ILO 169.
La ILO , Organizzazione Internazionale del Lavoro(International Labour Organization) è l’ agenzia delle Nazioni Unite, con sede a Ginevra, che si occupa di promuovere il lavoro, in condizioni di pace, libertà, uguaglianza, sicurezza e dignità; gli Stati membri sono 179 , promuove i diritti dei lavoratori ed è responsabile dell’attuazione delle norme internazionali del lavoro, promuovendo pace, prosperità e progresso. L’Italia è stato membro e dal 1919 ha ratificato 111 Convenzioni internazionali. Ma non ancora la ILO 169. La ILO 169 mette per iscritto i diritti fondamentali dei popoli indigeni e “tribali” e si occupa di questioni d’importanza vitale :
garanzia dei diritti umani e delle libertà fondamentali; il diritto all’identità culturale e alle tradizioni comunitarie ;
il diritto alla partecipazione dei popoli interessati alle decisioni che li riguardano;
l’uguaglianza di fronte all’amministrazione ed alla giustizia;
il diritto alla terra ed alle risorse , all’occupazione ed a condizioni di lavoro adeguate .
I popoli che tuttoggi aspirano ad uguaglianza e a diritti sono : gli aborigeni australiani, i maori neozelandesi, i boscimani del Kalahari, gli Innu canadesi e tanti tanti altri(per non parlare della scottante situazione tibetana).
L’Italia nel 2000 ha rifiutato di aderire alla ILO 169 come la Germania, dicendo che non ha popoli indigeni che vivono nel Paese .
Riprende la Milandri: “Ma è molto importante che anche l’Italia, pur se non direttamente coinvolta, ratifichi la ILO 169 in quanto trattato universale a garanzia dei diritti delle popolazioni indigene. E’ una adesione doverosa e rispettosa dei diritti umani. Queste popolazioni hanno subito già stermini, abusi, privazioni, esili. Ora sono spesso tragicamente minati da alcol, AIDS, suicidi. Stanno perdendo la loro identità e hanno pieno diritto, dopo che le loro terre sono state usurpate per petrolio, oro, diamanti, uranio, legname, a recuperare la loro dignità e a mantenere le loro tradizioni, fortemente legate alla terra
ancestrale.”
Aggiunge la Milandri: “Non voglio che questi popoli e le loro tradizioni rimangano solo nei documentari o nei film. E’ sacrosanto fermare e combattere l’estinzione di popoli, culture, tradizioni.”
Sensibilizzare il Governo per la ratifica alla ILO 169, dunque, è il primo obiettivo.
E il secondo?
“ Ho avuto modo di appurare di persona il problema dei boscimani del Kalahari. E’ una questione ampia e complessa, ma l’urgenza ora è far aprire i pozzi d’acqua per quei villaggi isolati all’interno del Central Game Reserve. I boscimani (Bushmen) hanno vissuto per più di 22.000 anni in quei territori e molti di loro sono stati recentemente allontanati sulla base di programmi governativi di reinsediamento.
L’urgenza è far riaprire i pozzi per coloro che tuttora vi abitano, e poi permettere, a tutti coloro che vogliono, di ritornarvi. Vi è un tesoro di tradizioni e cultura in questo popolo, e va preservato: ma senza l’acqua non si vive. ”

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Tempo libero tra arte e natura

QUARTO APPUNTAMENTO

I MATINÉE: LE MOSTRE (ore 11)

Sabato 25 luglio, Ca’ Pesaro, Bernardì Roig – Shadows Must Dance

Domenica 26 luglio, Palazzo Fortuny, In-finitum

Ancora due matinèe dedicati alle mostre, nell’ambito della rassegna Week-end al museo, organizzata dalla Fondazione Musei Civici di Venezia. Sabato 25 luglio, dalle ore 11, è prevista la visita alla mostra allestita al primo piano di Ca’ Pesaro, Bernardì Roig – Shadows Must Dance, mentre domenica 26, sempre con lo stesso orario, appuntamento al Museo Fortuny con una nuova visita alla mostra Infinitum.
Di seguito le descrizioni dettagliate:

Sabato 25 luglio, Ca’ Pesaro, Bernardì Roig – Shadows Must Dance

Progetto concepito da Bernardí Roig, uno degli esponenti più importanti dell’attuale scena artistica spagnola, per Ca’ Pesaro: 15 sue opere – principalmente sculture, ma anche installazioni, disegni e video – messe in relazione con gli spazi e i capolavori del museo. Un dialogo attivo tra immagini del presente e del passato, che genera una trama di significati inediti e una nuova dinamica emozionale making shadows dance again.

Docente: Silvio Fuso

Domenica 26 luglio, Palazzo Fortuny, IN-FINITUM

In-finitum esplora la categoria dell’Infinito nelle sue diverse accezioni, dal non-finito all’illimitato, con un approccio multidisciplinare in cui arte, scienza e filosofia di ere e civiltà diverse si incontrano e si confrontano.

Molti sono gli artisti che si sono misurati con il tema dell’infinito, interpretandolo secondo concetti e rappresentazioni proprie alla cultura di appartenenza. In mostra sono presenti, tra le altre, opere di Francis Bacon, Joseph Beuys, Pierre Bonnard, Alexander Calder, Antonio Canova, Gérard Gasiorowski, Alberto Giacometti, Francesco Hayez, Anish Kapoor, Anselm Kiefer, Yves Klein, Francesco Lo Savio, Piero Manzoni, Mario Merz, Joan Miró, George Romney, Pablo Picasso, Auguste Rodin, Medardo Rosso, Diego Velasquez e molti altri, ma molteplici, quasi infiniti, sono gli stimoli, gli accostamenti, le interazioni con esiti diversi del pensiero e del fare artistico di tutti i tempi e i continenti. L’esperienza proposta seguirà le linee guida dell’esposizione che suggeriscono una lettura multidisciplinare del concetto di infinito inteso come percorso di conoscenza e viaggio spirituale.
Docenti: Caterina De March e Vittorio Pajusco

Le attività di Week-end al museo si suddividono come sempre in corsi e matinée: più impegnativi i corsi, che si svolgono in due giorni (sabato dalle 11 alle 17 e domenica dalle 10 alle 14), e offrono un primo approccio a tecniche artistiche diverse, più rapidi ma non meno stimolanti i matinée (sabato e domenica mattina) che, in due ore, offrono itinerari esclusivi anche in aree non aperte al pubblico, o visite guidate a particolari aspetti delle collezioni o alle mostre temporanee.
Come partecipare

Prenotazioni (obbligatorie) e informazioni: Fondazione Musei Civici di Venezia, Ufficio Attività educative, tel 0415236830 – 0412715911, dal lunedì al venerdì h. 9.00 /14.00 oppure education.musei@comune.venezia.it – Posti limitati

Costi

Corsi: 50 euro (compreso spuntino del sabato nelle caffetterie dei musei)

Matinée 15 euro per i due itinerari previsti ciascun week-end.

Info su modalità di pagamento: education.musei@comune.venezia.it; www.museiciviciveneziani.it

In allegato due immagini delle mostre al Museo Fortuny e a Ca’ Pesaro.

GLI ALTRI APPUNTAMENTI:

I MATINÉE (sabato e domenica, ore 11)

Il mito di Venezia a Palazzo Ducale: 12 e 13 settembre

Le mostre: 3 ottobre, Bernardì Roig – Shadows Must Dance; 4 ottobre, Museo Correr – Futurismo 100

Percorsi settecenteschi: 17 (Casa di Carlo Goldoni) e 18 ottobre (Ca’ Rezzonico)

Nei depositi del museo: 19 (Palazzo Mocenigo) e 20 dicembre (Museo di Storia Naturale)

I CORSI (sabato, ore 11 /17; domenica, ore 10 /14)

Palazzo Mocenigo – Il monogramma: laboratorio di pittura e ricamo: 19 e 20 settembre; 10 e 11 ottobre
Ca’ Pesaro – La stampa a matrice a rilevo. La tecnica della xilografia: 26 e 27 settembre; 12 e 13 dicembre

Museo Correr – Il libro d’artista: 24 e 25 ottobre; 28 e 29 novembre;
Ca’ Rezzonico – L’arcadia ritrovata: 7 e 8 novembre

Palazzo Mocenigo – Tessuti annodati. I tappeti Gabbeh

14 e 15 novembre

Fondazione Musei Civici di Venezia, Comunicazione e Ufficio Stampa: Monica da Cortà Fumei, Riccardo Bon, Piero Calore, Silvia Negretti, Alessandro Paolinelli, Sofia Rinaldi tel. +39 0412747607/08/14/18 fax /04; mkt.musei@comune.venezia.it; pressmusei@comune.venezia.it – www.museiciviciveneziani.it

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PAOLO SCHIAVOCAMPO – ANGELI AL CONFINO Il calendario di attività del Museo Civico di Maccagno, dopo alcune mostre tematiche e collettive, riprende il percorso espositivo monografico rivolto a personalità artistiche del nostro tempo e nel territorio dedicando una mostra personale a Paolo Schiavocampo. Nato nel 1924 a Palermo, Schiavocampo dapprima studia Architettura a Roma e a Milano, poi, preferito l’indirizzo d’Arte, si forma all’Accademia di Venezia, alla Scuola di Pittura di Guido Cadorin, e, allievo di Manzù, all’Accademia di Brera a Milano. L’esordio risale al 1950 a Roma alla Mostra Nazionale della Giovane Pittura Italiana. Inizia da allora un percorso lungo e intenso in campo internazionale e istituzionale con lunghi soggiorni all’estero a New York nel 1964 e in Germania a fine Anni ’90. Il percorso in pittura evolve dall’adesione poetica al Realismo Esistenziale degli Anni ’50 sino all’espressione informale, nell’assenza figurativa e nell’immediatezza di gesto e segno. Al sodalizio artistico con Salvatore Scarpitta e Giuseppe Spagnulo, coniuga anche una forte partecipazione intellettuale al fermento innovatore degli Anni ’60 e ’70, maturando sempre più i caratteri di una personalità nitida che, dagli Anni ’80 si rende isolata nella riservatezza del lavoro. Schiavocampo è protagonista e testimone dell’evoluzione artistica italiana, in particolare in ambito lombardo, nella seconda metà del XX Secolo. Dalla tematica sociale intesa in lettura realistica ed esistenziale, nel corso del tempo, ha maturato in pittura una visione poetica dell’isolamento intellettuale, della solitudine della ragione dinnanzi alla roboanza delle cose, attingendo frequentemente al mondo classico e ai primordi della filosofia. La scultura, in parallelo, palesa attinenze al principio architettonico e sviluppa costantemente il concetto di aggregazione, dialogo e confronto collettivo, nel modello civile di agorà. L’opera, anche se risolta in dimensioni contenute, reca evidente in sé l’ideale di grande sviluppo, di opera civica, piazza o spazio d’incontro. In tale prospettiva si è realizzata buona parte del lavoro di Schiavocampo, approdato alla committenza di grandi monumenti. Personalità ricca e composita, dedita alla letteratura e alla musica, attraverso lunghi anni di insegnamento ha inciso nella maturazione delle più giovani generazioni e ancora oggi rappresenta un punto di riferimento nel corso dell’arte e del pensiero artistico nel nostro tempo.

A cura di Claudio Rizzi, con coordinamento Ad Acta e Patrocinio di Regione Lombardia e Provincia di Varese, la mostra propone al pubblico una selezione di opere dipinte, circa quaranta, partendo da alcune citazioni degli Anni ’80 per proseguire poi nella coerenza di continuità degli ultimi anni. Un catalogo appositamente edito da Silvia Editrice, dotato di ampi apparati e completa documentazione delle opere esposte, illustra la figura e l’opera dell’artista. INAUGURAZIONE: Sabato 25 luglio 2009 ore 18 Maccagno (VA) Civico Museo Parisi-Valle Via Leopoldo Giampaolo, 1 Apertura al pubblico: 26 luglio – 20 settembre 2009 Orari: giovedì, venerdì, sabato, domenica e festivi 10-12 / 15-19 Clicca qui per scaricare il COMUNICATO STAMPA. Vergine in trono, 2007 Renana, 2008 s.t., 2007 Scudo, 2007 Ulteriori informazioni: Civico Museo Parisi-Valle – Maccagno – Tel. 0332/561202 – fax: 0332/562507 www.museoparisivalle.it – info@museoparisivalle.it www.claudiorizzi.com – www.arteadacta.com – adacta@tiscali.it

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PER APPROFONDIMENTI O PER ACQUISTARLO: http://www.archimagazine.com/bookshop/lbsegrefirenze.htm

I giardini, luoghi intrisi di memorie, rivelano non solo lo spirito dei tempi in cui furono realizzati, ma, e soprattutto, l’animo dei loro artefici e proprietari. Nella città di Firenze, infatti, proprio attraverso i piccoli eleganti parchi, che si celano all’interno delle antiche mura o che impreziosiscono le ondulate colline, si può leggere in filigrana una sorta di second life, fatta di ricordi e sensazioni, che si dipana attraverso i secoli per restituirci un’immagine diversa ed insolita di luoghi più o meno noti.
Questo libro non vuole essere una guida ai giardini fiorentini, ma raccontare per tracce leggere, proprio attraverso i giardini, alcuni personaggi e avvenimenti che hanno segnato la storia della città. Un itinerario fantastico dove il giardino è spesso lo scenario privilegiato, ove le emozioni diventano spazio e, come in un grande specchio, si colgono riflessi ed echi del passato in un evanescente palinsesto di memorie.
In sostanza una sorta di spirito dei luoghi, come aveva colto l’acuta mente dello scrittore Henry James durante una visita a Palazzo Corsini: “Nei luoghi dove si è vissuto così a lungo, secondo tali e tanti raffinati ed antichi costumi [...] il passato sembra aver lasciato un notevole sedimento, un aroma, un’atmosfera” 1. E questo tanto più vale per i giardini di Firenze, spazio rarefatto dove si sovrappongono storie, sentimenti, saperi e misteri.
E a cominciare proprio dal Rinascimento, quando s’iniziano a scoprire e a tradurre gli antichi testi di Ermete Trimegistro e di Platone, da cui prenderà vita “quel movimento culturale che caratterizzò la seconda metà del Quattrocento fiorentino, e che fu intriso di ermetismo e platonismo” 2, i giardini diventano la cornice di colte conversazioni, si pensi alle riunioni dell’Accademia Platonica, che avevano luogo alla villa medicea di Careggi per essere ospitate poi, alla morte di Lorenzo il Magnifico, nel giardino degli Orti Oricellari, e ancora portatori di segreti iniziatici, che si celano nello stesso disegno e arredo plastico – decorativo, come nella stupenda orchestrazione, dal grande vigore simbolico, della grotta degli animali nel giardino della villa di Castello.

Nelle ville laurenziane, alla corte del Magnifico, si celebra il tema del giardino d’amore e di Venere, già esaltato nelle splendide tele botticelliane, sottile rimando alla forza creatrice dell’Universo: l’eros, celebrato dai neoplatonici, ovvero il potere vivificante della natura che presiede al dinamismo degli elementi, la forza d’amore che trasforma le creature in essenze di bellezza. Antiche verità si nascondono, in un crescendo simbolico, all’interno di composizioni di grande valore artistico, come nella complessa decorazione del grande timpano che sovrasta l’ingresso della villa di Poggio a Caiano, dove il procedere narrativo rimanda ad una griglia di antichi miti e segrete risonanze a tuttoggi dalle insolute chiavi di lettura.
Ancora in pieno Cinquecento la magia dei quattro elementi che si nasconde, come una sorta di inno al canone della metamorfosi, nella superba allegoria della Grotta nel giardino di Boboli, traspare nella sottile trama del parco di Pratolino, a nord della città di Firenze sulla via che conduce a Bologna, ma alla città strettamente connesso come testamento spirituale di Francesco I dei Medici, il saturnino principe alchimista, e come espressione iconica della complessità della grande stagione manierista, dove la meraviglia e l’intrattenimento fantastico si coniugano con le segrete assonanze della pratica trasmutatoria alchemica. Una sorta di Disneyland manierista dove esseri mostruosi e fuori scala, antri oscuri, abitati da fantastici automi che si muovono al suono di musiche prodotte da congegni meccanici, e mille altri artifici nascondono complessi e antichi simbolismi.
Di diretta derivazione dalle meraviglie di Pratolino è la redazione seicentesca del giardino degli Orti Oricellari, ridisegnato sotto la sapiente regia del cardinale Giovan Carlo de Medici. Nel parco, che già vantava un passato all’insegna del magico con la precedente proprietaria Bianca Cappello e le sue intriganti notturne messe in scena, il tema del mostruoso, esaltato nella colossale statua di Polifemo, che si erge in mezzo al giardino, s’intreccia con quello della meraviglia, nascosto nella grotta che fa pendant con la stessa figura del gigante, in un’originale e complessa elaborazione dal sapore iniziatico.
Nel secolo dei Lumi, la nuova moda del giardino paesaggistico inglese, dalle complesse e simboliche tematiche, diffusasi fin dal XVIII secolo nell’Europa settentrionale, verrà recepita a Firenze in ritardo e in modo sommesso rispetto alle altre nazioni, dove invece la nuova tendenza nasconderà all’interno dei parchi intriganti percorsi iniziatici, segnati da fabriques e false rovine in una mirabile simbiosi di arte e natura.
L’architetto – filosofo Giuseppe Manetti, vissuto a cavallo tra il XVIII e il XIX secolo, è l’interprete del nuovo gusto del giardino all’inglese con la sistemazione del giardino Corsi, dedicato all’amicizia, come recita il grande cartiglio collocato a mò di manifesto sulla terrazza che si apre su via dei Serragli, e che sembra velatamente alludere ad un’ipotetica confraternita di uomini saggi.
Anche nel Parco delle Cascine, ridisegnato dall’abile mano dello stesso valente architetto, in occasione dell’apertura al pubblico del grande spazio verde, suggestioni colte lasciano intendere ben più alte spiritualità e rimandano ad antiche sacralità. Della maniera simbolica del Manetti, ancorché dei suoi progetti, sono indicativi gli scritti in cui traspare un antico sapere, come nel suo “Studio degli Ordini di Architettura” del 1808, dove sono frequenti i rimandi al testo esoterico “De Misteris” di Giamblico”3, e ancora nella relazione che accompagna il progetto, mai realizzato, della ristrutturazione della Villa di Poggio a Caiano per la principessa Elisa Baciocchi4, dove, quasi a voler raccogliere l’eredità del pensiero neoplatonico, la villa viene celebrata come luogo dedicato all’adorazione della Suprema Sapienza. Il grande tema della grotta, che si evidenzia, come tappa di un iter sapienzale, nel progetto del Manetti, peraltro rimasto sulla carta, della Villa del Poggio Imperiale ancora per la principessa Elisa, sarà invece recuperato, nel suo significato di allegorica discesa agli Inferi e successiva rinascita, dall’architetto Luigi Cambray Digny, erede e continuatore del filosofico architettare del Manetti, cui si deve la redazione del giardino Torrigiani e degli Orti Oricellari, rispettivamente per il marchese Pietro Torrigiani e per il marchese Anton Filippo Stiozzi. In entrambi i progetti si può leggere in filigrana una sorta di itinerario allegorico, ispirato al simbolismo di chiara impronta massonica, che si dipana tra gli inserti vegetali e gli apparati decorativi in un racconto di emblematiche metamorfosi, ad avvallare questa chiave di lettura è inoltre il fatto che sia il Cambray Digny che entrambi i committenti appartenessero alla consorteria segreta di filiazione francese presente nella città di Firenze con ben due logge, la prima, in ordine di tempo, intitolata a Napoleone e la seconda dedicata alla sorella Elisa. La loggia Napoleone, inaugurata nel 1807, raccoglieva, infatti, sotto la sua egida, il fior fiore dell’aristocrazia e dell’intellighentia fiorentina: il marchese Pietro Torrigiani, il senatore Ippolito Venturi, Piero dei Mozzi, il marchese Anton Filippo Stiozzi, il conte Guido della Gherardesca, il conte Girolamo de Bardi, accanto ai quali spiccano i nomi del dottor Paolo Mascagni, celebre professore di Anatomia, dell’incisore Raffaello Morghen e dell’architetto Luigi Cambray Digny.
Con il Cambray Digny si chiude la grande stagione di architetti filosofi, anche se Giuseppe Martelli, allievo preferito e pupillo del Digny, e che grazie a quest’ultimo aveva potuto svolgere un periodo di apprendistato a Parigi, sembra nei suoi primi progetti ricalcare le orme del Maestro, con evidenti accenni alle architetture rivoluzionarie d’oltralpe, ma che non avranno seguito probabilmente per la mancanza di una committenza sufficientemente sensibile a questi temi.
Ancora ispirato al simbolismo massonico è il giardino Stibbert a Firenze, ridisegnato dal suo proprietario Federico Stibbert, uomo colto e liberale, con l’inquietante tempietto egizio, vigilato da una teoria di enigmatiche sfingi, che si specchia sulle acque di un piccolo lago, e che segna il termine del percorso allegorico. Nel parco, dove è più che mai evidente come lo Stibbert sia stato il solo ideatore dell’intero complesso, il richiamo all’Egitto e alla sua simbologia, rimanda ancora alla consorteria massonica, cui faceva parte anche Federico Stibbert come adepto della fiorentina loggia Concordia, e nel cui alveo l’antica civiltà fiorita sulle rive del Nilo era, infatti, considerata la patria d’origine dei rituali iniziatici e dello stesso ermetismo.
Fra Otto e Novecento i giardini fiorentini inaugureranno un nuovo gusto, grazie alla comunità di stranieri, chiamati genericamente “gli inglesi”, che avevano eletto la Toscana e principalmente la città di Firenze a propria dimora, e che amavano soggiornare in ville circondate da grandi parchi. Questa nascente moda si deve anche ai mutamenti delle condizioni sociali, infatti, tra Sette e Ottocento, cambia totalmente il concetto di Grand Tour, fino allora prerogativa della classe aristocratica che, con il nuovo secolo, si allarga alla nuova generazione di borghesi ricchi. Firenze non è più una tappa di un lungo viaggio, ma diventa una sorta di seconda patria per molti stranieri.
Le ville della città di Firenze e delle sue amene colline, con i loro parchi e giardini dove aleggiano antichi fantasmi, diventeranno i luoghi di soggiorno preferiti dagli stranieri, attratti dall’atmosfera di libertà, che permetteva modi di vivere aspramente criticati dalla società inglese dell’epoca, ed allettati anche dal buon mercato della vita domestica, come Henry James notava nel 1877: “Sulla collina di Bellosguardo le ville sono innumerevoli e il forestiero non sente parlar d’altro [...] per lo più sono da affittare (molte credo in vendita) a prezzi inverosimilmente bassi: si possono trovare una torre con giardino, una cappella e una lunga distesa di trenta finestre per cinquecento dollari l’anno”.
Nel XIX secolo, infatti, molte delle ville più importanti risultano di proprietà di stranieri: Lady Scott, figlia del Duca di Portland vive a villa Capponi, il collezionista William Blondel Spence a villa Medici sulla collina fiesolana, Miss Bianca Light a villa i Cedri a Bagno a Ripoli, i Conti Crawford a villa Palmieri e ancora i Demidoff, dopo aver abbandonato la superba villa di San Donato a Polverosa, si erano stabiliti a Pratolino, gli Strogonoff alla villa di Quarto a Sesto, Olga Orloff viveva nel giardino degli Orti Oricellari e la principessa Ghyka alla Gamberaia.
“Firenze, – scrive il giornalista americano Wills5- la più gaia e bella delle città italiane, è il ritrovo degli stranieri di ogni parte del mondo. La società è un misto di tutte le nazionalità, un terzo circa di Fiorentini un terzo di Inglesi, e il rimanente Russi Tedeschi Francesi Polacchi e Americani in parti uguali. Gli inglesi ricevono parecchio, e danno la maggior parte dei balli e delle cene”.
Proprio sulle colline che abbracciano Firenze, una costellazione di ville si anima dei nuovi ospiti: poeti, scrittori e artisti che cercheranno e troveranno negli ineffabili orizzonti della città ispirazione per le loro opere e creazioni artistiche. “L’atmosfera di Firenze – rilevava Nathaniel Hawthorne a proposito del suo soggiorno fiorentino – almeno quando si ascende un po’ entro di essa, suggerisce delle speculazioni planetarie. Così la trovò Galileo, e Powers ed io penetrammo l’intero universo”.

SOMMARIO
Introduzione
CAPITOLO I – ALCHIMIA E ASTROLOGIA NEI GIARDINI MEDICEI
Un percorso iniziatico nel giardino di Boboli.
La celebrazione del giardino di Venere nella Villa di Careggi
I segreti di Cosimo I nascosti nel giardino della Villa di Castello.
Il Parco di Pratolino: testamento spirituale di un principe alchimista.
La Villa di Poggio a Caiano: la dimora filosofale di Lorenzo il Magnifico.
Le simboliche geometrie dell’Orto Botanico.

CAPITOLO II – GIARDINI SIMBOLICI E ALLEGORICI
Feste negromantiche e omicidi nel giardino degli Orti Oricellari.
Palazzo Serristori: un giardino sull’Arno.
Il giardino Corsi: un luogo consacrato all’amicizia.
Echi romantici e simbolismi massonici nel giardino Torrigiani.
Suggestioni arcane nel Parco delle Cascine.
Giardino Stibbert: l’elegante scenario di antichi saperi.
Gli Orti di Parnaso nel giardino dell’Orticultura.
La Grotta della Fata Morgana a Villa Il Riposo.

CAPITOLO III – GLI ANGLO-FIORENTINI A BELLOSGUARDO
Un tè all’inglese a Villa Brichieri-Colombi.
La Torre di Bellosguardo: ambito ritrovo della società mondana e cosmopolita.
I fantasmi della Villa di Montauto raccontati da Hawthorne.

CAPITOLO IV – ARTISTI E LETTERATI IN GIARDINO
Villa dell’Ombrellino: dove fiorisce l’ingegno.
Villa Romana: un atelier per artisti.
Musica e arte tra le mura del Convento di San Francesco di Paola.
Un pittore preraffaellita a Villa Lo Strozzino.
Il boschetto sacro di Villa Bellagio.
Villa Medici: un cenacolo di artisti e letterati.
I pomeriggi letterari di Vernon Lee a Villa il Palmerino.
Il rifugio del vate a Villa La Capponcina.
Una principessa nel giardino di Villa Gamberaia.

CAPITOLO V – IL FASCINO DEL PASSATO FRA RISCOPERTA E INVENZIONE
Il Paradiso in terra a Villa Palmieri.
Villa Gherardo-Ross: la dimora di un’affascinate lady inglese.
Villa La Torraccia: la cornice fantastica delle ‘Conversazioni Immaginarie’.
Il fascino del Medioevo nel Castello di Vincigliata.
Bernard Berenson: un collezionista d’eccezione a Villa I Tatti.
Un’eccentrica americana a Villa Curonia.
Il belvedere del Giardino Bardini.

CAPITOLO VI – TRA LE OMBRE DEL TEMPO: AMORI, SEGRETI E SEPOLCRI
I passatempi del Cardinale a Villa di Lappeggi.
Villa La Quiete: l’ameno ritiro dell’ultima principessa medicea.
Paolina Bonaparte a Villa Fabbricotti.
Villa Oppenheim-Cora: la lussuosa dimora di una baronessa innamorata.
Il Cimitero degli Inglesi: l’isola dei morti.

Bibliografia essenziale

PAOLA MARESCA, architetto è nata a Firenze dove vive e lavora. Entrando nella redazione della rivista Psicon, diretta da Eugenio Battisti sviluppa il suo interesse per il simbolismo nell’architettura.
È autrice di numerosi saggi su libri tra i quali: Lo Stanzino del Principe in Palazzo Vecchio (1980), Firenze. La cultura dell’utile(1984), Alla scoperta della Toscana lorenese. Architettura e bonifiche (1984), La fortuna degli Etruschi (1985), Il giardino romantico (1986), Il concerto di statue (1986), Gli Orti di Parnaso (1989) e articoli su riviste specializzate quali Psicon e Arte dei Giardini. Storia e Restauro. Da alcuni anni in funzione del compito istituzionale del proprio Ufficio si occupa di beni culturali partecipando anche a convegni in Italia e all’estero su questo tema. Ha pubblicato “Boschi sacri e giardini incantati”(1997), “Giardini incantati, boschi sacri e architetture magiche” (2004), “Giardini, mode e architetture insolite”(2005), “Giardini, donne e architetture”(2006) e “Giardini simbolici e piante magiche”(2007). Dirige inoltre i Quaderni “Giardino e Architettura”.

PER APPROFONDIMENTI O PER ACQUISTARLO: http://www.archimagazine.com/bookshop/lbsegrefirenze.htm

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NEXTARTGALLERY

presenta:

LIDIA BACHIS, PINO SETTANNI, PIERO STEINLE

a cura di Fabio Migliorati

Bergamo
via della Fara, 13
sabato 9 maggio-domenica 21 giugno

Conclusa la personale dell’opera di Milena Jovicevic Popovic, Next Art Gallery stimola ora la riflessione sul tema del sorridere. La sede bergamasca è, infatti, il luogo prescelto per un’esposizione del lavoro di tre artisti: Lidia Bachis, Pino Settanni, Piero Steinle…
L’arte contemporanea ha poco a che fare con l’estetica intesa come riferimento alla bellezza. Da qualche anno, tuttavia, si avverte l’esigenza di formalizzare in qualche maniera il contenuto dell’espressione artistica, almeno postmoderna. Lo stato delle arti visive, oggi, necessita di quel mirabile status tanto inseguito dall’inizio del Novecento da tanta parte della critica; quella che, a ora pare rassegnata, esausta, arrendevole. E la cedevolezza si concreta nei riguardi della libertà assoluta: un caos indistinto perfino da se stesso, indefinibile perché definito linguistico, semantico, significante.
Al posto della bellezza, allora… linguaggio, di cui il piacere è una possibilità!
Piacere del sorriso, dunque; a costituire l’esperienza di un esempio, un gesto emblematico in tre versioni espressive dissimili: sia nella forma, sia nel contenuto. Si tratta di tecniche differenti, per differenti stili interpretativi. La traduzione di un messaggio attraverso la pittura (Bachis), la fotografia (Settanni), il video (Steinle); e la tematica è argomentata per via di un approccio rispettivamente emozionale, simbolico, ideale.
Lidia Bachis propone dieci dipinti a olio su tela, realizzati con l’intento di raccontare il sorridere in varie pose; indifferenza o partecipazione, quel sorriso risulta affermativo, incisivo, diretto a una via d’accesso corporea fino alla mente. La linea è confusa fra colore e volume, senza emergere dall’uso sintetico dell’elargire materia sulla superficie; è quasi liquido, appena coagulo per sagome o fisionomie, restando sì espressionistico ma al confine fra descrizione e simbologia.
Pino Settanni è diretto discendente della tradizione fotografica internazionale e, più precisamente, dell’atmosfera pop che colora (Roma) negli anni Sessanta: bocche, volti, mani assurgono al ruolo di indizi per la considerazione dell’immagine in sé. E questo nella versione antropologica della narrazione, poiché bocche, volti, mani sono ciò che sembrano: magneti per una concezione del rapporto perfezione/imperfezione, alla stregua di un clima culturale in grado di determinare prospettive, profondità o gamme dietro alle quali osservare e, quindi, vedere la vita.
Piero Steinle si confronta con il senso del sorriso da una certa distanza. Indaga il tema con l’arma della riflessione indotta, cercando una relazione con l’esterno connotato ai condizionamenti della società – resa capace per l’interazione informativa che la caratterizza. Sorridere corrisponde addirittura alla negazione del sorridere, mentre diventano fondamentali le coordinate dell’ambiente scenico; l’agire necessita di contesto e si nutre di reazione, per esempio. Assume rilevanza, così, lo sviluppo di un concetto in un quadro spaziotemporale, di là del motivo medesimo.
Estetica del sorriso vuol dire libertà di pensare l’effetto del piacere manifestato: tre personalità rivelano allora sensibilità disuguali, legate, però, alla volontà di confrontarsi con un tema impopolare; un tema che subisce una discendenza, in attesa di proseliti (consapevoli o no).

estetica del sorriso
LIDIA BACHIS, PINO SETTANNI, PIERO STEINLE

Pino Settanni, fotografia: 70×100, 1968

vernissage sabato 9 maggio h 18.00

presentazione critica di:
Fabio Migliorati

NEXTARTGALLERY
Via della Fara, 13 – 24100 Bergamo
Via della Bicchieraia, 20 – 52100 Arezzo
call 335 5357316
www.nextartweb.it
info@nextartweb.it bergamo@nextartweb.it

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Rosae Photo Day, Sabato 20 Giugno giornata dedicata alla fotografia a Castello Quistini

Sabato 20 Giugno si terrà la terza edizione dell’evento dedicato alla fotografia nella meravigliosa cornice dei giardini di Castello Quistini a Rovato (Bs).

Il programma della giornata, suddiviso in due sessioni prevede:

1-ROSAE PHOTO DAY Events:

Dalle ore 12,00 alle 16,00 si terranno una serie di incontri, proiezioni e dimostrazioni tenuti dai migliori fotografi del momento in collaborazione con le aziende più importanti del settore fotografico.

Apple, in collaborazione con il nuovo negozio White Store di Brescia terrà seminari gratuiti riguardanti i sofware più utilizzati dai fotografi;

Gli appassionati e i curiosi potranno assistere gratuitamente a workshop di Final Cut, software creato da Apple e rivolto al montaggio di filmati digitali e Aperture, potente strumento di gestione, catalogazione e presentazione delle immagini

Saranno ospiti inoltre le migliori aziende del settore fotografico che, in collaborazione con il negozio Vigasio di Brescia, metteranno a disposizione attrezzature fotografiche per prove, test e dimostrazioni.

Il programma della giornata si arricchisce di novità costantemente, potrai trovarlo all’interno del sito internet del Rosae Photo Day www.rosaephotoday.com.

INGRESSO LIBERO a chi verrà accompagnato da una macchina fotografica.

2-ROSAE PHOTO DAY Workshop:

Dall’alba al tramonto si terranno quattro workshop diversi tra loro:

WORKSHOP MACRONATURA: Dopo il successo della scorsa edizione torna Manuel Presti, fotografo romano eletto miglior fotografo di natura del mondo dal prestigioso concorso “Wildlife Photographer of the Year” edito dalla BBC (2005), e pubblicato sulle più importanti riviste italiane e internazionali dedicate al mondo della fotografia tra le quali il National Geographic che affronterà le tecniche e i segreti della macrofotografia naturalistica.

Per tutte le info: www.rosaephotoday.com

WORKSHOP VIDEONATURA: Workshop video, dalle tecniche di ripresa al montaggio video, che si svolgerà in parte alle Torbiere del Sebino e in parte a Castello Quistini con il famoso videomaker Paolo Costa, autore di oltre 60 documentari realizzati per numerosi programmi televisivi RAI come Geo&Geo, Alle falde del Kilimangiaro, ect..

Per tutte le info: www.rosaephotoday.com

STAGE AMBIENTEFIGURA: Tra i giardini e le sale di Castello Quistini, una giornata a fianco del famoso e innovativo fotografo Emanuele Sironi per la realizzazione di un progetto fotografico comune in cui i partecipanti vivranno in prima persona l’esperienza di lavorare con l’artista, la sua modella ed i suoi collaboratori: assistente, stylist, parrucchiere, truccatore; dalla progettazione alla realizzazione dei set fotografici fino alla fase degli scatti e concludendo con un confronto sulle immagini realizzate.

Per tutte le info: www.rosaephotoday.com

WORKSHOP STILL-LIFE: L’esperto Ludovico Fossà affronterà il concetto di Still life con analisi ed esempi, per passare alla realizzazione di una fotografia di un oggetto, fino alla fase di post-produzione.

Per concludere i partecipanti svolgeranno un esercizio finalizzato a prendere coscienza attiva delle procedure apprese durante il workshop.

Per tutte le info: www.rosaephotoday.com

Per ricevere ulteriore materiale la preghiamo di contattarci.

Segreteria organizzativa:

www.rosaephotoday.com

Andrea Mazza

tel. 339 1351913

info@andreamazza.com

Organizzazione tecnica:

www.rosaephotoday.com

Carla Cinelli

tel. 339 5656777

carla@carlacinelli.com

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Venerdì 17 Aprile 2009 alle ore 20,00 sarà inaugurata la Mostra Fotografica Personale di Virgilio Giuricin di Rovigno (Croazia) dal titolo “Il tramonto di un’epoca” presso la Galleria FIAF – Le Gru (Corso Vitt. Emanuele,214) di Valverde (CT).

La mostra sarà presentata da Giuseppe Fichera (Presidente del G. F. Le Gru), da Enzo Gabriele Leanza (Consigliere Nazionale FIAF) e da Santo Mongioì (Delegato Regionale FIAF); la stessa sarà possibile visitarla tutti i venerdì e lunedì fino all’11 Maggio 2009 dalle ore 20,00 alle ore 21,30.

Ulteriori informazioni sull’attività del Gruppo su www.fotoclublegru.it

Di seguito il testo a cura di Tullio Vorano

il tramonto di un’ epoca

OMAGGIO AI MINATORI PERITI NELLA MINIERA DI ALBONA (ISTRIA)

In Istria, Croazia, nell’ Albonese, la fine del secolo e del millennio è stata contraddistinta anche dall’estinzione di un processo produttivo estremamente significativo: la chiusura delle miniere di carbone. Da queste parti le attività minerarie iniziarono già nel diciassettesimo secolo – i primi cenni d’archivio fanno riferimento all’anno 1626 – e dunque al periodo dell’amministrazione Veneta. Tempi in cui quaranta minatori o poco più, con attrezzature e tecnologie d’epoca, erano in grado di estrarre ogni anno fino a 500 tonnellate di carbone. In seguito, dopo alti e bassi, momenti di gloria e momenti di crisi e di profonda recessione, sotto l’amministrazione austriaca ma soprattutto sotto quella italiana, si registrò un vertiginoso aumento della produttività fino a che, negli anni ’40 del secolo scorso, le miniere albonesi arrivarono a dare impiego a oltre diecimila minatori, per raggiungere e addirittura superare il milione di tonnellate di carbone annue che venivano estratte. Si trattava dunque, a tutti gli effetti, di un vero colosso industriale. Grazie all’avvio della produttività in cave moderne, le Miniere d’Arsia divennero famose sia a livello nazionale sia a livello mondiale.

Erano tempi in cui il cosiddetto «oro nero» rappresentava una fonte d’energia straordinaria, che spronava lo sviluppo dell’industria e del traffico. Nel contempo le Miniere Istriane realizzarono tutta una serie di iniziative che influirono profondamente e a volte anche del tutto, sull’ambiente anche al di fuori del complesso industriale. La bonifica del lago di Cepich, le irrigazioni della valle di Carpano e della valle del fiume Arsa, offrirono all’agricoltura una non indifferente possibilità di progredire grazie all’ampliamento dei terreni coltivabili ma si pensò anche a nuovi spazi edificabili destinati alla costruzione di case e abitati e nacquero nuovi centri urbani. Citiamo ad esempio Arsia, cittadina – modello, creata su progetto dell’abile architetto triestino Gustavo Pulizer Finali. Nel corso del XIX e del XX secolo, dunque, l’attività mineraria influì in modo incisivo e diretto sulla vita nell’ Albonese ma anche di tutta l’Istria, per non andare oltre. Il tramonto definitivo di quest’ epoca avvenne ai giorni nostri, nel 1999, quando anche l’ultima miniera di Tupliaco che operava in ambito all’azienda «Miniere Albonesi Tupliaco», venne chiusa dall’amministrazione croata.

Con la macchina fotografica, sua fedele compagna, nella primavera di quel fatidico anno, pochi giorni prima che cessassero le attività produttive, Virgilio GIURICIN, esimio maestro di fotografia artistica, scese in più occasioni nelle viscere delle miniere di Tupliaco per immortalare nell’arco di due settimane, a profondità tra i 250 e i 300 metri, gli ultimi momenti di vita della miniera. Come mai questo suo interessarsi alle miniere? In oltre cinquant’anni di carriera fotografica Giuricin aveva già fotografato tutto o quasi tutto. Dalla terra e dal cielo, al di sopra e al di sotto del livello del mare. Mancava dunque, nel suo albo, soltanto il sottosuolo. Ma la ragione non era soltanto questa; ce n’era anche un’altra. Da ragazzo, nell’immediato dopoguerra, nel periodo dell’ex Jugoslavia, Giuricin prese parte alle cosiddette «brigate del lavoro volontario» che a quei tempi venivano inviate in Istria, in maniera organizzata, in aiuto ai minatori, in quanto c’era carenza di manodopera. E Giuricin restò profondamente impressionato dalla solidarietà e dall’incredibile collegialità che contraddistingueva il lavoro in miniera. Ogni minatore non badava soltanto alla propria sicurezza e dell’incolumità del collega più prossimo ma era pronto ad accorrere in aiuto, ad ogni istante, anche tutti gli altri, a costo di rischiare la vita. Un’atmosfera da cameratismo dunque, che difficilmente si riscontra in altri ambienti e in altre situazioni. Fu un’esperienza che affascinò a tal punto Giuricin da indurlo a ritornare in miniera. Questa volta però non più armato di pala e piccone ma di una macchina fotografica, per immortalare per sempre, per sè e per gli altri, quel mondo sotterraneo mistico, eccitante, magico.

Nacque così questo nuovo ciclo di fotografie che giustamente porta il titolo «Il tramonto di un’epoca». Con questo progetto Giuricin ha voluto rendere omaggio a tutti i minatori, ma ha voluto anche onorare i tantissimi minatori scomparsi: dove a perire nel corso delle attività secolari delle miniere istriane furono più di un migliaio. A volte in singoli infortuni, altre volte di immense tragedie; come quella del 20 febbraio del 1940, quando al termine dell’orario di lavoro del turno di notte, si udì una violenta esplosione. Provocò la morte istantanea di 186 e il ferimento grave di altrettanti minatori che in seguito, dopo strazianti e lunghe agonie, morirono in ospedale. Un altro grave lutto si abbatté sui minatori del 1948: in quel fragoroso scoppio i morti furono almeno una ventina. L’esatto numero delle vittime non si seppe mai perchè il regime di allora tentò di minimizzare le conseguenze del tragico evento, considerandolo da una parte come una vergogna e dall’altra come un possibile atto di sabotaggio nemico. Tra le vittime c’era infatti anche un buon numero di prigionieri di guerra tedeschi.

Giuricin deve la sua fama soprattutto per la sua fotografia a colori, le sue sperimentazioni cromatiche, innovative e creative, ma anche profondamente sensitive. Questa volta però, egli ha dovuto forzatamente abbandonare il colore. Nella miniera, dove c’è la preponderanza assoluta e il dominio incontrastato del nero, è risultata più che naturale questa sua scelta monocromatica. Ne ha guadagnato però l’espressività, l’essenzialità e se vogliamo la sincerità del suo racconto. D’altro canto invece, Giuricin è rimasto fedele e conseguente a se stesso ed al suo concetto di immaginare l’immagine. Rivivendo la vita in miniera e condividendo con i minatori la sorte si è immedesimato del tutto con la realtà e ai minatori ha effettivamente tastato il polso. Ha potuto farlo perchè, già partendo da casa per recarsi da Rovigno alla miniera, ha riflettuto a lungo su ciò che voleva. E avendo già deciso, una volta sceso nel sottosuolo non ha dovuto far altro che scattare: era sicuro di sè. Sono nate così ottanta immagini riflettute, ben scelte per rappresentare questo ciclo produttivo così particolare, senza bisogno di ricorrere a mille scatti e a mille provini, come avrebbero fatto al posto suo molti altri fotografi. Si tratta dunque di fotografia estremamente razionale, che non permette nè sorpresa nè improvvisazione, ma nel contempo illustra i momenti salienti di ciò che è oggetto dell’interesse dell’autore: questa particolare attività dell’uomo.

Come conseguenza logica di questo processo razionale e creativo, volendo rendere tutto più reale e d’effetto, Giuricin ha avuto la geniale idea di abbinare alla parte visiva del suo lavoro anche un sottofondo acustico. É riuscito così a registrare grazie all’aiuto dei tecnici, fuori e dentro la miniera, tutti i suoni caratteristici per questo duro lavoro. Ricorrendo all’uso di utensili del mestiere ha inoltre realizzato delle installazioni. Tra queste è particolarmente espressiva quella che porta il titolo «Luce nelle tenebre», che esprime fedelmente la sensazione del buio della miniera e nel contempo la forza sovrumana del minatore che riesce a superare ogni difficoltà.

Oggi tutto ciò che Giuricin ci fa vedere e udire appartiene al passato. Nelle miniere albonesi sono ritornate le tenebre e l’acqua ha invaso tutte le gallerie. Quel che rimane è questa fedele e creativa documentazione di Giuricin che, con questo suo nuovo ciclo, si ripropone ancora, chissà per quale volta, da grande, esclusivo fotografo istriano e da artista polivalente e completo. Questo progetto di Giuricin rappresenta una preziosa, autentica e irripetibile testimonianza di un’attività industriale che fu estremamente importante per l’Albonese e che oggi non esiste più per cui la sua è un’impresa che assume anche maggior valore poiché indica, in modo dignitoso e convincente, la maniera più adeguata da seguire per salvaguardare e valorizzare perennemente il ricco patrimonio minerario albonese.

Tullio Vorano

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Note biografiche dell’Autore:

VIRGILIO GIURICIN, MFIAP, HonEFIAP

Virgilio GIURICIN, ULUPUH, MFIAP, HonEFIAP. Artista – Fotografo – Gallerista è nato nel 1934 a Rovigno d’Istria (Croazia). Ha conseguito la maturità della Scuola media tecnica ed ha concluso la Scuola d’arte applicata (fotografia e design) a Torino.

Si occupa di fotografia sin dalla prima giovinezza ed espone dal 1952. Cronista fotografico da oltre tre decenni, ha collaborato con foto, presentazioni e articoli con il quotidiano in lingua italiana “La voce del popolo”, con la rivista “Panorama” della Casa editrice “EDIT” di Fiume (Croazia) e, con l’emittente televisiva TV Koper di Capodistria. Dal 1973 al 1976 è stato caporedattore responsabile del mensile “Sottolatina” di Rovigno. Dal 1971 al 1978 ha lavorato presso il Museo Civico di Rovigno con la mansione di segretario e fotografo documentarista.

Dal 1979 Virgilio GIURICIN si occupa professionalmente di fotografia e design industriale.

Ha pubblicato oltre 120 cataloghi di mostre. Nel 2008, grazie al suo contributo e progettazione grafica realizza il libro di fotografia “Maîtres FIAP Masters”, dove sono pubblicate le opere fotografiche di 130 autori maestri della Fédération Internationale de l’Art Photographique.

Giuricin è membro della Colonia Artistica di Rovigno, di cui è stato presidente dal 1975 al 1978.

Nel 1989, in onore del 150º anniversario della nascita della fotografia, è stato selezionato a presentare la (ex) Jugoslavia all’esposizione mondiale “FOTO – CINE” che si è svolta al Museo d’Arte Moderna “Georges Pompidou” di Parigi.

Per la sua attività fotografica e quella organizzativa la FIAP gli ha concesso i seguenti riconoscimenti: AFIAP nel 1983, ESFIAP nel 1993, EFIAP nel 1996, MFIAP nel 2005 e HonEFIAP nel 2008.

Nel mese di febbraio del 2005 è stato convocato dal Comitato Organizzatore dell’esposizione “Pietra d’Istria” quale autore di rappresentazioni ambientali e paesaggi. L’esposizione è stata realizzata nel mese di giugno 2005 a Trieste nel Museo di Canal Grande in collaborazione tra il Ministero per i Beni Culturali e l’Università di Trieste.

Egli nel 1985 è il fondatore della Photo Art Gallery “Batana” di Rovigno dove ha allestito oltre 300 mostre personali e collettive di autori affermati in tutto il mondo; ha realizzato e allestito 20 saloni internazionali e organizzato 5 convegni internazionali.

Nel 1990 ha fondato il Centro Arti Visive (CAV) “Batana” di cui è presidente.

Fino ad oggi ha allestito 154 mostre personali in 79 diverse città di 24 stati. Ha partecipato a 616 mostre collettive, di cui 178 nazionali e 438 internazionali in 62 diversi stati.

Per la sua attività espositiva gli sono stati conferiti più di 160 premi e riconoscimenti.

Nel 2007, Il Presidente della Repubblica Giorgio Napolitano, gli ha conferito l’onorificenza di “Cavaliere della Repubblica Italiana”, per la sua pluriennale attività artistica e meriti conseguiti alla costante promozione dell’Arte fotografica Italiana nel mondo.

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L’A.F.I. – Archivio Fotografico Italiano e l’Associazione Culturale Click Art’s fotografia, sempre più attive nel promuovere la fotografia di ricerca e la giovane fotografia, in collaborazione con  EPSON-Sponsor Tecnologico e con il patrocinio del COMUNE DI CASTELLANZA (VA), organizzano dal 24 maggio al 7 giugno 2009 la 7a Festa della Fotografia d’Autore. L’iniziativa si terrà presso l’antica Villa Pomini, sita in via Don Luigi Testori 14 a Castellanza, noto centro d’arte e cultura della provincia di Varese,  con il seguente programma:

Mostre Fotografiche:  24 maggio – 7 giugno 2009  – Villa Pomini

Paesaggi Umani – Massimo Vitali

“Le immagini devono avere una dimensione magica, in cui si incontrano a volte spunti sociologici e lucidi e dove si elaborano strutture narrative. Sono soddisfatto quando la lettura delle miei foto è complessa e contraddittoria, e sono curioso fino al limite del voyeurismo, affascinato dal comportamento degli individui, pur senza cerca di comprenderne il significato. Il mio intervento è neutro, non faccio che registrare: attendo che le cose mi accadano davanti perché le cose che succedono definiscono l’immagine. L’esperienza  fotografica diventa una pratica aperta per un’esperienza del mondo”.  Con questa riflessione Vitali presenta il suo lavoro, apprezzato e conosciuto a livello internazionale. Una mostra di stampe di grande formato, realizzate appositamente da EPSON, per il calendario da collezione 2009, selezionate dall’autore con cura e passione.

Massimo Vitali, nato a Como nel 1944, è toscano d’adozione e vive a Lucca. Studia fotografia al London College of Printing, Negli anni ’60 inizia una carriera come fotoreporter che, grazie anche all’incontro con Simon Guttmann, fondatore dell’Agenzia Report, lo porta a lavorare per riviste e agienzie italiane ed europee. Negli anni ’80 gira anche dei film per la televisione la pubblicità.  Dal 1995 si dedicata alla fotografia come ricerca artistica, iniziando la serie sulle spiagge, sviluppata come strumento originale per ritrarre il mondo. La sua abilità nel mostrare paesaggi e masse di gente con dettagli narrativi e formali a volte esaltati da sfondi quasi impalpabili, fa classificare i suoi lavori come paesaggi umani contemporanei.

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Anime in Rosso – Mario Chiodetti

La mostra “Anime in rosso” ricapitola un lungo lavoro di studio che il fotografo Mario Chiodetti ha compiuto sull’opera dell’amico pittore Luca Lischetti, una ricerca che vuole reinterpretare le figure enigmatiche e inquietanti dell’artista attraverso il filtro dell’immagine fotografica.

Con l’ausilio di una modella, Magda, Chiodetti ha compiuto un’operazione di sintesi, immergendo nel rosso delle grandi tele lischettiane la morbidezza di un corpo femminile ma con le medesime caratteristiche cromatiche dei “totem” del pittore, larve d’uomo con il volto di maschera.

«E Lischetti si presta, la sua anima da pittore non si tira indietro di fronte al corpo umano, come fosse un Ives Klein ma meno metafisico e più ruspante o un Piero Manzoni che non ha le fisime dell’avanguardia. Si diverte, insomma, a trattare con mano quando normalmente tratta di sega elettrica. Chiodetti intanto scatta e gira intorno alla scena, come il cacciatore. Sa che la creatura deve acquistare una sua vitalità in relazione all’opera, all’ambiente, deve prepararsi al suo ruolo cui è chiamata e legata: la statua vivente che prova a dare un senso altro a quelle creature immobili e impassibili», scrive nella presentazione al catalogo il critico d’arte Riccardo Prina.

«Da tempo pensavo di inserire la figura umana nelle tele di Luca, che mi hanno sempre affascinato per la loro potenza espressiva», spiega Chiodetti, «e grazie a Magda, una modella polacca che già aveva avuto esperienza di body painting, ho tentato l’esperimento, vissuto da noi tre come un divertissement. Poi è nata l’idea di una mostra, sollecitata anche da Giuseppe Biselli, fotografo e giornalista, appassionato collezionista di automobili d’epoca, e direttore del settimanale “Cronaca Vera”. La mostra consta di cinque grandi stampe su supporto di alluminio e altri lavori più piccoli assieme a una figura di Luca e ad altre sue tele di dimensioni ridotte».

Un “incrocio di mani” tra il fotografo e il pittore all’insegna di un colore, il rosso, nuovo per il fotografo, di solito più a suo agio con il bianco e nero, una sfida da evidenziare alla fine, con la tecnologia ultima della stampa fotografica digitale.

In mostra il catalogo con i testi di Riccardo Prina, del gallerista Giuseppe Biselli e dello stesso Chiodetti, curato dalla grafica Benzoni ed edito da Arterigere.

Mario Chiodetti è nato a Varese dove vive e lavora. Giornalista e fotografo professionista freelance, ha collaborato con quotidiani e periodici tra cui “Airone”, “Qui Touring”, “Focus”, “Il Venerdì di Repubblica”, “Donna Moderna”. Attualmente è editorialista e curatore delle pagine culturali de “La Provincia di Varese”. Autore di libri fotografici come “Il lago perduto” e “Color di Provincia”, ha scritto testi per cataloghi d’arte e libri di fotografia.

Un altro Vedere – Fotografie stenopeiche di Massimo Stefanutti

Lensless ?

La forma interrogativa è  d’obbligo: c’è una effettiva e concreta ragione per fotografare con uno stenopeico (e cioè senza l’obiettivo o, meglio, le lenti) invece che con una normale macchina fotografica, analogica o digitale che sia?

Una delle risposte più comuni a questa domanda fa espresso riferimento alla c.d. pratica stenopeica e cioè ad una sorta di ” rito ” , variamente identificato (senza voler esser esaustivi) con la particolarità della macchina  utilizzata, dalla pretesa antitecnologicità del mezzo, da un situazione di lentezza nel fotografare in opposizione ad una velocità nell’ordinario mezzo usato (soprattutto se digitale), alla necessità di operare con un  processo manuale di ripresa complicato e laborioso,  ecc.

Pochi  riflettono  – prima di tutto – sulla struttura tecnologica di una macchina stenopeica e assolutamente nessuno mette in rilievo come lo  stenopeico (intendo il solo foro) abbia una propria caratterizzazione prima naturale e poi simbolica. In fondo si tratta solo di un piccolissimo buco  analogo a tanti altri esistenti in natura o artificialmente creati: da quelli nelle rocce a quello della  serratura.

Spesso il risultato finale non è quello immaginato o sperato (uso questi termini con cognizione di causa).

L’immagine finale contiene, molte volte, più di quanto ci si immaginasse  anche se, spesso, ha  molto meno di quanto si volesse: un’ottima applicazione dell’inconscio tecnologico, secondo il pensiero di Franco Vaccari. E ciò con buona pace di tutti coloro che credono nella assoluta e perfetta previsualizzazione dell’immagine: concetto ora ancor più smentito  dalle fotocamere digitali (quanto meno quelle compatte in uso alla maggior parte del popolo fotografico) nelle quali “si  guarda e si vede” direttamente in un piccolo schermo ma, in concreto, non si pre-visualizza alcunché in quanto l’immagine è in movimento e non ferma; in sintesi, si post-visualizza.

L’assenza della mediazione dovuta dalla lente inibisce all’immagine la fruizione di una serie di strutture formali – che ci si attenderebbe  ritrovare una normale fotografia – prima di tutto la messa a fuoco.

E non solo: la prospettiva non è più quella del Brunelleschi, l’ampiezza della focale non è più riconoscibile, le masse hanno rapporti disconosciuti, le proporzioni delle cose all’interno dell’immagine sono assolutamente incongrue, la riconoscibilità  del soggetto rasenta sovente il paradosso ed il senso di spaesamento è fortemente marcato. Tutto questo costituisce un punto di forza dell’immagine ottenuta e l’analisi non può essere condotta con certi parametri estetici.

Allo stenopeico il tempo come istante non interessa: non deve confrontarsi con momenti decisivi veri o falsi che siano; capisce l’assoluta equivalenza di qualunque momento rispetto ad un altro e rivela lo stato delle cose, in una prospettiva assolutamente simbolica; opera (a causa dei tempi di esposizione spesso molto lunghi) in una situazione  di tempo dilatato nella quale il passato non è ancora passato ed il presente non è del tutto presente.

Con questi riferimenti  si possono capire le immagini stenopeiche attuali: ma il discorso non sarebbe completo se non si facesse mente locale a questa fotografia come ad una “fotografia dell’oscurità“.

Il nero catramoso accanto a bagliori accecanti, il tono basso, una specie di tunnel visivo dato dalla caduta della luce verso i bordi dell’immagine, i soggetti criptici e quelli che fanno pensare alla morte,  l’incertezza della visione, conferiscono una patina misteriosa a queste icone segnate da qualità oniriche e magiche, riconducibili ad un fitto dialogo con gli  archetipi della nostra memoria individuale o collettiva.

“Foro negletto” secondo J.H. Wandell e  “Crudele spazio stenopeico ” secondo Paolo Gioli e, come tutta “La Fotografia, per le sue due origine extra-umane, al punto di congiunzione dell’arte e della filosofia“, secondo Jean-Claude Lemagny. (Massimo Stefanutti)

Massimo Stefanutti, avvocato, specializzato in diritto della fotografia, nasce a Venezia nel 1957, dove vive e lavora. E’ tra i maggiori autori internazionali di fotografia stenopeica, ed è membro dell’Osservatorio Italiano per la Fotografia Stenopeica presso il Musinf di Senigallia.

Ha esposto personali in prestigiosi spazi in diverse parti d’Italia, partecipando a manifestazioni nazionali di rilievo di arte e fotografia contemporanea.

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Sguardi sul Set - Marina Alessi

In Effetto notte (La nuit americane, 1973) François Truffaut aveva voluto anche il fotografo di scena nella piccola troupe impegnata nella realizzazione di Vi presento Pamela – film nel film -  affidandogli una eloquente funzione narrativa (prima amoreggiava  – prendendosi i rimbrotti del regista – e poi fuggiva con la fidanzata di Jean Pierre Leaud). Una scelta significativa quella operata dal grande regista francese, a ribadire l’importanza della sua funzione . Perché al fotografo di scena è demandato il compito di documentare la realizzazione e di produrre il materiale fotografico, utile all’ufficio stampa per la promozione. Se un tempo, il suo compito era quello di riprodurre la scena (facendo mettere gli attori in posa e fotografandoli dal “punto macchina”) in foto utili anche per la vendita del film, oggi la situazione è decisamente cambiata. Il fotografo deve essere soprattutto un testimone in grado di restituire la vita, le pause, il fermento del set. Un testimone, spesso solitario – si muove senza dover rendere conto del proprio agire, se non a cose (scene) fatte – a cui è richiesto sguardo vigile e sensibilità, oltre alla “trasparenza” (non deve essere d’intralcio e non deve far perdere tempo). Tutte qualità che Marina Alessi ha dimostrato di possedere, fin da quando, alla fine degli anni ’90, slittando naturalmente dal chiuso del palcoscenico (luogo del suo approccio al mondo dello spettacolo), si è trovata sui set “en plain air”.  Set per di più particolari, perché animati da comici (il trio, Aldo, Giovanni e Giacomo, di cui ha seguito il cammino cinematografico da Tre uomini e una gamba fino a Tu la conosci Claudia? ma anche il Claudio Bisio di Asini) in diversi casi all’esordio come protagonisti. Per qualche tempo unica donna in un settore a decisa prevalenza maschile (suo il solo nome femminile tra gli scritti di AFS, l’Associazione dei fotografi di scena formatasi agli inizi del 2000 e dissoltasi qualche stagione dopo), Marina Alessi ha saputo confrontarsi con un genere non semplice come la commedia, riuscendo, con i suoi reportage sul set,  a riconsegnare  ritratti puntuali e giuste atmosfere.  Come ha evidenziato fin da subito la giuria di “CliCiak”, il concorso nazionale per fotografi di scena promosso dal Centro Cinema Città di Cesena, che ha più volte premiato e segnalato il suo lavoro. Ed è dall’ormai consistente fondo di quel concorso, giunto quest’anno alla sua dodicesima edizione, che provengono molti degli scatti visibili nella mostra. Antonio Maraldi

La fotografa Marina Alessi ha colto, attraverso il suo obiettivo, i protagonisti del mondo del teatro, del cinema e della cultura, seguendoli sui set e nella vita come ritrattista e fotografa di scena.

Collabora inoltre ai progetti grafici delle copertine di importanti case editrici, fra cui Mondadori, Rizzoli e Condé Nast . Da sette anni utilizza e porta ai massimi livelli i ritratti con Polaroid Giant Camera, la macchina fotografica, costruita in 5 esemplari in tutto il mondo, che permette, grazie alle sue dimensioni (un metro e mezzo di altezza per due, 100 chili di legno e di ottone), la realizzazione di ritratti in formato 50×60: veri e propri pezzi unici che hanno come soggetto attori (citiamo ad es. Claudio Bisio, Carlo Verdone, Diego Abatantuono, Filippo Timi, Violante Placido, Silvio Muccino, Aldo Giovanni & Giacomo) e scrittori di fama internazionale come Doris Lessing, Ken Follett, John Grisham, Tahar Ben Jelloun, Inge Feltrinelli, Enzo Biagi, Valerio M.Manfredi, Mario Rigoni Stern.

Nascono così le sue personali:

AutoRItratti 44+1 (2008) fotografia e street art con-fusi nei ritratti di 44  street artists italiani in mostra all’AuditoriumArte all’interno Auditorium Parco della Musica a Roma.

Sguardi in camera (2008) mostra sulle grandi signore della cultura, che corona la collaborazione col comune di Savignano sul Rubicone iniziata col progetto di foto-censimento Ritratti di famiglia al femminile.

Facce(e)Note (2006 e 2007), raccolta di fotografie scattate ai cantautori del Premio Tenco, ancora una volta per Vanity Fair (Teatro Ariston di San Remo).

Facce da leggere, immagini di scrittori colte per la rivista Vanity Fair durante il Festivaletteratura di Mantova: 250 ritratti nell’arco di cinque anni. Un lavoro coronato nel 2007 dalla mostra personale a Palazzo Ducale.

Comicando (2004), 33 ritratti di comici realizzati per Emergency (Fnac di Milano).

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Premio Italiano di Fotografia “Memorial Franco Pontiggia”

Esposizione dei tre migliori portfolio selezionati dalla Giuria, e premiazione del miglior autore.

La finalità del Premio, oltre a ricordare la figura di Franco Pontiggia, che si traduce in una straordinaria esperienza artistica e di vita, e in un’ampia varietà di immagini dedicate all’ esistenza umana, è quella di scoprire nuovi talenti ar­tistici, offrendo loro l’opportunità di esibire le proprie opere in mostre collettive e personali, di essere inseriti nella collezione dell’Archivio Fotografico Italiano e di vedersi attribuire un Pre­mio in danaro, da utilizzare per il proseguo delle ricerche.

Gli autori esposti saranno resi noti in occasione dell’inaugurazione ed il Premio al vincitore sarà consegnato dalla moglie del noto indimenticato fotografo varesino, nel corso dell’apertura della 7^ Festa, il 24 maggio alle ore 11.30.

Eventi Collaterali:

Proiezioni-Conferenze

Parco di Villa Pomini – Grande Schermo

28 MAGGIO 2009 ore 22

Audiovisivi di Walter turcato

- Sogno D’estate

- Terra Santa

- God of Thunder – Etna

- Restauri

- Passion lives Here – Torino 2006

- Magico San Felice

- Le Nuvole

- Volo

In caso di maltempo l’incontro si terrà nelle sale interne di villa Pomini

4 GIUGNO 2009 ore 22

Multivisioni di Roberto Tibaldi  “Studio Immaginare”

- Passaggio in Tunisia    Panoramico

- Ccu vera fidi    Panoramico (con Francesco Lopergolo)

- Oltre la fin del Mundo   Panoramico

- Priviti     Panoramico

- terra!     Panoramico

- Dormirei poco, sognerei di più    Panoramico (con Francesco Lopergolo)

- Visage   

In caso di maltempo l’incontro si terrà nelle sale interne di villa Pomini

Domenica 7 giugno 2009 – ore 14/18

Seminario: Come si organizza un Portfolio o Progetto Fotografico

con Visione Portfolio dei partecipanti

A cura di Paola Riccardi – Agenzia Grazia Neri.

Quota di partecipazione euro 60,00 – max 10 persone

Iscrizioni entro il 24 maggio 09 ai seguenti recapiti:

e-mail: claudio.argentiero@alice.it / Tel. 347 – 5902640

Domenica 24 Maggio  2009  Villa Pomini

Fotografia in Festa

Una giornata dedicata interamente alla fotografia, con i seguenti appuntamenti:

Dalle ore 10 alle 12,30

Inaugurazione – presentazione degli autori – visita guidata alle mostre

Raccolta iscrizioni alla lettura dei Portfolio

Ore 11, 30: Premiazione vincitore Premio Italiano Memorial Franco Pontiggia

Ore 12,30: cocktail “Pizzas and cheese”

LETTURA PORTFOLIO – ore 14,00/19,00 –

Prenotazioni al n° Tel.

La lettura e la valutazione dei portfolio da parte di esperti è divenuta un’attività molto apprezzata da chi, a vari livelli, si occupa di fotografia, e in particolare da chi fotografa per passione e non ha la possibilità di confrontarsi con una committenza. Molti appassionati producono lavori davvero interessanti, ma spesso sono timorosi nel proporsi, o impossibilitati a ricevere pareri e consigli su come proseguire nelle proprie ricerche. La disponibilità di esperti, professionalmente in contatto giornaliero con il mondo e il mercato delle immagini, può fornire utilissime indicazioni su come valorizzare il proprio percorso creativo.

Saranno presenti i seguenti esperti:

- Roberto Mutti     Critico – consulente artistico, giornalista

- Sandro Iovine Giornalista, curatore di mostre e libri, direttore della rivista IL FOTOGRAFO

- Paola Riccardi Agenzia Grazia Neri – consulente artistico e curatrice di mostre

- Gigliola Foschi    Critico – docente Istituto Italiano di Fotografia

- Renata Ferri           Photoeditor “Io Donna” – Corriere della Sera

Area EPSON – Stampa & Informazioni Tecniche

Grazie alle diverse postazioni di stampa collocate in differenti punti, gli interessati potranno stampare autonomamente le proprie immagini utilizzando materiali originali EPSON, per tutta la giornata, assistiti da un tecnico pronto a fornire  informazioni e consigli.

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Ore 18,30: Premiazione Concorso EPSON – A.F.I.

Il concorso è aperto liberamente a tutti.

I file da visionare, valutare ed eventualmente stampare a cura di EPSON, dovranno pervenire entro il 10 maggio 2009, al seguente indirizzo e-mail: info@archiviofotografico.org.

Dovranno essere inviati max 5 file a 300dpi f.to 20×30

Per l’invio postale del un cd-rom: ____________________________________________________

Un’apposita Giuria valuterà le migliori immagini, scegliendo i 10 autori più valenti, dei quali saranno stampate le 3 fotografie su materiale Epson fine art, esposte nell’ambito della giornata (intorno le ore 18), prima della premiazione dei 3 migliori autori selezionati dalla Giuria, prevista alle ore 18,30. Due premi aggiuntivi saranno assegnati agli autori segnalati.

Ogni autore selezionato riceverà le fotografie stampate in omaggio.

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BOOK-SHOP – Esposizione di Libri di Autori Internazionali

a cura di HF Distribuzione – www.hfnet.it

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Presentazione in anteprima al pubblico del 2° numero della rivista dall’Archivio Fotografico Italiano “laClessidra“, ricca di nuovi contenuti, contributi, scoperte e rivelazioni.

Sede dell’evento:

Villa Pomini – Via Don L. Testori 14 – 21053 Castellanza (VA)

Orari di visita mostre: venerdi e sabato 15-19 /  domenica 10-12,30 / 15-19

e nel corso delle serate di proiezione, dalle 21 alle 23 -Ingresso Libero

Comunicazione:

Claudio Argentiero T. 347-5902640 / e-mail: claudio.argentiero@alice.it

A.F.I. :  www.archiviofotografico.org

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Data: Da venerdì 6 febbraio 2009 21.00 a sabato 28 febbraio 2009

Percorso: Borgo del Tempo Perso, Via Santa Maria Delle Grazie 24 Manfredonia

http://www.facebook.com/profile.php?id=1429036714&ref=name

Il Carnevale Dauno di Manfredonia in foto dal 1998 al 2008

Fotografo con passione il mio carnevale, il Carnevale Dauno di Manfredonia cioè, cercando in ogni occasione di offrirne in immagini una lettura alternativa, speculativa e creativa. Alternativa nel cercare i momenti e i contenuti meno appariscenti ma costitutivi del momento di collettività; speculativa nell’ indagare forte della mia preparazione culturale ed esperienza in materia gli aspetti comunicativi e antropologici della comunicazione interpersonale; creativa nella tecnica di ripresa, mai uguale negli anni, così come il Carnevale, umorale e quindi sincrona con le oscillazioni empatiche dello Stesso. Nella ricerca di linguaggi espressiviidonei e riassuntivi dell’evento ,si che è nella memoria che la sintesi di emozioni e realtà si comiugano producendo il ricordo, hocercato di coniugare l’interpretazione artistica e una lettura psicologica a stampo gruppale di matrice bioniana partendo dal pensiero sui gruppi dello psicanalista e psichiatra W.R. Bion. Luigi Starace

Voglia di luce, una lettura del portfolio

La fotografia anche etimologicamente è luce, scrittura di luce. Luce non significasolo sole o giorno ma talvolta anche notte. Luigi Starace non ha dubbi: la luce compone la fotografia. Nella sua fotografia la luce crea colori e volumi, contrasti e movimenti, vita e personaggi. Il temadel carnevale è uno di quelli cari all’Autore che per una volta mette da parte la sua vena ironica con la quale racconta in genere il suo mondo e ci parla di un evento facendolo raccontare all’evento stesso.

Qui si cerca di esprimere degli assunti ben precisi che possono essere addirittura messi in ordine di importanza o, per così dire… di apparizione: la prima cosache si nota è la ricerca della luce totale. Le immagini appaiono straripanti di luce, fin troppo luminose per essere dei “notturni”. Ma la grande novità di queste fotografie sul Carnevale è proprio data dalla loro personalità: sono brillanti, prive di angoli bui, di zone nascoste. Il flash di Luigi Starace arriva dappertutto perchè …. perchè non lo usa! La sua fotocamera scova tutti i dettagli degli ambienti notturni proprio perchè le immagini sono al limite della sovraesposizione …. Tecnicismo ad oltranza, dunque? Assolutamente no!

La motivazione di tutto questo risiede nell’aver ben capito lo spirito della Festa che Staraceracconta: il Carnevale è un innoalla gioia e la gioia è nella luce, ogni festa che si rispetti è piena di luce. E ogni festa vuol dire vita, movimento, evoluzione e cambiamento: questo è il secondo dogma su cui Starace si sofferma ariflettere. Per raccontare la luce e la festa in movimento il fotografo imposta i tempi più lunghi che può sulla sua fotocamera e il gioco è fatto! Le sue immagini sono mosse per sottolineare che nel Carnevale tutto è in divenire, tutto è cambiamento, anche la stessa metafora delle maschere altro non è che un mutamento di identità. Tutto scorre e nelle sue immagini anche il tempo fluisce con naturalezza. Le figure filano nel fotogramma come fumo mosso dal vento.

Questo è il terzo cardine di Starace: la leggerezza. Le sue immagini sono leggere e allegre, libere eistintive. Ciò che vediamo sono i colori che riempiono le immagini, poco o nulla ci interessa dei volti, tutto invece riguarda i gesti, (armonia. Tutti sembrano danzarein queste immagini, anche coloro i quali camminavano semplicemente,tutto sembra muoversi anche quando l’unico movimento era quello delpolso del fotografo mentre scattava a mano libera per seguire il ritmo di ciò che accadeva davanti ai suoi occhi.

Ma veramente gli occhi vedevano questo? No. Ve lo dice un fotografo. I vostri occhi nonavrebbero visto quasi nulla di tutto questo: l’ambiente non era così luminoso come sembra nelle foto che invece ci raccontano che luminoso era (animo di chi le ha scattate, di chi così ha sentito e vissuto quei momenti con la sua sensibilità ed esperienza. I colori vivi nella notte buia non erano cosìbrillanti come qui appare, ciò che noi vediamo in queste immagini è invece la percezione che di tutto questo che l’Autore ha vissuto in quel momento, Starace ci vuol raccontare, e ben ci riesce, le emozioni che ha vissuto, le sue sensazioni, diverse da quelle di chiunque altro fosse presente a questo carnevale di un piccolo, qualunque, anonimo, paese della Provincia nell’Italia meridionale che in questesplendide fotografie sembra la sfilata dei carri di Rio de Janeiro.

Roberto Gabriele

Socio TAU VISUAL

Biografia Autore

Classe 1974. Artista visuale, giornalista pubblicistaspecializzato in divulgazione di attività scientifiche e didattiche, apprendista psichiatra. Vive e opera a Manfredonia, Gargano, Foggia.

“Ti sembra di averlo sempre conosciuto. Una sensazione che si rafforza nel frequentarlo, nello stare, bene, insieme. Luigi Starace è un globe trotter sia in senso fisico sia in senso culturale ma soprattutto cerca di coniugare l’atto artistico con l’atto scientifico. Forse per questo motivo predilige il mezzo fotografico. Non peruna semplice documentazione ma pre riuscire a comprendere anche attraverso il mezzo e il suo prodottole contraddizioni che da sempre affiggono l’uomo. E accentuatasi in un’epoca di crisi come la nostra. Forse per tutto questo mi fa pensare a pensatori come Cassirer che hanno puntato il loro pensare sulla crisi dell’uomo contemporaneo. Una crisi etica che lo vede sempre più svilito in un oggetto di facile consumo. In tutto questo Luigi Starace non dimentica la pietas che accentua il valore aggiunto a cui da sempre aspiriamo come ricordano le parole del sommo poeta.”

Giancarlo Da Lio

curatore Ambasciata di Venezia e Museo Minimo

Attività fotografiche, espositive e artistiche

1998/2007- reportage sul Carnevale Dauno di Manfredonia. Work in progress che dura da 10 anni;

1999-reportage sulle condizioni del campo d’accoglienza per gli immigrati stagionali di Borgo Mezzanone,Foggia;

2001- miglior fotografo under 29 al V Concorso fotograficoSalone Athesis-Internet Digital Photo (FotoPadova);

2002- partecipa alla monografia Fiaf “La Puglia fotografa” con lo still life Seppie Sipontine;

Espone la prima personale ” Noi balleremo, il sogno delle maschere”. La mostra è imperniata su una lettura mitteleuropea del Carnevale di Venezia, con riferimenti alla psicologia dell’Io.

2002/2004 Realizza i portfolio grafico-fotografici di stampo concettuale “Cartesiana” e “Pensieri a Zonzo” sul ruolo della filosofia e del pensiero occidentale nel mondo delle immagini delquotidiano.

Affascinato dal lavoro di Duane Michals realizza anchela lunga serie (170 foto) “Stuzzicamente” in cui immagini e parole convergono verso il concetto di comunicazione spiazzante.

2003-Officina Fotografica, Milano, esordio espositivo in una collettiva cui il suo lavoro da il nome “IlCirco delle emozioni”riscuotendo gli apprezzamenti di Lanfranco Colombo e del fotografo Pio Tarantini;

2004- realizzazione portfolio”EcoVogue: rifiuti alias star”;

2005- guadagna la copertina del libro “Comunicazione, sguardi,gesti,atti” edito dal portale Ifotografi;

2007-Proiezioni video d’artista Mail Art Stigma a Albero della Poesia 2007 (Mestre), Accenni di Contemporaneo07 (Viterbo),Lavori in corso d’opera (Massa Lombarda);

2008- X Settimana della Cultura, Provincia di Foggia, mostra sul fare arte in network, immagini e video: Mail Art Stigma.

www.luigistarace.com

http://www.facebook.com/event.php?eid=53482226436

Luigi Starace

Direttore Responsabile www.Stigmamente.it

viale Beccarini 38, 71043 Manfredonia

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una mostra “ad alta tensione ambientale”
Futurismo 1909-2009
Velocità + Arte + Azione
Milano, Palazzo Reale
6 febbraio – 7 giugno 2009

a cura di Giovanni Lista e Ada Masoero
promossa da Comune di Milano e Skira Editore
prodotta da Palazzo Reale in collaborazione con Skira e Arthemisia
consulenza per la sostenibilità a cura di ClimatePartner

costruiamo insieme il Manifesto per il Futuro del Pianeta

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Allineandosi agli obiettivi del Comune di Milano per una città sempre più ecologica, in previsione dell’Expo 2015, dopo “Seurat, Signac e i neoimpressionisti”, anche la grande mostra sul Centenario del Futurismo è realizzata “ad alta tensione ambientale” per iniziativa di Arthemisia, Skira e Palazzo Reale e grazie a ClimatePartner Italia, società di consulenza che mira a ridurre le emissioni di anidride carbonica e a diffondere la cultura della sostenibilità ambientale nelle imprese.

La mostra è realizzata con lo scopo di ottenere un basso impatto sull’ambiente neutralizzando gli effetti della produzione dei materiali cartacei: il catalogo Skira è stampato a emissioni azzerate, così come i biglietti di entrata (entrambi distinguibili per il logo climaneutral). Sono inoltre state adottate alcune buone pratiche sostenibili come l’uso di materiali ecologici per l’allestimento interno e il recupero di materiali provenienti da altri allestimenti.

MA NON SOLO >

Il progetto prevede un’azione di comunicazione evocativa e sensibilizzazione provocatoria del pubblico, in linea con lo spirito Futurista. Se i Futuristi volevano porre lo spettatore “al centro del quadro”, la mostra pone il visitatore “al centro del Futurismo” in un percorso vitale, esuberante e polifonico, alla fine del quale sono tutti invitati a costruire insieme il “Manifesto per il Futuro del Pianeta”, in qualsiasi forma, disegnata o scritta “in libertà”, sullo stile di Marinetti e sull’esempio di alcune frasi di personaggi celebri sul concetto di “futuro” oggi.

Ieri, il Futurismo in modo generoso e utopico aveva la volontà di ridisegnare l’intero ambito dell’esperienza umana in una chiave inedita.
Oggi, la mostra sul Futurismo è un’occasione unica per interrogarci sullo statuto contemporaneo del nostro Futuro: dall’accelerazione verso la modernità del Futurismo, all’impegno entusiastico per il Futuro del Pianeta, ribellandosi al modello dominante di sviluppo non più sostenibile.

ALCUNI DATI > La quantità di emissioni compensate in occasione di questa mostra ammonta a oltre 90.000 chilogrammi (l’equivalente di percorrere 803.000km o 20 volte il giro della Terra con una Fiat 500), per neutralizzare le quali è stato sostenuto un progetto di conservazione della foresta umida equatoriale in Congo.

Maggiori informazioni e contatti con la stampa:
Marta Airoldi
airoldi@climatepartner.it
M +39 349 +610 6469

——————————————————————————–

Futurismo 1909-2009
Velocità + Arte + Azione
Milano > Palazzo Reale > 6 febbraio – 7 giugno 2009

Orari
• Tutti i giorni 9.30-19.30 • Lunedì 14.30-19.30 • Giovedì 9.30-22.30
(La biglietteria chiude un’ora prima)

Prezzi
Intero > 7,00 euro
Ridotto > 5,50 euro
Ridotto scuole > 3,00 euro

Informazioni – Prenotazioni – Prevendita Biglietti
• www.futurismo.milano.it • Infoline: 02.54919
(dal lunedì al venerdì dalle 10.00 alle 17.00; pagamento: carta di credito o vaglia)
• Punti vendita Ticket.it nelle principali città italiane
(diritto di prevendita € 1,50 a persona)

immagini scaricabili dal sito www.arthemisia.it (registrati in area press)

——————————————————————————–
Ufficio Stampa
Lucia Crespi
tel. 02.89415532 – 02.89401645 lucia@luciacrespi.it

Ufficio Stampa Arthemisia
Alessandra Zanchi
tel 0721.370956 – 349.5691710 az@arthemisia.it

Ufficio Stampa Comune Di Milano
Martina Liut
tel. 02.88456796
martina.liut@comune.milano.it

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Gabriele Giustini – NOT FAR AWAY

Si inaugura Sabato 7 Febbraio alle ore 17 presso la Saletta Espositiva di la Feltrinelli International, Via Cavour, 12 Firenze, la personale di Gabriele Giustini NOT FAR AWAY. La mostra realizzata a cura di Sandro Bini e Michelangelo Chiaramida (Deaphoto Expo) in collaborazione con Cinzia Zanfini (la Feltrinelli Eventi), presenta una selezione di 16 fotografie a colori formato 30×40 cm scattate da Gabriele in un suo recente viaggio in Mongolia, in compagnia della compagna Chiara e dell’amico, scrittore milanese, Teo Segale. Da questa esperienza nasce il reportage narrativo di Gabriele e il diario di viaggio di Teo, pubblicato (con alcuni scatti di Gabriele) con lo stesso titolo della mostra da Baku Editore e che sarà presentato al pubblico fiorentino proprio in questa occasione. Il lavoro di Gabriele – diviso in cinque sezioni (Spazio, Città, Creatività, Gioco, Spiritualità) cerca di sintetizzare per immagini l’esperienza di questo favoloso viaggio in “un mondo affascinante e riservato (….) capace di emozionare e commuovere come pochi altri”. La mostra fa parte del Progetto Deaphoto Nuovi Fotografi, che intende curare, diffondere e valorizzare i lavori di giovani fotografi emergenti. Fino al 28 Febbraio dal lunedi al sabato ore 9-19,30.

Gabriele Giustini. Vive e lavora a Firenze in ambito discografico. Eredita la passione della fotografia dal padre e, nel 2006, si avvicina a questo mondo approfondendone la conoscenza grazie all’Associazione Culturale Deaphoto. In questi anni ha partecipato ad alcune mostre collettive Deaphoto. Not Far Away è la sua prima personale. A oggi, oltre a buona parte del territorio europeo (Montenegro, Bosnia, Turchia) ha visitato il Cile, la Bolivia, il Messico, la California,la Mongolia ed il Perù.
Gabriele Giustini
NOT FAR AWAY

7-28 Febbraio 2009
FELTRINELLI INTERNATIONAL
Via Cavour, 12 – Firenze / Lun > Sab 9-19,30

INAUGURAZIONE SABATO 7 FEBBRAIO ORE 17-19,30
Con la presentazione del libro di Teo Segale “Not Far Away” (Baku Editore

Baku Editore

Deaphoto Expo / Feltrinelli Eventi
Progetto Nuovi Fotografi
A cura di Sandro Bini e Michelangelo Chiaramida

Gabriele Giustini
NOT FAR AWAY
Con la presentazione in occasione del Vernissage dell’omonimo libro
di Teo Segale (Baku Editore)
INTRODUZIONE
Scattare fotografie ti fa cambiare il modo di vedere le cose. Scrivere ti dona un nuovo contatto con la realtà. Entrambe le attività ti catapultano in uno strano senso di alienazione e torpore dal quale difficilmente riesci a liberarti. Ti accorgi di elementi che non esistevano, di espressioni mai viste e di luoghi mai percepiti. Anche per il quotidiano, si intende. Cambia addirittura quell’odioso tragitto che ti porta sul luogo di lavoro. Figuriamoci cosa può accadere se si ha la fortuna di fare un viaggio in un paese, la Mongolia, che evoca sì paesaggi solo minimamente immaginabili ma soprattutto crea una curiosità infinita. Così nasce Not Far Away, presentazione combinata dell’omonima mostra fotografica di Gabriele Giustini e dell’altrettanto omonimo romanzo di debutto di Teo Segale. Musa ispiratrice, Chiara. Un viaggio in un mondo lontano dal quale è nato il diario sarcastico di Teo e gli scatti di stampo documentaristico di Gabriele. Due approcci diversi di raccontare sensazioni ed emozioni e lo scopo comune di cogliere l’attimo, sia esso rappresentato da uno scatto o da una parola.
LA MOSTRA

Curata da Sandro Bini e Michelangelo Chiaramida (Deaphoto Expo) e da Cinzia Zanfini (la Feltrinelli Eventi), Not Far Away espone 16 fotografie a colori effettuate in Mongolia nell’estate del 2007 grazie all’utilizzo di una Reflex digitale. Gli scatti, decisamente di stampo narrativo/documentaristico, vivono e prendono forma attraverso una storia divisa in cinque sezioni di tre/quattro foto ciascuna. I cinque capitoli – Spazio, Città, Creatività, Gioco e Spiritualità – vogliono raccontare con stupore, onestà ed ironia, un mondo lontano tanto geograficamente quanto nella cultura. Affidata a Spazio, l’apertura del progetto, descrive il territorio mongolo extra urbano ed il suo senso di infinito. Quel territorio da sempre nelle nostre menti e nel nostro immaginario, qui catturato per un solo istante nel mezzo di un silenzio surreale, paradossalmente assordante. Città si regge su tre scatti che, usando le tecniche della street photography, raccontano la quotidianità della vita nella capitale mongola, Ulan Bator. Con le sue improbabili e fantasiose situazioni, Creatività, è invece il lato più ironico e sarcastico dell’intera struttura narrativa. Tre immagini che descrivono l’arte di arrangiarsi e, a dirla tutta, un differente concetto di eleganza. Gioco è forse l’incontro più emozionante, quello della purezza dei bambini del paese, della loro dolcezza e della loro curiosità nell’approccio verso il medium. Un incontro che, dopo un iniziale momento di timore, riesce velocemente ad eliminare quel sottile senso di inibizione relegando l’istante al gioco. Chiusura del viaggio affidata al capitolo della Spiritualità. Tre immagini che afferrano, con rispetto ed un filo di soggezione, l’atmosfera che si respira all’interno del monastero buddhista tibetano di Gandan, pochi chilometri fuori dalla capitale. Cinque differenti sezioni che hanno l’ingrato compito di trasportare l’osservatore in un viaggio spazio temporale lontano anni luce dal suo concetto di esistenza. Cinque capitoli che riassumono un mondo affascinante e riservato, a volte eccessivamente chiuso e diffidente, ma capace di emozionare e commuovere come pochi altri.
IL FOTOGRAFO

Gabriele Giustini nasce quasi 33 anni fa, in occasione di un assolato sabato di Maggio. Frequenta con alterni risultati tendenti al catastrofico il Liceo Scientifico ed accenna, tuttavia con coraggio, la carriera universitaria. Circa dieci anni fa inizia a lavorare nel mondo discografico, tuttora la sua principale occupazione, recessione e crisi permettendo. Eredita la passione della fotografia dal padre e, nel 2006, si avvicina a questo mondo approfondendone la conoscenza grazie all’associazione culturale Deaphoto. In questi anni ha partecipato ad alcune mostre collettive con l’associazione. Not Far Away è la sua prima personale. A oggi, oltre a buona parte del territorio europeo (Montenegro, Bosnia, Turchia) ha visitato il Cile, la Bolivia, il Messico, la California (quella negli Stati Uniti, non quella indicata sulla FiPiLi…), la Mongolia ed il Perù.
IL LIBRO

Un paese lontano, un viaggio avventuroso: due elementi classici della narrativa di viaggio. Ma non c’è niente di tradizionale nell’esilarante viaggio raccontato in queste pagine. Uno humor affilato e una girandola di situazioni tragicomiche ci condurranno alla scoperta della Mongolia, in un viaggio in cui la curiosità per il “diverso” non impedisce commenti sagaci e non sempre politically correct. Cinico e canzonatorio, ribelle al conformismo e al perbenismo, Not Far Away mantiene il ritmo serrato dei blog, dai quali proviene. Guidati da un linguaggio comico e immediato, sbirceremo nel cuore dell’Asia, tra panorami mozzafiato e parchi dove i dinosauri ci sono davvero.
LO SCRITTORE

Teo Segale nasce a Milano in una frizzante giornata del marzo 1977. Le complicazioni pre e post parto sono sicuramente profetiche. Frequenta con una discreta gloria il Liceo Scientifico, successivamente inizia a lavorare in ambito discografico; oggi scrive anche articoli musicali per una rivista del settore. Finora ha visitato quasi tutti le Nazioni aderenti alla Comunità Europea, compresi i Paesi Scandinavi, il Cile, il Perù, la Bolivia, lo stato americano del Texas, il Giappone e – naturalmente – la Mongolia.
www.gabrielegiustini.it
www.deaphoto.it
www.lafeltrinelli.it
www.bakueditore.it

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Titolo: Come si fa una fotografia digitale
Autore: Enzo M. G. Borri
Editore: Tecniche Nuove
Pagine: 192
Rilegatura: brossura
Formato: 11 x 18 cm
Anno: maggio 2004
ISBN: 88-481-1650-7
Prezzo (di copertina): 9,90 Euro

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Facili, comode e pratiche Le macchine fotografiche digitali sono diventate il compagno di viaggio e di lavoro ideale per fotografi dilettanti e professionisti Scattare in libertà senza preoccuparsi di rullini e stampe grazie alle memory card, condividere con amici e parenti le immagini digitali, ritoccare e migliorare la qualità delle fotografie sono solo alcuni dei vantaggi della fotografia digitale.
Nel libro troverete tutte le informazioni necessarie per acquistare la macchina digitale che fa al caso vostro, capirete quali accessori vi serviranno per aumentarne le capacità, imparerete come usare al meglio le vostre conoscenze di fotografia tradizionale e come migliorare la qualità dei vostri scatti attraverso il fotoritocco.

L’autore
Enzo Borri prima di trasferire le elaborazioni fotomeccaniche al digitale ha operato come fotografo e tecnico di camera oscura sin dall’adolescenza Attualmente, scatta foto sia in digitale che su pellicola per elaborarle in Photoshop, programma di cui è betatester ufficiale dal 1994.

SOMMARIO
1 Introduzione

2 Fotogria tradizionale e digitale
Evoluzione storica della fotograa
Il passaggio al digitale

3 La scelta della fotocamera digitale
Dove acquistare?
Come valutare la fotocamera
Valutare la fotocamera in base alla risoluzione
Tipologie dei sensori
Compressione in formato JPEG
Altri formati di registrazione
Dotazioni di serie e accessori
Memory Card
Lettori e adattatori per le Memory Card
Batterie: dedicate o stilo?

4 Accessori per utilizzi specici
Dispositivi di archiviazione portatili
Custodie protettive impermeabili
Custodie subacquee
Accorgimenti per un buon uso delle custodie
Altri usi sportivi

5 Primo uso della fotocamera
Preparazione delle batterie
Formattazione della Memory Card
Personalizzare la fotocamera
Scattare le prime foto digitali
Esaminare le prime foto al computer
Archiviare ordinatamente
Guardare le foto sulla TV

6 Primi approfondimenti sulle funzioni
Fattori influenti sulla qualità

7 Tecnica al servizio della creatività
Diaframmi e tempi
Grandangolare e teleobiettivo
Zoom (tele) digitale
Macrofotografia
Obiettivi e messa a fuoco
Blocco della messa a fuoco
Esposizione e compensazione
Tipi di misurazione dell’esposizione
Misurazione valutativa
Ponderata al centro
Misurazione Spot
Blocco dell’esposizione
Pose lunghe
Il flash e le sue possibilità
Flash automatico
Flash sempre attivo (Flash di riempimento)
Flash disabilitato
Flash e tempi lunghi
Sincro 1a e 2a tendina

8 Il colore nella fotograa digitale
Colori e Proli colore
Temperatura colore e Bilanciamento del bianco
Regolazione automatica
Regolazione manuale
Bilanciamento del bianco personalizzato
Bilanciamento con luce mista
Bracketing con il bilanciamento del bianco
Altre considerazioni sul bilanciamento del bianco
Correzione colore in fase di ripresa
Concetto di tonalità e saturazione
Correzione, in fase di scatto, di tonalità e saturazione

9 Elaborazione, correzione, ritocco e altro
Elaborazioni in fase di ripresa
Correzione del colore a computer

Correzioni di particolari
Occhi rossi
Formato Camera RAW e correzioni
Fotograe Panoramiche
Anche in Photoshop Elements si può
Trucchi per le foto panoramiche

10 La ltro-elaborazione
Riprodurre o simulare i filtri per il bianco e nero
Imitare altri filtri colorati
Applicare un filtro su una sagoma irregolare
Imitare filtri per effetti di sfocatura

11 Elaborazioni come in Camera Oscura
Il contorno
Come si fa in camera oscura
Come farlo in Photoshop CS e Elements
Effetto “Sabattier” e Solarizzazione
Viraggi cromatici e invecchiamento
Mantenendo i bianchi puri
Dando colore sia al bianco che al nero
Viraggi simulati anche in Photoshop Elements
Invecchiare la foto
Strappare i bordi

12 Altre funzioni delle fotocamere
Diverse modalità di ripresa
Raffica di immagini
Scatto singolo
Autoscatto
Ripresa di filmati
Annotazioni vocali
Comandare la fotocamera dal computer

13 Dalla fotocamera digitale alla stampa
Stampe fotografiche
Stampanti dedicate
Stampe digitali in grande formato
Realizzazione di diapositive

14 Conclusioni

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