State pensando di regalare a qualcuno una cornice digitale, magari per Natale? Forse è meglio che pensiate a qualcos’altro.

Secondo la British Video Association, le cornici digitali sarebbero il principale regalo meno gradito di questa stagione. Durante lo studio sono state intervistate 2000 persone e di queste un terzo aveva ricevuto un regalo di questo tipo che da allora è rimasto inutilizzato.

Ora che uno studio ha messo i dati in chiaro possiamo darlo per assodato, ma chi di voi ne ha ricevuta una in regalo e poi utilizzata effettivamente? Se consideriamo l’invasione di iPad e tablet che arriveranno possiamo quasi certamente dare per defunto questo gadget.

Foto | Gastev
Via| SteveDigicams

Cornici digitali, il peggior regalo fotografico é stato pubblicato su clickblog alle 13:59 di domenica 28 novembre 2010.

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NIKON DAY PRESSO OTTICA UNIVERSITARIA VIALE IPPOCRATE 109-11 ROMA

abbiamo il piacere di comunicarTi che domenica 21 novembre 2010 Ottica Universitaria s.r.l. organizzerà con la partecipazione di Nital s.p.a. un Nikon Day; ovvero una giornata dedicata al mondo professionale, ma non solo, dell’immagine fotografica e digitale.!
L’evento, che si svolgerà presso l’hotel Best Western, sito accanto alla sede del nostro punto vendita, ci darà l’occasione di toccare con mano tutta la NUOVA gamma delle fotocamere digitali e delle ottiche Nikon e provarle sul momento con l’ausilio di un apposito set fotografico e di modelle. Protagoniste saranno le ultime novità di questo brand straordinario (Nikon D7000, Nikon D3100, ecc.).
Sono inoltre previsti i seguenti workshop:
• Creative Ligthining System (dalle 11,00 alle 12,30);
• Settaggio fotocamere reflex e utilizzo dei sofware Nikon (dalle 15,30 alle 17,00)
I partecipanti all’evento avranno diritto ad una pulizia del sensore in via del tutto gratuita.
Allora, non mancare sarà un’occasione per incontrarci e condividere insieme questo indimenticabile momento.
Per partecipare all’evento è sufficiente recarsi presso il punto vendita di Ottica Universitaria domenica 21 novembre 2010 e consegnare il modulo di adesione che può essere scaricato sulla home-page www.otticauniversitaria.it
Ti aspettiamo!
Un cordiale saluto a tutti.

Clicca qui per visualizzare l’evento sul calendario

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Due fotografi a confronto, due stili diversi, un’amicizia profonda, una passione totalizzante: la fotografia. Amato e agognato da molti giovani, il mestiere di fotoreporter sta vivendo un momento di profondo cambiamento che si scontra con un settore in affanno in un Paese, come l’Italia, che forse più di altri sta scontando gli effetti di una crisi mondiale, sociale e valoriale, prima che economica. La fotografia può diventare allora lo strumento attraverso cui raccontare o immaginare un Paese, con tutte le contraddizioni, le paure, le angosce e le prospettive future.

Massimo Berruti smette di studiare biologia dopo aver frequentato un breve corso di fotografia. Fotografo freelance dal 2004, vincitore di numerosi riconoscimenti internazionali tra cui Il World Press Photo, attualmente vive a Roma ma il suo cuore batte in Pakistan, dove ha trascorso gran parte degli ultimi mesi, documentando la dignità e le contraddizioni di un popolo in bilico tra guerra e pace.
Emiliano Mancuso dopo una laurea in filosofia, inizia a interessarsi all’immagine come mezzo espressivo di rappresentazione della realtà. Negli ultimi anni i suoi lavori si concentrano su un’analisi approfondita della situazione politica, economica e sociale che sta vivendo la nostra penisola. Prima con il libro “Terre di Sud” e ora con l’associazione “Extra media” fotografa con occhio attento e scevro da pregiudizi la quotidianità e la criticità in cui vessa attualmente il nostro Paese.

Il ciclo “Conversazioni di fotografia” prevede una serie di dibattiti con esponenti del mondo della fotografia, fotografi, docenti, esperti di fotografia ed artisti emergenti per parlare e discutere di fotografia con contributi audio, video e racconti di esperienze professionali e non solo. Scopo degli incontri è quello di creare gruppi di pensiero e momenti di condivisione che, attraverso il racconto di esperienze e immagini, accrescano la cultura fotografica di ogni partecipante, fornendo spunti di riflessione, idee per nuovi lavori, nonché consigli pratici per tramutare passione in professione.

more info: www.collettivowsp.wordpress.com

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Ria van Dijk è una signora olandese con la passione del tiro a segno.

La storia della sua vita è stata raccolta in un libro, in “almost every picture #7“, e raccontata attraverso le foto automatiche scattate nel momento in cui centrava il bersaglio. La prima foto risale al 1936 quando appena sedicenne si trova al luna park con le amiche.

Da allora una volta ogni anno ha continuato a presentarsi puntuale davanti al tiro a segno. Gli unici anni che ha saltato sono stati quelli della Seconda Guerra Mondiale.

Questa curiosa galleria di immagini racconta la storia degli anni in cui è vissuta la protagonista consentendoci di spiare un po’ su com’era quel mondo che ormai no c’è più.

Via | BoingBoing

Ria van Dijk e la passione per il tiro a segno é stato pubblicato su clickblog alle 09:00 di martedì 12 ottobre 2010.

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1. Prima del 1988 il nome dell’azienda non era Nikon.
Prima del 1988 il nome dell’azienda era Nippon Kogaku K.K. Qualcuno pensa che il nome sia cambiato prima, ma la transizione ufficiale è avvenuta solo il 1° aprile 1988 anche se il trademark Nikon era utilizzato a partire dalla metà degli anni ‘40.

La leggenda narra che tutto fu deciso quando l’allora presidente Shigetada Fukuoka si incontrò con il presidente della repubblica primo ministro francese Jacques Chirac. Quest’ultimo sentendo il nome Nippon Kogaku Kogyo rimase un po’ perplesso e solo quando Fukuoka pronunciò la parola Nikon il presidente capì chi aveva di fronte.

2. Nikon creò la prima fotocamera nel 1948
L’azienda fu fondata dall’unione di 3 aziende che si occupavano di ottiche nel 1917, ma la prima fotocamera arrivò solo nel 1948. Fino ad allora vennero prodotti solo obiettivo sotto il marchio Nikkor, binocoli e microscopi.

Il primo modello, Nikon I, fu prodotto troppo velocemente per soddisfare la domanda e la solidità del prodotto ne subì le conseguenze. I modelli successivi corressero queste problematiche.

3. Nikon produsse obiettivi per Canon
Le prime fotocamere Canon erano dei cloni delle Leica, ma l’azienda non aveva ancora esperienza nella produzione di obiettivi.

Quando lanciarono sul mercato la rangefinder Hansa contattarono la Nippon Kogaku Kogyo, un affidabile azienda di obiettivi. La Hansa venne venduta con un Nikkor 50mm f/3.5 lens.

4. La Nikon F al momento del lancio costava 3 stipendi mensili
Nonostante i prezzi attuali possano sembrare alti al momento del lancio la Nikon F, la prima reflex Nikon, costava 67.000 Yen, 3 stipendi mensili di un impiegato governativo all’epoca. Riuscirono a venderne oltre un milione in 15 anni.

La baionetta F è ancora utilizzata oggi nelle reflex dell’azienda. Un attacco rivoluzionario rispetto alle dimensioni delle telemetro in commercio all’epoca.

5. La prima reflex digitale è stata sviluppata in 2 anni
La Nikon D1 è stata sviluppata in soli due anni di lavoro.

Il presidente Nikon nel 1997 chiede ai suoi ingegneri di realizzare una reflex digitale. Questi risposero che sarebbero serviti probabilmente 4 anni di lavoro, ma sicuramente almeno 3. Ne vennero concessi solo due. Nel 1999 venne presentata la Nikon D1 che nonostante il prezzo di 5.500$ vendette oltre 100.000 corpi macchina in un solo anno.

Foto | Joe Shlabotnik
Via | NikonHQ

5 cose che non sapevate di Nikon é stato pubblicato su clickblog alle 13:00 di lunedì 19 luglio 2010.

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Siete appassionati di astronomia, fotografia astronomica o semplicemente amate l’immensità dell’universo?

Se la risposta è affermativa allora Astronomy Picture of the Day è il sito che fa per voi. Gestito dalla Nasa ogni giorno pubblica una bellissima foto dello spazio.

Ogni immagini è corredata da una didascalia scritta da un astronomo professionista che vi spiega i dettagli del corpo celeste immortalato.

Via | Nasa

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Sono ormai passate tre settimane dall’esplosione ed inabissamento della piattaforma petrolifera Deepwater Horizon nel golfo del Messico e da allora il petrolio continua a fuoriuscire dal fondale e mettere a repentaglio la vita marina.

Tutti gli sforzi tentati finora per arrestare il flusso alla base e contenere l’espansione in superficie non stanno dando i risultati sperati.

Al momento dovrebbero uscire più l’equivalente di oltre 5.000 barili, ma si tratta di numeri difficili da stimare. Il Presidente Obama dopo aver visionato di persona l’area ha dichiarato che siamo di fronte ad un disastro senza precedenti.

Via | BigPicture

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A sorpresa Panasonic ha svelato la prima video camera micro quattro terzi: Panasonic AF100.

L’azienda arriva a definirla professionale, anche se non è un prodotto paragonabile a quelli realizzati da Arri o Red. Può registrare video 1080/24p in formato AVC/H.264 Hi Profile su supporti SDHC o i più recenti SDXC. Sono disponibili ingressi XLR 48-kHz/16-bit e supporta LPCM/Dolby-AC3.

Arriverà sul mercato a fine anno e solo allora ne verrà rivelato il prezzo, da cui dipenderà gran parte del successo o fallimento, ma da un segno molto tangibile su quanto quest’azienda punti sul sistema micro quattro terzi.

Via | Engadget

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______________________

venerdì 10 luglio_ore 19_incontri in libreria

Chiara, Doccia, 2006

Chiara_Incontro con l’artista e slide-show

Chiara Carocci, in arte Chiara, lavora sui meccanismi comunicativi della pubblicità in relazione agli oggetti di consumo. Realizza opere fotografiche nelle quali, all’interno di ambientazioni sempre diverse, costruisce un personaggio – appunto: Chiara – alle prese con tematiche ispirate alla réclame, rivolgendo il suo sguardo disincantato verso la consuetudine a utilizzare stereotipi, tipica della comunicazione pubblica.

L’occasione di questo incontro è la mostra “Variazioni sul tema: La Bellezza” in corso fino al 19 luglio presso la galleria Wabi. Interverrà anche Maiter Ferrario, fondatrice di questa nuova galleria nel quartiere Isola, dove ci sposteremo dopo la presentazione per visitare la mostra e chiacchierare davanti a un aperitivo. Vi aspettiamo venerdì 10 luglio alle ore 19 presso MiCamera, in via Medardo Rosso 19 a Milano.

Chiara vive e lavora tra Marostica e Roma, dove ha esordito nel 1999 con la sua prima mostra personale.

Nei seguenti anni ha realizzato alcune mostre personali ed ha partecipato a diverse mostre collettive in spazi pubblici tra cui:

“Anteprima Q” Palazzo Reale, Napoli

“Italian Factory” Mostre Extra 50, 50 Biennale di Venezia, Venezia

“Mito Contemporaneo” Basilica Palladiana, Vicenza

“Melting Pop” Palazzo delle Papesse, Siena

“Sitting, standing,recicling” Modern Culture, New York

Nel 2002 vince il “Premio New York”, premio per l’arte contemporanea promosso dal “Ministero degli Esteri” e “Italian Academy at Columbia University” di New York.

www.accessorichiara.com

www.galleriawabi.it

www.micamera.com

_____________________

micamera – photography and lens-based arts

via Medardo Rosso 19 - 20159 Milano

MM2 Garibaldi – Uscita Via Pepe

T/F +39 02 4548 15

www.micamera.com

info@micamera.com

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“So Far, So Good… 2009 – L’incontro con l’altro” – festa dell’Ass. Culturale Khorakhané

30 luglio – 9 agosto Parco di Villa Bassi – Abano Terme, Padova

http://incontroconlaltro.wordpress.com – http://khorakhane.megablog.it

La sintonia tra questa mostra itinerante ed i temi ispiratori de “L’Incontro con l’altro” è stata immediata. Ciò che si coglie durate questa sorta di percorso comparato e parallelo, è il fatto che il fascino della vecchia Europa non ha distratto il fotografo dal “piccolo angolo di mondo” del suo paese, della sua terra, delle sue montagne, dei suoi sacri affetti familiari, da quelli, cioè, che definiamo “valori”. clip_image00211Dalla realtà egli riesce a cogliere e a contemplare, come assorto, le fibre più riposte quasi a volerne scoprire il senso metafisico. Certe scene e figure, certi scorci panoramici, sono da lui ritratti con la più viva partecipazione dell’animo ma anche della mente, che gli si configurano quale metafora della vita stessa. Quando osserva e fa scattare l’obiettivo, sente ogni volta balzare alla memoria il patrimonio culturale della sua terra, della sua gente e, allora, nell’associare, nel comparare le immagini per lui nuove a quelle che da sempre gli vibrano in cuore, con felice emozione le vede fluire nel loro corso, libere e parallele.

Exibition “Momenti Paralleli”:

- Enoteca “I Tintori”, Foglianise (BN) dicembre 2008 – gennaio 2009

- Caffè Storico Letterario “Giubbe Rosse”, Firenze, giugno 2009

NOTE BIOGRAFICHE

Nicola Rapuano trascorre i suoi primi 25 anni nella terra natale: Cautano, alle falde del Parco Regionale del monte Taburno in provincia di Benevento. Si trasferisce dapprima a Roma, dove lavora come informatico per 6 anni, fino al giugno 2008. Nella “città eterna” maturerà la sua grande passione per la fotografia su pellicola, iniziata in una passeggiata di fine ottobre a Firenze, nel 1999, e poi continuata attraverso tanti viaggi in Europa, con al sua fedele Nikon con obiettivo 50mm (scelto perché più vicino alla realtà dell’occhio umano). Di formazione autodidatta, attraverso la lettura di testo, e in particolare attraverso l’analisi delle immagini scopre gli “istanti decisivi” di Henri Cartier-Bresson e la bellezza degli scatti con pellicola in bianco e nero. Questa specifica interpretazione, fotografata e poi stampata, accresce in lui, di viaggio in viaggio, un sempre più maturo senso dell’immagine. Oggi vive e lavora a Firenze.

a cura della prof.ssa Aurora De Duonni

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PAOLO SCHIAVOCAMPO – ANGELI AL CONFINO Il calendario di attività del Museo Civico di Maccagno, dopo alcune mostre tematiche e collettive, riprende il percorso espositivo monografico rivolto a personalità artistiche del nostro tempo e nel territorio dedicando una mostra personale a Paolo Schiavocampo. Nato nel 1924 a Palermo, Schiavocampo dapprima studia Architettura a Roma e a Milano, poi, preferito l’indirizzo d’Arte, si forma all’Accademia di Venezia, alla Scuola di Pittura di Guido Cadorin, e, allievo di Manzù, all’Accademia di Brera a Milano. L’esordio risale al 1950 a Roma alla Mostra Nazionale della Giovane Pittura Italiana. Inizia da allora un percorso lungo e intenso in campo internazionale e istituzionale con lunghi soggiorni all’estero a New York nel 1964 e in Germania a fine Anni ’90. Il percorso in pittura evolve dall’adesione poetica al Realismo Esistenziale degli Anni ’50 sino all’espressione informale, nell’assenza figurativa e nell’immediatezza di gesto e segno. Al sodalizio artistico con Salvatore Scarpitta e Giuseppe Spagnulo, coniuga anche una forte partecipazione intellettuale al fermento innovatore degli Anni ’60 e ’70, maturando sempre più i caratteri di una personalità nitida che, dagli Anni ’80 si rende isolata nella riservatezza del lavoro. Schiavocampo è protagonista e testimone dell’evoluzione artistica italiana, in particolare in ambito lombardo, nella seconda metà del XX Secolo. Dalla tematica sociale intesa in lettura realistica ed esistenziale, nel corso del tempo, ha maturato in pittura una visione poetica dell’isolamento intellettuale, della solitudine della ragione dinnanzi alla roboanza delle cose, attingendo frequentemente al mondo classico e ai primordi della filosofia. La scultura, in parallelo, palesa attinenze al principio architettonico e sviluppa costantemente il concetto di aggregazione, dialogo e confronto collettivo, nel modello civile di agorà. L’opera, anche se risolta in dimensioni contenute, reca evidente in sé l’ideale di grande sviluppo, di opera civica, piazza o spazio d’incontro. In tale prospettiva si è realizzata buona parte del lavoro di Schiavocampo, approdato alla committenza di grandi monumenti. Personalità ricca e composita, dedita alla letteratura e alla musica, attraverso lunghi anni di insegnamento ha inciso nella maturazione delle più giovani generazioni e ancora oggi rappresenta un punto di riferimento nel corso dell’arte e del pensiero artistico nel nostro tempo.

A cura di Claudio Rizzi, con coordinamento Ad Acta e Patrocinio di Regione Lombardia e Provincia di Varese, la mostra propone al pubblico una selezione di opere dipinte, circa quaranta, partendo da alcune citazioni degli Anni ’80 per proseguire poi nella coerenza di continuità degli ultimi anni. Un catalogo appositamente edito da Silvia Editrice, dotato di ampi apparati e completa documentazione delle opere esposte, illustra la figura e l’opera dell’artista. INAUGURAZIONE: Sabato 25 luglio 2009 ore 18 Maccagno (VA) Civico Museo Parisi-Valle Via Leopoldo Giampaolo, 1 Apertura al pubblico: 26 luglio – 20 settembre 2009 Orari: giovedì, venerdì, sabato, domenica e festivi 10-12 / 15-19 Clicca qui per scaricare il COMUNICATO STAMPA. Vergine in trono, 2007 Renana, 2008 s.t., 2007 Scudo, 2007 Ulteriori informazioni: Civico Museo Parisi-Valle – Maccagno – Tel. 0332/561202 – fax: 0332/562507 www.museoparisivalle.it – info@museoparisivalle.it www.claudiorizzi.com – www.arteadacta.com – adacta@tiscali.it

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per qualsiasi ulteriore informazione, potete contattarmi al numero telefonico 328-9231779.
se avete anche parenti o amici che sono appassionati di fotografia passate l’informazione: l’ingresso è aperto a tutti e non è a numero chiuso.

Saluti, Paolo Toniati

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PER APPROFONDIMENTI O PER ACQUISTARLO: http://www.archimagazine.com/bookshop/lbsegrefirenze.htm

I giardini, luoghi intrisi di memorie, rivelano non solo lo spirito dei tempi in cui furono realizzati, ma, e soprattutto, l’animo dei loro artefici e proprietari. Nella città di Firenze, infatti, proprio attraverso i piccoli eleganti parchi, che si celano all’interno delle antiche mura o che impreziosiscono le ondulate colline, si può leggere in filigrana una sorta di second life, fatta di ricordi e sensazioni, che si dipana attraverso i secoli per restituirci un’immagine diversa ed insolita di luoghi più o meno noti.
Questo libro non vuole essere una guida ai giardini fiorentini, ma raccontare per tracce leggere, proprio attraverso i giardini, alcuni personaggi e avvenimenti che hanno segnato la storia della città. Un itinerario fantastico dove il giardino è spesso lo scenario privilegiato, ove le emozioni diventano spazio e, come in un grande specchio, si colgono riflessi ed echi del passato in un evanescente palinsesto di memorie.
In sostanza una sorta di spirito dei luoghi, come aveva colto l’acuta mente dello scrittore Henry James durante una visita a Palazzo Corsini: “Nei luoghi dove si è vissuto così a lungo, secondo tali e tanti raffinati ed antichi costumi [...] il passato sembra aver lasciato un notevole sedimento, un aroma, un’atmosfera” 1. E questo tanto più vale per i giardini di Firenze, spazio rarefatto dove si sovrappongono storie, sentimenti, saperi e misteri.
E a cominciare proprio dal Rinascimento, quando s’iniziano a scoprire e a tradurre gli antichi testi di Ermete Trimegistro e di Platone, da cui prenderà vita “quel movimento culturale che caratterizzò la seconda metà del Quattrocento fiorentino, e che fu intriso di ermetismo e platonismo” 2, i giardini diventano la cornice di colte conversazioni, si pensi alle riunioni dell’Accademia Platonica, che avevano luogo alla villa medicea di Careggi per essere ospitate poi, alla morte di Lorenzo il Magnifico, nel giardino degli Orti Oricellari, e ancora portatori di segreti iniziatici, che si celano nello stesso disegno e arredo plastico – decorativo, come nella stupenda orchestrazione, dal grande vigore simbolico, della grotta degli animali nel giardino della villa di Castello.

Nelle ville laurenziane, alla corte del Magnifico, si celebra il tema del giardino d’amore e di Venere, già esaltato nelle splendide tele botticelliane, sottile rimando alla forza creatrice dell’Universo: l’eros, celebrato dai neoplatonici, ovvero il potere vivificante della natura che presiede al dinamismo degli elementi, la forza d’amore che trasforma le creature in essenze di bellezza. Antiche verità si nascondono, in un crescendo simbolico, all’interno di composizioni di grande valore artistico, come nella complessa decorazione del grande timpano che sovrasta l’ingresso della villa di Poggio a Caiano, dove il procedere narrativo rimanda ad una griglia di antichi miti e segrete risonanze a tuttoggi dalle insolute chiavi di lettura.
Ancora in pieno Cinquecento la magia dei quattro elementi che si nasconde, come una sorta di inno al canone della metamorfosi, nella superba allegoria della Grotta nel giardino di Boboli, traspare nella sottile trama del parco di Pratolino, a nord della città di Firenze sulla via che conduce a Bologna, ma alla città strettamente connesso come testamento spirituale di Francesco I dei Medici, il saturnino principe alchimista, e come espressione iconica della complessità della grande stagione manierista, dove la meraviglia e l’intrattenimento fantastico si coniugano con le segrete assonanze della pratica trasmutatoria alchemica. Una sorta di Disneyland manierista dove esseri mostruosi e fuori scala, antri oscuri, abitati da fantastici automi che si muovono al suono di musiche prodotte da congegni meccanici, e mille altri artifici nascondono complessi e antichi simbolismi.
Di diretta derivazione dalle meraviglie di Pratolino è la redazione seicentesca del giardino degli Orti Oricellari, ridisegnato sotto la sapiente regia del cardinale Giovan Carlo de Medici. Nel parco, che già vantava un passato all’insegna del magico con la precedente proprietaria Bianca Cappello e le sue intriganti notturne messe in scena, il tema del mostruoso, esaltato nella colossale statua di Polifemo, che si erge in mezzo al giardino, s’intreccia con quello della meraviglia, nascosto nella grotta che fa pendant con la stessa figura del gigante, in un’originale e complessa elaborazione dal sapore iniziatico.
Nel secolo dei Lumi, la nuova moda del giardino paesaggistico inglese, dalle complesse e simboliche tematiche, diffusasi fin dal XVIII secolo nell’Europa settentrionale, verrà recepita a Firenze in ritardo e in modo sommesso rispetto alle altre nazioni, dove invece la nuova tendenza nasconderà all’interno dei parchi intriganti percorsi iniziatici, segnati da fabriques e false rovine in una mirabile simbiosi di arte e natura.
L’architetto – filosofo Giuseppe Manetti, vissuto a cavallo tra il XVIII e il XIX secolo, è l’interprete del nuovo gusto del giardino all’inglese con la sistemazione del giardino Corsi, dedicato all’amicizia, come recita il grande cartiglio collocato a mò di manifesto sulla terrazza che si apre su via dei Serragli, e che sembra velatamente alludere ad un’ipotetica confraternita di uomini saggi.
Anche nel Parco delle Cascine, ridisegnato dall’abile mano dello stesso valente architetto, in occasione dell’apertura al pubblico del grande spazio verde, suggestioni colte lasciano intendere ben più alte spiritualità e rimandano ad antiche sacralità. Della maniera simbolica del Manetti, ancorché dei suoi progetti, sono indicativi gli scritti in cui traspare un antico sapere, come nel suo “Studio degli Ordini di Architettura” del 1808, dove sono frequenti i rimandi al testo esoterico “De Misteris” di Giamblico”3, e ancora nella relazione che accompagna il progetto, mai realizzato, della ristrutturazione della Villa di Poggio a Caiano per la principessa Elisa Baciocchi4, dove, quasi a voler raccogliere l’eredità del pensiero neoplatonico, la villa viene celebrata come luogo dedicato all’adorazione della Suprema Sapienza. Il grande tema della grotta, che si evidenzia, come tappa di un iter sapienzale, nel progetto del Manetti, peraltro rimasto sulla carta, della Villa del Poggio Imperiale ancora per la principessa Elisa, sarà invece recuperato, nel suo significato di allegorica discesa agli Inferi e successiva rinascita, dall’architetto Luigi Cambray Digny, erede e continuatore del filosofico architettare del Manetti, cui si deve la redazione del giardino Torrigiani e degli Orti Oricellari, rispettivamente per il marchese Pietro Torrigiani e per il marchese Anton Filippo Stiozzi. In entrambi i progetti si può leggere in filigrana una sorta di itinerario allegorico, ispirato al simbolismo di chiara impronta massonica, che si dipana tra gli inserti vegetali e gli apparati decorativi in un racconto di emblematiche metamorfosi, ad avvallare questa chiave di lettura è inoltre il fatto che sia il Cambray Digny che entrambi i committenti appartenessero alla consorteria segreta di filiazione francese presente nella città di Firenze con ben due logge, la prima, in ordine di tempo, intitolata a Napoleone e la seconda dedicata alla sorella Elisa. La loggia Napoleone, inaugurata nel 1807, raccoglieva, infatti, sotto la sua egida, il fior fiore dell’aristocrazia e dell’intellighentia fiorentina: il marchese Pietro Torrigiani, il senatore Ippolito Venturi, Piero dei Mozzi, il marchese Anton Filippo Stiozzi, il conte Guido della Gherardesca, il conte Girolamo de Bardi, accanto ai quali spiccano i nomi del dottor Paolo Mascagni, celebre professore di Anatomia, dell’incisore Raffaello Morghen e dell’architetto Luigi Cambray Digny.
Con il Cambray Digny si chiude la grande stagione di architetti filosofi, anche se Giuseppe Martelli, allievo preferito e pupillo del Digny, e che grazie a quest’ultimo aveva potuto svolgere un periodo di apprendistato a Parigi, sembra nei suoi primi progetti ricalcare le orme del Maestro, con evidenti accenni alle architetture rivoluzionarie d’oltralpe, ma che non avranno seguito probabilmente per la mancanza di una committenza sufficientemente sensibile a questi temi.
Ancora ispirato al simbolismo massonico è il giardino Stibbert a Firenze, ridisegnato dal suo proprietario Federico Stibbert, uomo colto e liberale, con l’inquietante tempietto egizio, vigilato da una teoria di enigmatiche sfingi, che si specchia sulle acque di un piccolo lago, e che segna il termine del percorso allegorico. Nel parco, dove è più che mai evidente come lo Stibbert sia stato il solo ideatore dell’intero complesso, il richiamo all’Egitto e alla sua simbologia, rimanda ancora alla consorteria massonica, cui faceva parte anche Federico Stibbert come adepto della fiorentina loggia Concordia, e nel cui alveo l’antica civiltà fiorita sulle rive del Nilo era, infatti, considerata la patria d’origine dei rituali iniziatici e dello stesso ermetismo.
Fra Otto e Novecento i giardini fiorentini inaugureranno un nuovo gusto, grazie alla comunità di stranieri, chiamati genericamente “gli inglesi”, che avevano eletto la Toscana e principalmente la città di Firenze a propria dimora, e che amavano soggiornare in ville circondate da grandi parchi. Questa nascente moda si deve anche ai mutamenti delle condizioni sociali, infatti, tra Sette e Ottocento, cambia totalmente il concetto di Grand Tour, fino allora prerogativa della classe aristocratica che, con il nuovo secolo, si allarga alla nuova generazione di borghesi ricchi. Firenze non è più una tappa di un lungo viaggio, ma diventa una sorta di seconda patria per molti stranieri.
Le ville della città di Firenze e delle sue amene colline, con i loro parchi e giardini dove aleggiano antichi fantasmi, diventeranno i luoghi di soggiorno preferiti dagli stranieri, attratti dall’atmosfera di libertà, che permetteva modi di vivere aspramente criticati dalla società inglese dell’epoca, ed allettati anche dal buon mercato della vita domestica, come Henry James notava nel 1877: “Sulla collina di Bellosguardo le ville sono innumerevoli e il forestiero non sente parlar d’altro [...] per lo più sono da affittare (molte credo in vendita) a prezzi inverosimilmente bassi: si possono trovare una torre con giardino, una cappella e una lunga distesa di trenta finestre per cinquecento dollari l’anno”.
Nel XIX secolo, infatti, molte delle ville più importanti risultano di proprietà di stranieri: Lady Scott, figlia del Duca di Portland vive a villa Capponi, il collezionista William Blondel Spence a villa Medici sulla collina fiesolana, Miss Bianca Light a villa i Cedri a Bagno a Ripoli, i Conti Crawford a villa Palmieri e ancora i Demidoff, dopo aver abbandonato la superba villa di San Donato a Polverosa, si erano stabiliti a Pratolino, gli Strogonoff alla villa di Quarto a Sesto, Olga Orloff viveva nel giardino degli Orti Oricellari e la principessa Ghyka alla Gamberaia.
“Firenze, – scrive il giornalista americano Wills5- la più gaia e bella delle città italiane, è il ritrovo degli stranieri di ogni parte del mondo. La società è un misto di tutte le nazionalità, un terzo circa di Fiorentini un terzo di Inglesi, e il rimanente Russi Tedeschi Francesi Polacchi e Americani in parti uguali. Gli inglesi ricevono parecchio, e danno la maggior parte dei balli e delle cene”.
Proprio sulle colline che abbracciano Firenze, una costellazione di ville si anima dei nuovi ospiti: poeti, scrittori e artisti che cercheranno e troveranno negli ineffabili orizzonti della città ispirazione per le loro opere e creazioni artistiche. “L’atmosfera di Firenze – rilevava Nathaniel Hawthorne a proposito del suo soggiorno fiorentino – almeno quando si ascende un po’ entro di essa, suggerisce delle speculazioni planetarie. Così la trovò Galileo, e Powers ed io penetrammo l’intero universo”.

SOMMARIO
Introduzione
CAPITOLO I – ALCHIMIA E ASTROLOGIA NEI GIARDINI MEDICEI
Un percorso iniziatico nel giardino di Boboli.
La celebrazione del giardino di Venere nella Villa di Careggi
I segreti di Cosimo I nascosti nel giardino della Villa di Castello.
Il Parco di Pratolino: testamento spirituale di un principe alchimista.
La Villa di Poggio a Caiano: la dimora filosofale di Lorenzo il Magnifico.
Le simboliche geometrie dell’Orto Botanico.

CAPITOLO II – GIARDINI SIMBOLICI E ALLEGORICI
Feste negromantiche e omicidi nel giardino degli Orti Oricellari.
Palazzo Serristori: un giardino sull’Arno.
Il giardino Corsi: un luogo consacrato all’amicizia.
Echi romantici e simbolismi massonici nel giardino Torrigiani.
Suggestioni arcane nel Parco delle Cascine.
Giardino Stibbert: l’elegante scenario di antichi saperi.
Gli Orti di Parnaso nel giardino dell’Orticultura.
La Grotta della Fata Morgana a Villa Il Riposo.

CAPITOLO III – GLI ANGLO-FIORENTINI A BELLOSGUARDO
Un tè all’inglese a Villa Brichieri-Colombi.
La Torre di Bellosguardo: ambito ritrovo della società mondana e cosmopolita.
I fantasmi della Villa di Montauto raccontati da Hawthorne.

CAPITOLO IV – ARTISTI E LETTERATI IN GIARDINO
Villa dell’Ombrellino: dove fiorisce l’ingegno.
Villa Romana: un atelier per artisti.
Musica e arte tra le mura del Convento di San Francesco di Paola.
Un pittore preraffaellita a Villa Lo Strozzino.
Il boschetto sacro di Villa Bellagio.
Villa Medici: un cenacolo di artisti e letterati.
I pomeriggi letterari di Vernon Lee a Villa il Palmerino.
Il rifugio del vate a Villa La Capponcina.
Una principessa nel giardino di Villa Gamberaia.

CAPITOLO V – IL FASCINO DEL PASSATO FRA RISCOPERTA E INVENZIONE
Il Paradiso in terra a Villa Palmieri.
Villa Gherardo-Ross: la dimora di un’affascinate lady inglese.
Villa La Torraccia: la cornice fantastica delle ‘Conversazioni Immaginarie’.
Il fascino del Medioevo nel Castello di Vincigliata.
Bernard Berenson: un collezionista d’eccezione a Villa I Tatti.
Un’eccentrica americana a Villa Curonia.
Il belvedere del Giardino Bardini.

CAPITOLO VI – TRA LE OMBRE DEL TEMPO: AMORI, SEGRETI E SEPOLCRI
I passatempi del Cardinale a Villa di Lappeggi.
Villa La Quiete: l’ameno ritiro dell’ultima principessa medicea.
Paolina Bonaparte a Villa Fabbricotti.
Villa Oppenheim-Cora: la lussuosa dimora di una baronessa innamorata.
Il Cimitero degli Inglesi: l’isola dei morti.

Bibliografia essenziale

PAOLA MARESCA, architetto è nata a Firenze dove vive e lavora. Entrando nella redazione della rivista Psicon, diretta da Eugenio Battisti sviluppa il suo interesse per il simbolismo nell’architettura.
È autrice di numerosi saggi su libri tra i quali: Lo Stanzino del Principe in Palazzo Vecchio (1980), Firenze. La cultura dell’utile(1984), Alla scoperta della Toscana lorenese. Architettura e bonifiche (1984), La fortuna degli Etruschi (1985), Il giardino romantico (1986), Il concerto di statue (1986), Gli Orti di Parnaso (1989) e articoli su riviste specializzate quali Psicon e Arte dei Giardini. Storia e Restauro. Da alcuni anni in funzione del compito istituzionale del proprio Ufficio si occupa di beni culturali partecipando anche a convegni in Italia e all’estero su questo tema. Ha pubblicato “Boschi sacri e giardini incantati”(1997), “Giardini incantati, boschi sacri e architetture magiche” (2004), “Giardini, mode e architetture insolite”(2005), “Giardini, donne e architetture”(2006) e “Giardini simbolici e piante magiche”(2007). Dirige inoltre i Quaderni “Giardino e Architettura”.

PER APPROFONDIMENTI O PER ACQUISTARLO: http://www.archimagazine.com/bookshop/lbsegrefirenze.htm

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Il 14 aprile, esattamente due settimane dopo il voto, le autorità turche hanno dato il via a una maxi-operazione contro il Partito della società democratica (DTP) condotta simultaneamente in 12 province del sud est, che ha portato al fermo di oltre 300 persone incolpate dei legami con il Partito dei lavoratori del Kurdistan (PKK), l’organizzazione combattente che Ankara accusa di terrorismo.
Ad oggi sono stati effettuati oltre 316 fermi tra dirigenti del DTP, rappresentanti delle autorità locali, attivisti di organizzazioni della società civile, avvocati, esponenti del Mesopotamia Social Forum e del Movimento Democratico delle Donne (DOHK). Inoltre 201 persone sono già agli arresti accusate di appartenere a organizzazione terroristica: 194 sono membri DTP, di cui 11 donne del DOHK, 7 attivisti di organizzazioni della società civile, 3 sindacalisti, 1 direttore della TV locale, 1 esponente Mesopotamia Culture Center.
Nel corso della manifestazione Un ponte per… terrà incontro con la stampa e presenterà una campagna in solidarietà ai detenuti curdi che prevede, tra varie azioni, una petizione per sostenere la resistenza democratica del popolo curdo e per una soluzione politica della questione curda.
Quattro anni fa, a Diyarbakir, nel principale centro del sudest turco, l’attuale primo ministro Recep Erdogan parlò di “problema curdo”, definendolo “un nostro problema”. Riconobbe gli “errori” commessi dallo Stato turco e si impegnò a correggerli.
Quel discorso gli valse un’apertura di credito non indifferente da parte della stessa popolazione curda, che – forse per la prima volta – tentò di guardare a un capo di governo turco come a un possibile interlocutore, piuttosto che come a un nemico.
Da allora sono passati solo quattro anni, ma la distanza politica percorsa è molto più ampia. Pressato dall’esercito e dall’establishment kemalista, il leader dell’AKP – emulando in questo i suoi predecessori – ha accettato di affrontare la questione della minoranza curda esclusivamente in termini di sicurezza, scegliendo la repressione ed escludendo a priori il dialogo.
La prova del cambio di rotta si è avuta nelle ultime settimane, caratterizzate da un’ondata repressiva che ha pochi precedenti nella storia turca e che ha fatto seguito alla vittoria del DTP in tutto il Kurdistan turco in occasione delle elezioni amministrative dello scorso 29 marzo.
Il tentativo di sovrapposizione – e dunque delegittimazione – tra DTP e PKK è andato avanti nei giorni successivi con la condanna di tre sindaci di municipalità del sudest, accusati di “propaganda terroristica”.
E ancora una volta sotto processo per le sue opinioni è finita Leyla Zana, ex deputata e donna simbolo della lotta del popolo curdo.
Tuttavia, al di là di quanto successo avranno le politiche repressive adottate da Ankara, la recente affermazione del DTP e la sua conferma come quarto partito nazionale è un dato di fatto che, nel futuro prossimo, la Turchia non potrà ignorare. “Non è più possibile prendere impegni sul futuro delle politiche democratiche in Turchia senza tenere in considerazione la ‘realtà curda’”, ha scritto all’indomani del voto Mehmet Barlas su Sabah.
Le vicende di queste ultime settimane lo provano una volta di più.
Info e contatti:
Un ponte per: www.unponteper.it – stampa@unponteper.it
OsservatorioIraq: www.osservatorioiraq.it – redazione@osservatorioiraq.it
Rete italiana di solidarietà con il popolo kurdo: www.newroz2009.blogspot.com

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A1 / Effetto Cantiere
Mostra fotografica sulle trasformazioni del Territorio
nelle aree di Cascine del Riccio e del Galluzzo (2008-2009)
Un progetto Deaphoto Staff in collaborazione con
Consiglio di Quartiere 3

Si inaugura Sabato 23 Maggio alle ore 18 presso il C.R.C. “Le Cascine del Riccio” a Firenze,
A1/ Effetto Cantiere. La mostra fotografica presenta 16 immagini a colori formato cm 50×70 che
documentano le trasformazioni del Territorio di Cascine del Riccio e del Galluzzo in seguito ai
lavori di ampliamento dell’A1 nel tratto di Firenze Sud dal 2008 fino al primo semestre del
2009. Il Progetto, nato dalla collaborazione dell’Associazione Culturale Deaphoto con il
Consiglio di Quartiere 3 del Comune di Firenze, intende monitorare lo stato di progressivo
avanzamento dei lavori ed il loro impatto ambientale. L’analisi fotografica procederà attraverso la
realizzazione di una serie regolare di reportage e mostre sulle aree interessate (con la creazione
parallela di un archivio fotografico in progress) in modo da sensibilizzare la collettività verso le
problematiche del rispetto e della tutela ambientale. Una volta stabilite le aree e gli obbiettivi della
ricerca gli otto fotografi del Deaphoto Staff si sono mossi liberamente, sulle zone loro affidate, alla
ricerca di punti di vista che mettessero in evidenza le modifiche del territorio. Confidando nella
capacità culturale e professionale e nella esperienza e sensibilità ambientale nella lettura degli
spazi (maturate in precedenti campagne di documentazione) i fotografi Deaphoto hanno
raccontato la loro esperienza sul campo, la loro relazione con il paesaggio, depositando in
immagine la visione personale di un’importante trasformazione in atto.
Sandro Bini > Martin Rance > Giovanni De Leo > Simone Cecchi > Filippo Brinati
Paolo Contaldo > Michelangelo Chiaramida > Lorenzo Rugiati
23 Maggio – 14 Giugno 2009
C.R.C. “Le Cascine del Riccio”
Via Ponte a Jozzi 1 – Cascine del Riccio – Firenze.
Tel 055209032 – www.crclarinascente.it – rinascente1@virgilio.it
Orari di apertura: Mar > Ven 7-19 – 20,30-24.
Sab 8-12,30 – 14-24 / Dom 8-12,30 – 14-19 – 20,30-24
Inaugurazione Sabato 23 Maggio ore 18-20
Info > Consiglio di Quartiere 3 – Ufficio Territorio.
Via Tagliamento, 4- 50126 Firenze / Tel 055 – 2767721 – v.vieri@comune.fi.it
PRESENTAZIONE DEL PROGETTO
A cura di Consiglio di Quartiere 3 – Comune di Firenze
Il territorio del Quartiere 3 del Comune di Firenze è oggetto e lo sarà per anni, insieme ai Comuni
contermini di Bagno a Ripoli, Impruneta e Scandicci di grosse trasformazioni infrastrutturali
derivanti dalla realizzazione della terza corsia autostradale e delle relative opere connesse. In
particolare il Quartiere sarà coinvolto nelle aree interessate dalla realizzazione dei by pass del
Galluzzo e di Cascine del Riccio. Le lavorazioni nell’area del Galluzzo si sono sviluppate con l’area di
cantiere nella vallata su Via delle Bagnese per poi iniziare su vari fronti gli imbocchi dei tratti di
galleria, fino agli innesti su via Senese e allo svincolo Firenze Certosa. Nell’area di Cascine del
Riccio sono stati realizzati un grande insediamento con gli alloggiamenti per gli operatori, un nuovo
ponte sul fiume Ema e sono iniziate le opere di riempimento della Cava di Monteripaldi – dove
rimane ancora ben visibile l’abbattimento indiscriminato dei cipressi prima presenti sul crinale della
cava.
Tutte le lavorazioni in corso e in contemporanea hanno portato il Quartiere 3, in questi anni ad
istituire per l’Amministrazione Comunale di Firenze un tavolo di concertazione, aperto ai soggetti
interessati dalle opere, compresi anche i cittadini, per un monitoraggio costante sulla realizzazione
che sta progressivamente e costantemente modificando il territorio. Tale situazione ha sviluppato
nella sensibilità del Quartiere, la volontà di intraprendere un monitoraggio fotografico sugli effetti
delle modificazioni in atto sul territorio e sull’ambiente circostante nel graduale avanzamento delle
opere di trasformazione e fino al loro completamento.
Dal 2007 il Quartiere 3 ha sviluppato un progetto di analisi sull’impatto ambientale a monitoraggio
dell’ampliamento autostradale e della costruzione dei by pass, nelle zone del Galluzzo e di Cascine
del Riccio, con la collaborazione della Associazione Culturale Deaphoto e con la quale intendiamo,
attraverso ricognizioni fotografiche periodiche sul territorio, costituire un archivio sul progressivo
stato di avanzamento dei lavori, da presentare periodicamente attraverso mostre fotografiche
pubbliche con una serie di immagini selezionate. L’iniziativa potrà anche attraverso il
coinvolgimento delle scuole sensibilizzare oltre la collettività anche i più piccoli, verso le
problematiche del rispetto e della tutela ambientale, da perseguire anche e soprattutto nella
realizzazione delle grandi opere infrastrutturali.
Una selezione del lavoro realizzato nel 2008 più la prima parte del lavoro del 2009 sarà presentato
in una mostra fotografica che sarà inaugurata Sabato 23 Maggio alle ore 18 presso il C.R.C. “Le
Cascine del Riccio”, si spera così di promuovere un particolare interesse nella cittadinanza in modo
da proseguire anche nel futuro il percorso avviato di monitoraggio fotografico sul territorio, magari
con un contributo da parte degli stessi soggetti attuatori dell’opera. L’iniziativa del Quartiere
intende documentare le opere fino alla loro conclusione, da raccogliere in una pubblicazione finale
di fotografie e commenti sugli “Effetti Cantiere”, derivanti dalle modificazioni del territorio e
dell’ambiente.

PRESENTAZIONE CRITICA DELLA MOSTRA
di Francesca Ronconi
Sono secoli che l’uomo in Toscana allinea viti e cipressi, coltiva olivi e traccia con cura le linee dei
fossi. Quel paesaggio che viene celebrato come espressione armoniosa della natura, è costruito
dall’intreccio tra attività umane e forze e colori della flora e della fauna. L’ambiente è fatto tanto
dai girasoli quanto dagli operai o dai contadini, che lo attraversano e costruiscono in esso case e
relazioni, che li vincolano agli elementi naturali e agli altri abitanti. La mobilità moderna si rivela
subito nella tangibilità delle strade, che la incanalano e la supportano. L’asfalto è un segno pesante
che copre l’erba e apre la via alla velocità, consente fitti transiti che spesso non guardano cosa
lasciano di lato al loro passaggio. Attraverso i cantieri gli uomini decidono di mutare gli equilibri
stabiliti fino ad allora con il territorio in oggetto. Oltre a modificarli nelle forme, intervengono nelle
visioni e nelle percezioni della zona. Un tunnel contamina le leggende di una valle con quelle
dell’altra, gli spiriti dei luoghi si fondono e a volte vengono dimenticati. Lo staff dei fotografi
Deaphoto si inserisce nella negoziazione delle proporzioni della presenza umana rispetto agli
elementi naturali, accompagnando il fiorire di un mutato valore estetico. Nuove superfici si
preparano ad essere esplorate dallo sguardo, e non solo a lavori conclusi. Anche la fase di
intervento diventa oggetto di osservazione e documentazione, si scoprono l’autoironia dei suoi
cartelli, le espressioni degli automezzi e quell’arancione che avverte e ricorre. I materiali
indistruttibili, le geometrie essenziali della contemporaneità compongono nuovi immaginari che si
innestano nella trasformazione in atto. La fotografia si rivela uno strumento per scoprire e
completare il disegno dei segni prodotti da questo processo. I paesaggi dell’esperienza evolvono
con ritmi variabili, talvolta traumatici, oppure con la calma che rende partecipi gli abitanti di quanto
sta avvenendo. Ogni sviluppo incontra entusiasmi e timori, comunque quando una mattina si
rannuvola e inizia a piovere, sia la terra che l’asfalto si bagnano e cambiano odore.
ASSOCIAZIONE CULTURALE DEAPHOTO / Didattica e Progettazione fotografica
Via Pisana 224r – 50143 Firenze – Tel fax 0550517721 – Cell. 3388572459
www.deaphoto.it – deaphoto@tin.it

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presenta:

LIDIA BACHIS, PINO SETTANNI, PIERO STEINLE

a cura di Fabio Migliorati

Bergamo
via della Fara, 13
sabato 9 maggio-domenica 21 giugno

Conclusa la personale dell’opera di Milena Jovicevic Popovic, Next Art Gallery stimola ora la riflessione sul tema del sorridere. La sede bergamasca è, infatti, il luogo prescelto per un’esposizione del lavoro di tre artisti: Lidia Bachis, Pino Settanni, Piero Steinle…
L’arte contemporanea ha poco a che fare con l’estetica intesa come riferimento alla bellezza. Da qualche anno, tuttavia, si avverte l’esigenza di formalizzare in qualche maniera il contenuto dell’espressione artistica, almeno postmoderna. Lo stato delle arti visive, oggi, necessita di quel mirabile status tanto inseguito dall’inizio del Novecento da tanta parte della critica; quella che, a ora pare rassegnata, esausta, arrendevole. E la cedevolezza si concreta nei riguardi della libertà assoluta: un caos indistinto perfino da se stesso, indefinibile perché definito linguistico, semantico, significante.
Al posto della bellezza, allora… linguaggio, di cui il piacere è una possibilità!
Piacere del sorriso, dunque; a costituire l’esperienza di un esempio, un gesto emblematico in tre versioni espressive dissimili: sia nella forma, sia nel contenuto. Si tratta di tecniche differenti, per differenti stili interpretativi. La traduzione di un messaggio attraverso la pittura (Bachis), la fotografia (Settanni), il video (Steinle); e la tematica è argomentata per via di un approccio rispettivamente emozionale, simbolico, ideale.
Lidia Bachis propone dieci dipinti a olio su tela, realizzati con l’intento di raccontare il sorridere in varie pose; indifferenza o partecipazione, quel sorriso risulta affermativo, incisivo, diretto a una via d’accesso corporea fino alla mente. La linea è confusa fra colore e volume, senza emergere dall’uso sintetico dell’elargire materia sulla superficie; è quasi liquido, appena coagulo per sagome o fisionomie, restando sì espressionistico ma al confine fra descrizione e simbologia.
Pino Settanni è diretto discendente della tradizione fotografica internazionale e, più precisamente, dell’atmosfera pop che colora (Roma) negli anni Sessanta: bocche, volti, mani assurgono al ruolo di indizi per la considerazione dell’immagine in sé. E questo nella versione antropologica della narrazione, poiché bocche, volti, mani sono ciò che sembrano: magneti per una concezione del rapporto perfezione/imperfezione, alla stregua di un clima culturale in grado di determinare prospettive, profondità o gamme dietro alle quali osservare e, quindi, vedere la vita.
Piero Steinle si confronta con il senso del sorriso da una certa distanza. Indaga il tema con l’arma della riflessione indotta, cercando una relazione con l’esterno connotato ai condizionamenti della società – resa capace per l’interazione informativa che la caratterizza. Sorridere corrisponde addirittura alla negazione del sorridere, mentre diventano fondamentali le coordinate dell’ambiente scenico; l’agire necessita di contesto e si nutre di reazione, per esempio. Assume rilevanza, così, lo sviluppo di un concetto in un quadro spaziotemporale, di là del motivo medesimo.
Estetica del sorriso vuol dire libertà di pensare l’effetto del piacere manifestato: tre personalità rivelano allora sensibilità disuguali, legate, però, alla volontà di confrontarsi con un tema impopolare; un tema che subisce una discendenza, in attesa di proseliti (consapevoli o no).

estetica del sorriso
LIDIA BACHIS, PINO SETTANNI, PIERO STEINLE

Pino Settanni, fotografia: 70×100, 1968

vernissage sabato 9 maggio h 18.00

presentazione critica di:
Fabio Migliorati

NEXTARTGALLERY
Via della Fara, 13 – 24100 Bergamo
Via della Bicchieraia, 20 – 52100 Arezzo
call 335 5357316
www.nextartweb.it
info@nextartweb.it bergamo@nextartweb.it

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Sabato 18 aprile 2009 ore 18.30

Officine Fotografiche
Via Casale De Merode, 17/a – Roma

Officine Fotografiche ha organizzato un incontro d’eccezione con il fotografo Ernesto Bazan, per parlare di uno dei suoi lavori più intensi: Cuba. Un viaggio fotografico e un libro che saranno presentati sabato 18 aprile 2009 alle ore 18.30 presso la sede dell’associazione, con l’ausilio di una proiezione delle fotografie del suo lavoro.
Ci sono voluti 14 anni di vita e fotografia a Cuba, e poi due intensi anni di editing, messa in pagina e stampa, per dare alla luce il libro, che si intitola appunto Cuba.
Approdato sull’isola per la prima volta, quasi per caso, nell’autunno del 1992, Ernesto Bazan ha ritrovato per le strade dell’Avana la sua infanzia siciliana perduta e inconsciamente cercata invano durante molti viaggi in giro per il mondo.
“Per tanti anni Cuba l’avevo fortemente desiderata come si desidera una donna che incontri e non riesci più a togliertela dalla testa. Sono quasi certo d’esserci vissuto in un’altra vita” ha scritto nelle pagine del suo diario.
Il lavoro su Cuba coniuga l’approccio reportagistico, in cui Bazan cerca di cogliere la quintessenza del vivere quotidiano fotografando gente sconosciuta, incontrata per qualche secondo per le strade dell’isola, assieme ad un approccio più intimo e personale nelle foto che ritraggono vari momenti nella vita della sua famiglia e dei suoi amici contadini con cui ha condiviso lunghi periodi di tempo nelle campagne cubane reminiscenti della terra natia.
Cuba ha fatto vincere a Bazan alcuni dei più importanti premi internazionali fra cui vale la pena menzionare: il W. Eugene Smith Fund, considerato l’Oscar della fotografia documentaristica mondiale; il primo premio nella categoria di vita quotidiana al World Press Photo; e una borsa di studio dalla prestigiosa Fondazione Guggenheim.

Ernesto Bazan è nato nel 1959 a Palermo. Ha ricevuto la sua prima macchina fotografica a 14 anni, quando iniziò a fotografare la vita quotidiana della sua città natale e le zone rurali della Sicilia. Da allora la fotografia è diventata una vera missione di vita.
I suoi lavori sono stati esposti in Europa, in America Latina e negli Stati Uniti. Le sue fotografie fanno parte di collezioni private e musei fra cui il MOMA e l’ICP di New York, il SFMOMA a San Francisco, il Museo di Fine Arts di Houston, il Center for Documentaire Studies all’università di Duke a Durham, il South East Museum of Photography a Daytona, la Fondazione Italiana della Fotografia a Torino, la Biblioteque Nationale a Parigi e il Museo Rattau ad Arles.
Il lavoro su Cuba ha vinto alcuni fra i più prestigiosi premi internazionali: il W. Eugene Smith, il Mother Jones Foundation for Photojournalism, la Dorothe Lange – Paul Taylor prize, il World Press Photos, due borse di studio delle Fondazioni Alicia Patterson e una dalla fondazione Guggenheim. Vive attualmente in Messico, dove ha creato i BazanPhotos workshop, che danno una speciale enfasi all’America Latina.

Un evento organizzato da
Officine Fotografiche Associazione Culturale
via Casale de Merode 17/a – 00147 Roma
tel/fax 06 5125019
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Venerdì 17 Aprile 2009 alle ore 20,00 sarà inaugurata la Mostra Fotografica Personale di Virgilio Giuricin di Rovigno (Croazia) dal titolo “Il tramonto di un’epoca” presso la Galleria FIAF – Le Gru (Corso Vitt. Emanuele,214) di Valverde (CT).

La mostra sarà presentata da Giuseppe Fichera (Presidente del G. F. Le Gru), da Enzo Gabriele Leanza (Consigliere Nazionale FIAF) e da Santo Mongioì (Delegato Regionale FIAF); la stessa sarà possibile visitarla tutti i venerdì e lunedì fino all’11 Maggio 2009 dalle ore 20,00 alle ore 21,30.

Ulteriori informazioni sull’attività del Gruppo su www.fotoclublegru.it

Di seguito il testo a cura di Tullio Vorano

il tramonto di un’ epoca

OMAGGIO AI MINATORI PERITI NELLA MINIERA DI ALBONA (ISTRIA)

In Istria, Croazia, nell’ Albonese, la fine del secolo e del millennio è stata contraddistinta anche dall’estinzione di un processo produttivo estremamente significativo: la chiusura delle miniere di carbone. Da queste parti le attività minerarie iniziarono già nel diciassettesimo secolo – i primi cenni d’archivio fanno riferimento all’anno 1626 – e dunque al periodo dell’amministrazione Veneta. Tempi in cui quaranta minatori o poco più, con attrezzature e tecnologie d’epoca, erano in grado di estrarre ogni anno fino a 500 tonnellate di carbone. In seguito, dopo alti e bassi, momenti di gloria e momenti di crisi e di profonda recessione, sotto l’amministrazione austriaca ma soprattutto sotto quella italiana, si registrò un vertiginoso aumento della produttività fino a che, negli anni ’40 del secolo scorso, le miniere albonesi arrivarono a dare impiego a oltre diecimila minatori, per raggiungere e addirittura superare il milione di tonnellate di carbone annue che venivano estratte. Si trattava dunque, a tutti gli effetti, di un vero colosso industriale. Grazie all’avvio della produttività in cave moderne, le Miniere d’Arsia divennero famose sia a livello nazionale sia a livello mondiale.

Erano tempi in cui il cosiddetto «oro nero» rappresentava una fonte d’energia straordinaria, che spronava lo sviluppo dell’industria e del traffico. Nel contempo le Miniere Istriane realizzarono tutta una serie di iniziative che influirono profondamente e a volte anche del tutto, sull’ambiente anche al di fuori del complesso industriale. La bonifica del lago di Cepich, le irrigazioni della valle di Carpano e della valle del fiume Arsa, offrirono all’agricoltura una non indifferente possibilità di progredire grazie all’ampliamento dei terreni coltivabili ma si pensò anche a nuovi spazi edificabili destinati alla costruzione di case e abitati e nacquero nuovi centri urbani. Citiamo ad esempio Arsia, cittadina – modello, creata su progetto dell’abile architetto triestino Gustavo Pulizer Finali. Nel corso del XIX e del XX secolo, dunque, l’attività mineraria influì in modo incisivo e diretto sulla vita nell’ Albonese ma anche di tutta l’Istria, per non andare oltre. Il tramonto definitivo di quest’ epoca avvenne ai giorni nostri, nel 1999, quando anche l’ultima miniera di Tupliaco che operava in ambito all’azienda «Miniere Albonesi Tupliaco», venne chiusa dall’amministrazione croata.

Con la macchina fotografica, sua fedele compagna, nella primavera di quel fatidico anno, pochi giorni prima che cessassero le attività produttive, Virgilio GIURICIN, esimio maestro di fotografia artistica, scese in più occasioni nelle viscere delle miniere di Tupliaco per immortalare nell’arco di due settimane, a profondità tra i 250 e i 300 metri, gli ultimi momenti di vita della miniera. Come mai questo suo interessarsi alle miniere? In oltre cinquant’anni di carriera fotografica Giuricin aveva già fotografato tutto o quasi tutto. Dalla terra e dal cielo, al di sopra e al di sotto del livello del mare. Mancava dunque, nel suo albo, soltanto il sottosuolo. Ma la ragione non era soltanto questa; ce n’era anche un’altra. Da ragazzo, nell’immediato dopoguerra, nel periodo dell’ex Jugoslavia, Giuricin prese parte alle cosiddette «brigate del lavoro volontario» che a quei tempi venivano inviate in Istria, in maniera organizzata, in aiuto ai minatori, in quanto c’era carenza di manodopera. E Giuricin restò profondamente impressionato dalla solidarietà e dall’incredibile collegialità che contraddistingueva il lavoro in miniera. Ogni minatore non badava soltanto alla propria sicurezza e dell’incolumità del collega più prossimo ma era pronto ad accorrere in aiuto, ad ogni istante, anche tutti gli altri, a costo di rischiare la vita. Un’atmosfera da cameratismo dunque, che difficilmente si riscontra in altri ambienti e in altre situazioni. Fu un’esperienza che affascinò a tal punto Giuricin da indurlo a ritornare in miniera. Questa volta però non più armato di pala e piccone ma di una macchina fotografica, per immortalare per sempre, per sè e per gli altri, quel mondo sotterraneo mistico, eccitante, magico.

Nacque così questo nuovo ciclo di fotografie che giustamente porta il titolo «Il tramonto di un’epoca». Con questo progetto Giuricin ha voluto rendere omaggio a tutti i minatori, ma ha voluto anche onorare i tantissimi minatori scomparsi: dove a perire nel corso delle attività secolari delle miniere istriane furono più di un migliaio. A volte in singoli infortuni, altre volte di immense tragedie; come quella del 20 febbraio del 1940, quando al termine dell’orario di lavoro del turno di notte, si udì una violenta esplosione. Provocò la morte istantanea di 186 e il ferimento grave di altrettanti minatori che in seguito, dopo strazianti e lunghe agonie, morirono in ospedale. Un altro grave lutto si abbatté sui minatori del 1948: in quel fragoroso scoppio i morti furono almeno una ventina. L’esatto numero delle vittime non si seppe mai perchè il regime di allora tentò di minimizzare le conseguenze del tragico evento, considerandolo da una parte come una vergogna e dall’altra come un possibile atto di sabotaggio nemico. Tra le vittime c’era infatti anche un buon numero di prigionieri di guerra tedeschi.

Giuricin deve la sua fama soprattutto per la sua fotografia a colori, le sue sperimentazioni cromatiche, innovative e creative, ma anche profondamente sensitive. Questa volta però, egli ha dovuto forzatamente abbandonare il colore. Nella miniera, dove c’è la preponderanza assoluta e il dominio incontrastato del nero, è risultata più che naturale questa sua scelta monocromatica. Ne ha guadagnato però l’espressività, l’essenzialità e se vogliamo la sincerità del suo racconto. D’altro canto invece, Giuricin è rimasto fedele e conseguente a se stesso ed al suo concetto di immaginare l’immagine. Rivivendo la vita in miniera e condividendo con i minatori la sorte si è immedesimato del tutto con la realtà e ai minatori ha effettivamente tastato il polso. Ha potuto farlo perchè, già partendo da casa per recarsi da Rovigno alla miniera, ha riflettuto a lungo su ciò che voleva. E avendo già deciso, una volta sceso nel sottosuolo non ha dovuto far altro che scattare: era sicuro di sè. Sono nate così ottanta immagini riflettute, ben scelte per rappresentare questo ciclo produttivo così particolare, senza bisogno di ricorrere a mille scatti e a mille provini, come avrebbero fatto al posto suo molti altri fotografi. Si tratta dunque di fotografia estremamente razionale, che non permette nè sorpresa nè improvvisazione, ma nel contempo illustra i momenti salienti di ciò che è oggetto dell’interesse dell’autore: questa particolare attività dell’uomo.

Come conseguenza logica di questo processo razionale e creativo, volendo rendere tutto più reale e d’effetto, Giuricin ha avuto la geniale idea di abbinare alla parte visiva del suo lavoro anche un sottofondo acustico. É riuscito così a registrare grazie all’aiuto dei tecnici, fuori e dentro la miniera, tutti i suoni caratteristici per questo duro lavoro. Ricorrendo all’uso di utensili del mestiere ha inoltre realizzato delle installazioni. Tra queste è particolarmente espressiva quella che porta il titolo «Luce nelle tenebre», che esprime fedelmente la sensazione del buio della miniera e nel contempo la forza sovrumana del minatore che riesce a superare ogni difficoltà.

Oggi tutto ciò che Giuricin ci fa vedere e udire appartiene al passato. Nelle miniere albonesi sono ritornate le tenebre e l’acqua ha invaso tutte le gallerie. Quel che rimane è questa fedele e creativa documentazione di Giuricin che, con questo suo nuovo ciclo, si ripropone ancora, chissà per quale volta, da grande, esclusivo fotografo istriano e da artista polivalente e completo. Questo progetto di Giuricin rappresenta una preziosa, autentica e irripetibile testimonianza di un’attività industriale che fu estremamente importante per l’Albonese e che oggi non esiste più per cui la sua è un’impresa che assume anche maggior valore poiché indica, in modo dignitoso e convincente, la maniera più adeguata da seguire per salvaguardare e valorizzare perennemente il ricco patrimonio minerario albonese.

Tullio Vorano

***

Note biografiche dell’Autore:

VIRGILIO GIURICIN, MFIAP, HonEFIAP

Virgilio GIURICIN, ULUPUH, MFIAP, HonEFIAP. Artista – Fotografo – Gallerista è nato nel 1934 a Rovigno d’Istria (Croazia). Ha conseguito la maturità della Scuola media tecnica ed ha concluso la Scuola d’arte applicata (fotografia e design) a Torino.

Si occupa di fotografia sin dalla prima giovinezza ed espone dal 1952. Cronista fotografico da oltre tre decenni, ha collaborato con foto, presentazioni e articoli con il quotidiano in lingua italiana “La voce del popolo”, con la rivista “Panorama” della Casa editrice “EDIT” di Fiume (Croazia) e, con l’emittente televisiva TV Koper di Capodistria. Dal 1973 al 1976 è stato caporedattore responsabile del mensile “Sottolatina” di Rovigno. Dal 1971 al 1978 ha lavorato presso il Museo Civico di Rovigno con la mansione di segretario e fotografo documentarista.

Dal 1979 Virgilio GIURICIN si occupa professionalmente di fotografia e design industriale.

Ha pubblicato oltre 120 cataloghi di mostre. Nel 2008, grazie al suo contributo e progettazione grafica realizza il libro di fotografia “Maîtres FIAP Masters”, dove sono pubblicate le opere fotografiche di 130 autori maestri della Fédération Internationale de l’Art Photographique.

Giuricin è membro della Colonia Artistica di Rovigno, di cui è stato presidente dal 1975 al 1978.

Nel 1989, in onore del 150º anniversario della nascita della fotografia, è stato selezionato a presentare la (ex) Jugoslavia all’esposizione mondiale “FOTO – CINE” che si è svolta al Museo d’Arte Moderna “Georges Pompidou” di Parigi.

Per la sua attività fotografica e quella organizzativa la FIAP gli ha concesso i seguenti riconoscimenti: AFIAP nel 1983, ESFIAP nel 1993, EFIAP nel 1996, MFIAP nel 2005 e HonEFIAP nel 2008.

Nel mese di febbraio del 2005 è stato convocato dal Comitato Organizzatore dell’esposizione “Pietra d’Istria” quale autore di rappresentazioni ambientali e paesaggi. L’esposizione è stata realizzata nel mese di giugno 2005 a Trieste nel Museo di Canal Grande in collaborazione tra il Ministero per i Beni Culturali e l’Università di Trieste.

Egli nel 1985 è il fondatore della Photo Art Gallery “Batana” di Rovigno dove ha allestito oltre 300 mostre personali e collettive di autori affermati in tutto il mondo; ha realizzato e allestito 20 saloni internazionali e organizzato 5 convegni internazionali.

Nel 1990 ha fondato il Centro Arti Visive (CAV) “Batana” di cui è presidente.

Fino ad oggi ha allestito 154 mostre personali in 79 diverse città di 24 stati. Ha partecipato a 616 mostre collettive, di cui 178 nazionali e 438 internazionali in 62 diversi stati.

Per la sua attività espositiva gli sono stati conferiti più di 160 premi e riconoscimenti.

Nel 2007, Il Presidente della Repubblica Giorgio Napolitano, gli ha conferito l’onorificenza di “Cavaliere della Repubblica Italiana”, per la sua pluriennale attività artistica e meriti conseguiti alla costante promozione dell’Arte fotografica Italiana nel mondo.

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Comune di Firenze
Consiglio di Quartiere 3
Comunicato Stampa con preghiera di pubblicazione e diffusione.

A1 / Effetto Cantiere
Mostra fotografica sulle trasformazioni del Territorio
nelle aree di Cascine del Riccio e del Galluzzo (2008-2009)

Un progetto Deaphoto Staff in collaborazione con
Consiglio di Quartiere 3 – Commissione Politiche del Territorio

Si inaugura Sabato 23 Maggio alle ore 18 presso il C.R.C. “Le Cascine del Riccio” a Firenze, A1/ Effetto Cantiere. La mostra fotografica presenta 16 immagini a colori formato cm 50×70 che documentano le trasformazioni del Territorio di Cascine del Riccio e del Galluzzo in seguito ai lavori di ampliamento dell’A1 nel tratto di Firenze Sud dal 2008 fino al primo semestre del 2009. Il Progetto, nato dalla collaborazione dell’Associazione Culturale Deaphoto con la Commissione Politiche del Territorio del Consiglio di Quartiere 3 del Comune di Firenze, intende monitorare lo stato di progressivo avanzamento dei lavori ed il loro impatto ambientale. L’analisi fotografica procederà attraverso la realizzazione di una serie regolare di reportage e mostre sulle aree interessate (con la creazione parallela di un archivio fotografico in progress) in modo da sensibilizzare la collettività verso le problematiche del rispetto e della tutela ambientale. Una volta stabilite le aree e gli obbiettivi della ricerca gli otto fotografi del Deaphoto Staff si sono mossi liberamente, sulle zone loro affidate, alla ricerca di punti di vista che mettessero in evidenza le modifiche del territorio. Confidando nella capacità culturale e professionale e nella esperienza e sensibilità ambientale nella lettura degli spazi (maturate in precedenti campagne di documentazione) i fotografi Deaphoto hanno raccontato la loro esperienza sul campo, la loro relazione con il paesaggio, depositando in immagine la visione personale di un’importante trasformazione in atto.

Sandro Bini > Martin Rance > Giovanni De Leo > Simone Cecchi > Filippo Brinati
Paolo Contaldo > Michelangelo Chiaramida > Lorenzo Rugiati
23 Maggio – 14 Giugno 2009

C.R.C. “Le Cascine del Riccio”
Via Ponte a Jozzi 1 – Cascine del Riccio – Firenze. Tel 055209032 – www.crclarinascente.it – rinascente1@virgilio.it Orari di apertura: Mar > Ven 7-19 – 20,30-24. Sab 8-12,30 – 14-24 / Dom 8-12,30 – 14-19 – 20,30-24

Inaugurazione Sabato 23 Maggio ore 18-20

Info > Consiglio di Quartiere 3 – Ufficio Territorio.
Via Tagliamento, 4- 50126 Firenze /Tel 055 – 2767721 – v.vieri@comune.fi.it

________________________________________
ASSOCIAZIONE CULTURALE DEAPHOTO / Didattica e Progettazione fotografica
Via Pisana 224r – 50143 Firenze – Tel fax 0550517721 – Cell. 3388572459
www.deaphoto.it – deaphoto@tin.it

PRESENTAZIONE DEL PROGETTO

A cura di Luciano Pecci
Presidente della Commissione Politiche del Territorio
Consiglio di Quartiere 3 – Comune di Firenze
Il territorio del Quartiere 3 del Comune di Firenze è oggetto e lo sarà per anni, insieme ai Comuni contermini di Bagno a Ripoli, Impruneta e Scandicci di grosse trasformazioni infrastrutturali derivanti dalla realizzazione della terza corsia autostradale e delle relative opere connesse. In particolare il Quartiere sarà coinvolto nelle aree interessate dalla realizzazione dei by pass del Galluzzo e di Cascine del Riccio. Le lavorazioni nell’area del Galluzzo si sono sviluppate con l’area di cantiere nella vallata su Via delle Bagnese per poi iniziare su vari fronti gli imbocchi dei tratti di galleria, fino agli innesti su via Senese e allo svincolo Firenze Certosa. Nell’area di Cascine del Riccio sono stati realizzati un grande insediamento con gli alloggiamenti per gli operatori, un nuovo ponte sul fiume Ema e sono iniziate le opere di riempimento della Cava di Monteripaldi – dove rimane ancora ben visibile l’abbattimento indiscriminato dei cipressi prima presenti sul crinale della cava.

Tutte le lavorazioni in corso e in contemporanea hanno portato il Quartiere 3, in questi anni ad istituire per l’Amministrazione Comunale di Firenze un tavolo di concertazione, aperto ai soggetti interessati dalle opere, compresi anche i cittadini, per un monitoraggio costante sulla realizzazione che sta progressivamente e costantemente modificando il territorio. Tale situazione ha sviluppato nella sensibilità dei consiglieri del Quartiere e dei componenti la Commissione Politiche del Territorio, la volontà di intraprendere un monitoraggio fotografico sugli effetti delle modificazioni in atto sul territorio e sull’ambiente circostante nel graduale avanzamento delle opere di trasformazione e fino al loro completamento.

Dal 2007 il Quartiere 3 ha sviluppato un progetto di analisi sull’impatto ambientale a monitoraggio dell’ampliamento autostradale e della costruzione dei by pass, nelle zone del Galluzzo e di Cascine del Riccio, con la collaborazione della Associazione Culturale Deaphoto e con la quale intendiamo, attraverso ricognizioni fotografiche periodiche sul territorio, costituire un archivio sul progressivo stato di avanzamento dei lavori, da presentare periodicamente attraverso mostre fotografiche pubbliche con una serie di immagini selezionate. L’iniziativa potrà anche attraverso il coinvolgimento delle scuole sensibilizzare oltre la collettività anche i più piccoli, verso le problematiche del rispetto e della tutela ambientale, da perseguire anche e soprattutto nella realizzazione delle grandi opere infrastrutturali.

Una selezione del lavoro realizzato nel 2008 più la prima parte del lavoro del 2009 sarà presentato in una mostra fotografica che sarà inaugurata Sabato 23 Maggio alle ore 18 presso il C.R.C. “Le Cascine del Riccio”, si spera così di promuovere un particolare interesse nella cittadinanza in modo da proseguire anche nel futuro il percorso avviato di monitoraggio fotografico sul territorio, magari con un contributo da parte degli stessi soggetti attuatori dell’opera. L’iniziativa del Quartiere intende documentare le opere fino alla loro conclusione, da raccogliere in una pubblicazione finale di fotografie e commenti sugli “Effetti Cantiere”, derivanti dalle modificazioni del territorio e dell’ambiente. Invitiamo pertanto tutti i cittadini a trasmettere eventuale documentazione fotografica e commenti alla Segreteria della Commissione Politiche del Territorio del Quartiere 3 , che potrà così costituire il punto di raccolta del materiale , propedeutico alla pubblicazione conclusiva.
PRESENTAZIONE CRITICA DELLA MOSTRA

di Francesca Ronconi
Sono secoli che l’uomo in Toscana allinea viti e cipressi, coltiva olivi e traccia con cura le linee dei fossi. Quel paesaggio che viene celebrato come espressione armoniosa della natura, è costruito dall’intreccio tra attività umane e forze e colori della flora e della fauna. L’ambiente è fatto tanto dai girasoli quanto dagli operai o dai contadini, che lo attraversano e costruiscono in esso case e relazioni, che li vincolano agli elementi naturali e agli altri abitanti. La mobilità moderna si rivela subito nella tangibilità delle strade, che la incanalano e la supportano. L’asfalto è un segno pesante che copre l’erba e apre la via alla velocità, consente fitti transiti che spesso non guardano cosa lasciano di lato al loro passaggio. Attraverso i cantieri gli uomini decidono di mutare gli equilibri stabiliti fino ad allora con il territorio in oggetto. Oltre a modificarli nelle forme, intervengono nelle visioni e nelle percezioni della zona. Un tunnel contamina le leggende di una valle con quelle dell’altra, gli spiriti dei luoghi si fondono e a volte vengono dimenticati. Lo staff dei fotografi Deaphoto si inserisce nella negoziazione delle proporzioni della presenza umana rispetto agli elementi naturali, accompagnando il fiorire di un mutato valore estetico. Nuove superfici si preparano ad essere esplorate dallo sguardo, e non solo a lavori conclusi. Anche la fase di intervento diventa oggetto di osservazione e documentazione, si scoprono l’autoironia dei suoi cartelli, le espressioni degli automezzi e quell’arancione che avverte e ricorre. I materiali indistruttibili, le geometrie essenziali della contemporaneità compongono nuovi immaginari che si innestano nella trasformazione in atto. La fotografia si rivela uno strumento per scoprire e completare il disegno dei segni prodotti da questo processo. I paesaggi dell’esperienza evolvono con ritmi variabili, talvolta traumatici, oppure con la calma che rende partecipi gli abitanti di quanto sta avvenendo. Ogni sviluppo incontra entusiasmi e timori, comunque quando una mattina si rannuvola e inizia a piovere, sia la terra che l’asfalto si bagnano e cambiano odore.

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Venerdì 20 Marzo 2009 alle ore 20,00 sara inaugurata la Mostra Fotografica Personale di Walter Gaberthuel di Roma dal titolo “Vedute e Visioni” presso la Galleria FIAF – Le Gru (Corso Vitt. Emanuele,214) di Valverde (CT).

La mostra, alla presenza dell’Autore, sarà presentata da Giuseppe Fichera (Presidente del G. F. Le Gru), da Enzo Gabriele Leanza (Consigliere Nazionale FIAF), da Santo Mongioì (Delegato Regionale FIAF) e da Pippo Pappalardo (Critico Fotografico); la stessa sarà possibile visitarla tutti i venerdì e lunedì fino al 6 Aprile 2009 dalle ore 20,00 alle ore 21,30.

Ulteriori informazioni sull’attività del Gruppo su www.fotoclublegru.it

Di seguito il a cura di Pippo Pappalardo (Docente DAC – Critico Fotografico)

Vedute e Visioni

Spesso, la mia insegnante di cinematografia mi sottoponeva alla lettura di un’immagine e m’invitava a leggere tutta la composizione che stava racchiusa nel quadruccio: leggere la storia che vi era raccontata, le persone citate, le cose e le fantasie che stavano lì incorniciate. Infine, come se non bastasse, pretendeva che le rivelassi immediatamente l’impressione ricevuta, d’adesione o di disagio che fosse.

“Come posso fare tutto questo e così rapidamente?” le chiedevo

E lei “Ce li hai questi benedetti occhi? Ed allora segui tutto ciò che trovi finché non vedrai e sentirai, misteriosamente e da qualche parte, la presenza di qualcuno o qualcosa che viene incontro al tuo sguardo”.

Negli anni non sempre ho rispettato questa regola, anzi, assai spesso l’ho ignorata.

Troppe volte mi sono rifugiato nel giudizio accademico, nell’intuito; però lei, la regola, torna a volte inaspettatamente e m’invita in girotondi visivi, facendo danzare i miei occhi fino a quando anche le orecchie avvertono le note della danza.

Così accade con le immagini di Walter, da me conosciuto tanti anni fa in quel santuario della fotografia che è il paesino di Scanno, in Abruzzo (e rivisto in Acireale, sempre appassionato e, posso dirlo, sempre più italiano e sempre meno svizzero).

Provate anche voi. Prendete la fotografia di un paesaggio, uno dei tanti che Walter reinventa dopo averli trovati con cura e ripresi con affetto.

Cominciate ad annotare come dispone sui vari piani gli elementi della composizione, quasi una sorta di squadratura del fotogramma e predisposizione geometrica all’ordine.

Annotate poi con quanta parsimonia (ma altrettanta raffinata disponibilità) utilizza i grigi, gestendoli ed orchestrandoli per la visione finale.

Seguite, ancora, la costruzione di questa visione raccogliendone le sfumature perché proprio lì, sulla linea invisibile del confine cromatico, ha piazzato la nota emotiva.

Infine, se avete esaurito la ricognizione degli elementi compositivi, accingetevi a rintracciare quelli espressivi (meglio se lo fate contemporaneamente) e, quindi, ripercorrete il senso della sua proposta che vi risulterà assai lontana dalla documentazione e, piuttosto, assai propensa a nascondersi dietro un registro stilistico (insistente l’uso dell’infrarosso) oppure dietro il volto della natura o del tempo.

Se avrete fatto questo viaggio nell’attimo di Gaberthuel, sarete entrati silenziosamente e senza fatica tra le “vedute e le visioni” del nostro amico e sarete in contatto con quel qualcosa o qualcuno che vi viene incontro, e di cui cennavamo sopra. E sarà, di volta in volta un’idea artistica, un simbolo, un contrasto, un’illuminazione, una rivelazione, una preghiera, un sentiero, una storia, un fantasma, una magia, un’attesa, una stazione, una stagione e “la presente, e viva, e il suon di lei”. Si, come in Leopardi, tra questi quadrucci, sarà dolce naufragare.

In quest’attitudine e capacità di trasformare la veduta in visione, e, quindi da un dato materiale far fiorire un elemento poetico, certamente spirituale, sta il sentimento visivo del Nostro.

Il suo risultato fotografico, come in certe pitture giapponesi, non si presta alla ricognizione di quell’albero, di quella nuvola, di quel profilo collinare o di quel silenzio. Ogni fotografia di Walter vuole, di queste cose, restituirci l’atmosfera e, quindi, raggiungere l’idea dell’albero, della nuvola, del sentiero.

Si obbietterà che l’uomo e la donna non vivono solo nell’atmosfera e nell’idea delle cose quanto, e piuttosto, nella storia che è fatta di vicende ed accadimenti.

Ed allora, dico io, vi siete persi qualcosa. Tornate a guardare e vi accorgerete che il campo è coltivato, l’ulivo curato, la vigna pulita, il frumento maturo, il fieno raccolto. L’uomo, con i suoi giorni, c’è e ci sta tutto. Ci sono i suoi lavori, il frutto della sua fatica, ci sono perfino i suoi simboli, ma……. bè, avete ragione anche voi, perchè le case sembrano vuote, fantasmatiche, nessun filo di fumo, troppo silenzio.

Ed allora, consentitemelo, io ritorno alla regoletta e divento più attento, e aspetto finché qualcosa non viene in soccorso. Forse è l’anelito di una domanda quello che mi giunge, una provocazione, un invito a capire di più?

Non so per voi, ma per me sta tutto qui la bellezza della fotografia: domandare e rispondere, cercare e trovare nella realtà immagini esplicative dei nostri bisogni.

Esaurito l’esame del referente, quindi, in questa mostra abbiamo avuto bisogno di altro ancora per avere ragione dei risultati fotografici del nostro svizzerotto: abbiamo dovuto ricorrere a domande del tipo “perché fai questo”, oppure “che senso ha questa fotografia”. Ed abbiamo dovuto convenire che abbandonando la veduta materiale ci si è rivelata la visione.

Concludiamo con una domanda: forse perchè l’infrarosso intercetta il calore delle cose è così tanto amato dall’amico Walter?

Ma, se la poniamo in metafora, non è il calore ciò che cerchiamo?

Pippo Pappalardo

***

Note biografiche dell’Autore:

WALTER GABERTHUEL, EFIAP, PPSA

Nato in Svizzera nel 1948 ha incontrato casualmente la fotografia, dopo essere stato negli anni giovanili un atleta di buon livello. Proprio durante i suoi viaggi in Italia, dove ha conosciuto la moglie, la fotografia si è cristallizzata come la sua nuova profonda passione. Da quindici anni l’Italia è diventata anche la sua seconda patria a seguito del trasferimento con la famiglia a Roma.

Dal 1980 partecipa con successo a Saloni Nazionali ed Internazionali, dove ha conquistato numerose medaglie (p.e. a Hong Kong, Stati Uniti, Canada, Inghilterra, Singapore, Andorra, Spagna, Romania, Austria ecc.) oltre ad attestati, diplomi, onorificenze e può vantare più di 1500 foto ammesse in tutto il mondo. Per le sue opere, la Federazione Int. d’Arte fotografica (FIAP) gli ha conferito i titoli di “Artiste FIAP” nel 1986 e “Excellence FIAP” nel 1990. Nel 2000 ha conseguito con l’Italia la Coppa del mondo in bianconero alla Biennale FIAP, e nel 2001 ha ripetuto il successo sia con la Nazionale, sia come miglior autore assoluto nella categoria foto a colori. La PSA (Photographic Society of America) lo ha insignito nel 2005 del titolo “PPSA” (Proficiency) e nel 2007 di quello di “Photo-Journalist I”. Dal 1990 ha partecipato con grande successo di pubblico e critica a mostre personali e collettive:

1990 Berna (Svi)

1991 Pergola (PS), Thun (Svi), Castelleone di Suasa (PS), Kehrsatz (Svi)

1996 Albano Laziale, Gubbio, Chieti, Berna (Svi)

1997 Roma, Gubbio, Sulmona, Val Concei (TN), Pakistan

1998 Chieti, Thun (Svi), Catania, Imperia, Senigallia, Rovereto, Albano Laziale

1999 Catania (Grammichele), Città S. Angelo, Cava dei Tirreni, Calenzano

2000 Munsingen (Svi)

2001 Zagreb, Lucca, Pergola

2002 Brescia, Serra S. Quirico, Sassoferrato, Tubice (B)

2003 Offringen (CH), leper (B), Sassoferrato

2004 Goirle (NL), Latina, Limours (F)

2005 Iraclio (GR), Atene (GR), Mezzolago, Bezzecca

2006 Amsterdam (NL), La Gacilly (F), Tilburg (NL), Pisa

2007 Mouscron (B), Valverde, Lucca

2008 Munsingen (CH), Monterolo, Jinan (Cina)

Walter Gaberthuel è autodidatta. Ama approfondire per migliorare le possibilità tecniche ed espressive delle proprie opere. Con questo spirito ha partecipato ad alcuni Workshops (con i maestri Mario de Biasi, Rene Burri, Ferdinando Scianna, Frank Dituri, Lynn Saville, Jill Hartley ecc.).

L’artista, in primis, è attratto dai paesaggi, particolarmente in infrarosso, e dallo sport. Molte sue opere sono state pubblicate in Svizzera, Germania e Italia in riviste, settimanali, giornali, manuali fotografici.

Nel 2001 è stato pubblicato il suo primo volume di fotografie in bianco e nero del titolo “Vedute e Visioni” in italiano e inglese con poesie di Timur Lenk.

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Sabato 7 Marzo ore 17:30
la Feltrinelli | International - Via Cavour 12r / FIRENZE

Simona Guerra, Mario Giacomelli. La mia vita intera (Bruno Mondadori).
Senigallia; l’autunno dell’anno 2000; ore ed ore passate riordinando fotografie nello studio di Mario Giacomelli; la voce del fotografo registrata su un vecchio nastro di cattiva qualità. Questo è ciò che il libro racchiude: l’ultimo lungo racconto che di sé stesso e della sua opera Giacomelli ha lasciato. Curato da Simona Guerra, il lungo lavoro di adattamento letterario di nastri audio permette di avere questa straordinaria testimonianze sull’uomo, prima di tutto, e sul fotografo conosciuto e apprezzato in tutto il mondo.

Alessandra Mauro, Mario Giacomelli. La figura nera aspetta il bianco (Contrasto).
Un lungo viaggio nelle fotografie di Mario Giacomelli: ecco cosa propone al lettore questo importante volume che continua la serie dei “grandi classici della fotografia” di Contrasto. Tutta l’arte di Giacomelli, la sua intima e profonda poesia, si ritrova in queste pagine. Ma il libro non è solo una carrellata di splendide immagini. Una sezione riporterà le diverse “serie fotografiche”, così come le aveva concepite e volute Giacomelli, mentre in una terza sezione otto diversi saggi di importati autori internazionali affronteranno i tanti affascinanti aspetti della poetica di Giacomelli.

MARIO GIACOMELLI. Nato a Senigallia nel 1925, inizia a lavorare a 13 anni in una tipografia. Nel 1952 compra una macchina fotografica e scatta la sua prima immagine, “L’approdo”. Da allora, fotografo non professionista per scelta, si dedica alla creazione delle sue intense serie fotografiche: la vita d’ospizio, i paesaggi, Scanno, il mondo contadino. Nel 1953 entra a far parte del gruppo fotografico Misa e nel 1956 de La Bussola. Dal 1955 comincia a ottenere riconoscimenti e a esporre in Italia e all’estero. Le sue opere fanno parte di collezioni pubbliche e private di tutto il mondo. Muore a Senigallia nel 2000.

Simona Guerra Si occupa di catalogazione e archiviazione della fotografia. Colabora con alcuni tra i maggiori archivi fotografici italiani. Nel 2000 ha lavorato con Giacomelli al primo riordino del suo archivio fotografico di Senigallia e, in occasione della grande retrospettiva di Giacomelli (Roma, al palazzo delle Esposizioni, gennaio 2001), ha curato testi introduttivi alle serie fotografiche del catalogo. Ha pubblicato fra l’altro, Parlami di lui. Voci su Mario Giacomelli (Mediateca della Marche, Ancona, 2007).

Alessandra Mauro. Direttore artistico di Forma, Milano e direttore Editoriale di Contrasto. Insegna Storia della Fotografia all’Università Suor Orsola Benincasa di Napoli.

Sandro Bini. Fotografo, docente di fotografia, critico fotografico, curatore, è  fondatore e Direttore responsabile di Deaphoto, Associazione Culturale che si occupa di didattica, progettazione e documentazione.

Michelangelo Chiaramida. Fotografo, membro del Deaphoto Staff è coordinatore dei progetti espositivi e degli eventi culturali Deaphoto (Deaphoto Expo).

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Galleria Marconi presenta
Marche Centro d’Arte

con
Marco Bernacchia – Francesca Gentili

testi di
Elvira Vannini – Maurizio Coccia

L’inaugurazione si terrà domenica 22 febbraio alle 18:00
La mostra termina il 22 marzo
La Galleria Marconi è aperta tutti giorni dalle 16.00 alle 20.00, esclusa la domenica

Dopo il successo del primo appuntamento di Marche Centro d’Arte, con la collettiva che ha presentato i lavori di Roberto Cicchinè, Daniele Duranti, nardiescopetta e Rita Soccio, alla Galleria Marconi di Cupra Marittima proseguono gli appuntamenti del ciclo sull’arte marchigiana, all’interno della rassegna Gallerista sull’orlo di una crisi di nervi.
Marche Centro d’Arte prosegue domenica 22 febbraio alle 18.00 con la doppia personale di Marco Bernacchia e Francesca Gentili, che saranno curati, rispettivamente da Elvira Vannini e Maurizio Coccia.
La doppia personale è la seconda tappa di un ciclo di tre mostre dedicate ai fermenti dell’arte marchigiana intitolato: Marche Centro d’Arte. Lo scopo della rassegna è mostrare la vivacità delle produzioni artistiche che ci sono nella regione, una regione in cui convivono pluralità e singolarità, a partire dallo stesso nome, Ogni artista ha una sua peculiarità, che rende interessante il suo percorso di ricerca, una voce che unendosi alle altre, che emergono dal territorio, dà vita a un mosaico ricco vivo e vivace.

“Fotografia, scultura e installazioni ambientali come dispositivi per sondare le zone di interazione tra lo spazio, l’architettura naturale e gli interstizi della realtà, spesso articolati in una dimensione performativa: così si sviluppa la pratica artistica di Marco Bernacchia, intrecciata alla ricerca sonora della scena indipendente che attraversa la sua attività musicale. Le sue installazioni sono quasi degli oggetti d’affezione, degli assemblages innestati con elementi naturali e artificiali in una commistione eterogenea: quasi una post-natura contaminata dal sonoro che si intreccia col dato naturale fino ad assorbirlo. Ogni progetto di Marco Bernacchia che lavora sempre in termini site-specific, assume gli estremi del linguaggio plastico: è micro ma con una declinazione ambientale, è modulare e al tempo stesso non mai è riproducibile.
L’impiego del suono come strategia di spazializzazione diventa un processo di appropriazione del tempo, dello spazio, della realtà: la natura è assorbita come ambiente primario mentre amplifica la nostra zona d’ascolto. I prelievi naturali, il verde, le piante, i rami mixati con oggetti defunzionalizzati cambiano il senso delle cose: la post-natura, creata dall’artista, diventa allora una presenza oggettuale, un campo d’azione, reale o immaginario, che può innescare un processo di cambiamento della struttura sociale in una nuova forma di autoproduzione parallela ai circuiti mainstream dell’arte e della scena musicale”. (Elvira Vannini)

“La ricerca di Fratesca Gentili si è sviluppata in due direzioni complementari: l’analisi della figura umana e l’esame del linguaggio scelto per rappresentarla, la pittura. Ad una progressiva riduzione formale corrisponde l’affinamento dei mezzi stilistici. Qui la rappresentazione si concentra sugli sguardi. La frontalità dei soggetti conferisce loro solennità ieratica. La figura umana si impone allo spazio. L’atmosfera è asettica e gli sfondi anonimi. Resta lo sguardo. La linearità, ancora animale, dello sguardo. Un misto di natura e sentimento, amplificata dal trattamento pittorico, vibrante, sonoro, dai toni perlacei.
Sono lavori impostati su un riuscito bilanciamento/contrasto di storia e progetto, di austerità iconografica e intensificazione emotiva. Volti assorti, prossimi all’evanescenza; effigi appannate dal tempo. Monito doloroso, presa d’atto di una scadenza irrimediabile”. (Maurizio Coccia)

Gallerista sull’orlo di una crisi di nervi
Che cosa accade quando all’improvviso dalla galleria scompare la bevanda caratteristica, quando si cominciano a cercare bibite alternative, perché nel punto vendita dove ci si rifornisce, quella preferita è scomparsa? Quando il gallerista torna con la spesa e la faccia sconsolata, perché sa che anche stavolta non è riuscito a trovare il ginger.
Un senso di vuoto e tristezza riempie la galleria e quanti lì passano anche solo per un saluto cinque minuti di chiacchiere una sigaretta.
Intanto il giorno della mostra si avvicina e il panico diventa generale, perché si avverte che senza ginger non sarà la stessa cosa. Una fredda sera di gennaio, però, arriva la soluzione e una bottiglia di ginger acquistata in un altro negozio, frizzante amaro rinfrancante.
Allo stress di una mostra, collaboratori di vario tipo aggiungono stress, ritardi, piccole/grandi inefficienze che un povero gallerista si trova a dover affrontare, perdendo i capelli e/o facendosi venire i capelli bianchi. Eccolo buttarsi su massicce dosi di tachipirina per affrontare l’immancabile febbre pre-mostra, mettersi ai fornelli per preparare pasti con innumerevoli portate e quantità capaci di sfamare interi reggimenti, eccolo infine perdere l’attimo atteso ogni giorno come la manna dal cielo: il riposino pomeridiano. Una vita dura fatta dalle piccole insoddisfazioni di ogni giorno e dalle grandi soddisfazioni di ogni mese.
Gallerista sull’orlo di una crisi di nervi è l’omaggio a quella cosa bellissima ed entusiasmante che è l’organizzazione di una mostra, cosa bellissima, ma anche snervante e stancante. Ecco che aumenta il numero delle sigarette fumate fuori dalla porta, ecco che i chiodi e le viti si accumulano sul pavimento. Poi si inaugura, si parla, si ride e il giorno dopo si pulisce. Questa è la “tragica” routine che accompagna la vita di un gallerista. Ma non bisogna dimenticare però la bellezza di una mostra, il piacere di una chiacchierata con gli amici, l’emozionarsi sempre nuovo che ripaga da ogni affanno. I rapporti umani, e non solo professionali, con artisti, critici e curatori, sono il vero collante dell’attività e il motore che rende sempre nuova la voglia di andare avanti.
Solo un grazie a chi ci permette di poter seguire ed apprezzare il mondo dell’arte nel suo continuo movimento.

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Paolo Novelli

“L’essenziale (1997-2007)”

Presentazione a cura di Melania Gazzotti

Modena, Galleria MOdenArte

8 marzo – 9 maggio 2009

Inaugurazione: sabato 7 marzo alle ore 18,00

La Galleria MOdenArte inaugura il nuovo anno nel nome della fotografia. E dal 7 marzo, nei suoi locali di Modena, presenta la mostra del giovane fotografo Paolo Novelli L’essenziale (1997 – 2007): quarantotto opere in b/n, una selezione della sua produzione degli ultimi 10 anni, suddivisa in quattro sezioni con opere appartenenti ad altrettanti progetti sin qui pubblicati dall’autore.

Oltre ai primi lavori dei progetti Persona e Niente più del necessario, la mostra modenese propone immagini tratte dalla Trilogia della decadenza: una personale ricerca legata metaforicamente all’uomo contemporaneo, stigmatizzato in tre dei suoi aspetti, ognuno diventato tema di un ciclo: la fragilità, la solitudine interiore e l’essere nascosto. La trilogia, iniziata nel 2002 con Vita brevis, Ars Longa, prosegue nel 2004/2006 con Grigio notte e termina nel 2007 con un ciclo di opere ancora inedito.

L’esposizione, a cura di Melania Gazzotti, evidenzia in particolare l’ampiezza qualitativa e la natura eclettica del percorso artistico dell’autore: ogni progetto si concentra, infatti, su un ambito differente della fotografia. Si passa dalla sarcastica ed ambigua fotografia di strada in presa diretta di Persona, alle immagini razionali di interni di Niente più del necessario ed ancora, dagli eloquenti ed intensi ritratti di sculture funerarie di Vita brevis, Ars Longa alle enigmatiche vedute notturne della nebbia padana di Grigio notte.

Le immagini di Novelli, da sempre realizzate con mezzo analogico e accuratamente stampate a mano, sono caratterizzate da una singolare ricerca estetica, frutto dell’incontro tra essenzialità, sintesi, minimalismo ed evocazione poetica.

Nel corso di questi dieci anni, Novelli è riuscito a distinguersi nel panorama giovanile italiano, attraverso un’attenta ed impegnativa realizzazione tecnica delle immagini, finalizzata ad ottenere inusuali risultati estetici, lontani dalla comune documentazione fotografica, ma al contrario legati alla volontà d’imporre una fotografia soggettiva e intimista, guidata unicamente dal personale punto di vista del fotografo.

Novelli ha saputo proporre singolari ritratti di statue, concentrandosi sullo studio della luce naturale, sul chiaro/scuro e la sfocatura del soggetto; ha intrapreso difficili tentativi di rappresentare la dinamicità della nebbia notturna e la scala dei grigi da essa prodotta; ha abbracciato “il momento decisivo” della fotografia istantanea, rubata al quotidiano, senza fare del reportage; si è soffermato infine sulla riduzione del contenuto dell’immagine, per ottenere una fotografia statica e minimalista, dalla “lettura aperta” ed emblematica (serie Never beyond – 2006).

La galleria Modenarte, oltre a confermare il proprio vivo interesse per la fotografia contemporanea, dopo le mostre personali tematiche di Novelli nella sua sede di Iseo, è lieta oggi di presentare in modo più esteso ed articolato questo giovane e promettente autore; un autore che, all’interno della classicità della fotografia in b/n, è riuscito a ritagliarsi un interessante ed apprezzato campo d’azione.

Paolo Novelli

Paolo Novelli, nato nel 1976, ha pubblicato ad oggi quattro monografie, presentate tra gli altri da Lanfranco Colombo (pionere della fotografia d’arte in Europa con la celebre galleria “Il Diaframma” di Milano) e da Melania Gazzotti (curatrice indipendente e collaboratrice del Museo MART di Rovereto e della Fondazione Berardelli di Poesia Visiva di Brescia); nel 1999 inoltre è invitato da Fabrica (agenzia di giovani creativi di Benetton, allora diretta da Oliviero Toscani) ad periodo di collaborazione per il progetto “Prayer”.

Diverse le mostre personali: tra le altre, le importanti esposizioni a Palazzo d’Accursio di Bologna (2006), a Palazzo Comunale di Cremona (2005), alla Rocca di San Giorgio di Orzinuovi (2006), oltre alle mostre collettive in spazi pubblici e privati, tra cui le più recenti “Prima Rassegna d’Arti Visive” di Orzinuovi (2008) e “DIECI per CENTO – Dieci artisti contemporanei a Cento” (2008).

Paolo Novelli

L’essenziale 1997 – 2007

7 marzo – 9 maggio 2009

Modena, Galleria MOdenArte, via Toscanini 26

Orario: dal lunedì al venerdì dalle 9 alle 17.30, il sabato dalle 11 alle 18.30, la domenica e i festivi chiusa. Ingresso gratuito

Per informazioni: tel. 059/367470; e-mail infoita@modenarte.com

Ufficio Stampa mostra

Davis & Franceschini – Lea Codognato, Caterina Briganti

Tel. 055/2347273 – Fax 055/2347361

e-mail davis.franceschini@dada.it ; www.davisefranceschini.it

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Marche Centro d’Arte

con
Marco Bernacchia – Francesca Gentili

testi di
Elvira Vannini – Maurizio Coccia

L’inaugurazione si terrà domenica 22 febbraio alle 18:00
La mostra termina il 22 marzo
La Galleria Marconi è aperta tutti giorni dalle 16.00 alle 20.00, esclusa la domenica

Dopo il successo del primo appuntamento di Marche Centro d’Arte, con la collettiva che ha presentato i lavori di Roberto Cicchinè, Daniele Duranti, nardiescopetta e Rita Soccio, alla Galleria Marconi di Cupra Marittima proseguono gli appuntamenti del ciclo sull’arte marchigiana, all’interno della rassegna Gallerista sull’orlo di una crisi di nervi.
Marche Centro d’Arte prosegue domenica 22 febbraio alle 18.00 con la doppia personale di Marco Bernacchia e Francesca Gentili, che saranno curati, rispettivamente da Elvira Vannini e Maurizio Coccia.
La doppia personale è la seconda tappa di un ciclo di tre mostre dedicate ai fermenti dell’arte marchigiana intitolato: Marche Centro d’Arte. Lo scopo della rassegna è mostrare la vivacità delle produzioni artistiche che ci sono nella regione, una regione in cui convivono pluralità e singolarità, a partire dallo stesso nome, Ogni artista ha una sua peculiarità, che rende interessante il suo percorso di ricerca, una voce che unendosi alle altre, che emergono dal territorio, dà vita a un mosaico ricco vivo e vivace.

“Fotografia, scultura e installazioni ambientali come dispositivi per sondare le zone di interazione tra lo spazio, l’architettura naturale e gli interstizi della realtà, spesso articolati in una dimensione performativa: così si sviluppa la pratica artistica di Marco Bernacchia, intrecciata alla ricerca sonora della scena indipendente che attraversa la sua attività musicale. Le sue installazioni sono quasi degli oggetti d’affezione, degli assemblages innestati con elementi naturali e artificiali in una commistione eterogenea: quasi una post-natura contaminata dal sonoro che si intreccia col dato naturale fino ad assorbirlo. Ogni progetto di Marco Bernacchia che lavora sempre in termini site-specific, assume gli estremi del linguaggio plastico: è micro ma con una declinazione ambientale, è modulare e al tempo stesso non mai è riproducibile.
L’impiego del suono come strategia di spazializzazione diventa un processo di appropriazione del tempo, dello spazio, della realtà: la natura è assorbita come ambiente primario mentre amplifica la nostra zona d’ascolto. I prelievi naturali, il verde, le piante, i rami mixati con oggetti defunzionalizzati cambiano il senso delle cose: la post-natura, creata dall’artista, diventa allora una presenza oggettuale, un campo d’azione, reale o immaginario, che può innescare un processo di cambiamento della struttura sociale in una nuova forma di autoproduzione parallela ai circuiti mainstream dell’arte e della scena musicale”. (Elvira Vannini)

“La ricerca di Fratesca Gentili si è sviluppata in due direzioni complementari: l’analisi della figura umana e l’esame del linguaggio scelto per rappresentarla, la pittura. Ad una progressiva riduzione formale corrisponde l’affinamento dei mezzi stilistici. Qui la rappresentazione si concentra sugli sguardi. La frontalità dei soggetti conferisce loro solennità ieratica. La figura umana si impone allo spazio. L’atmosfera è asettica e gli sfondi anonimi. Resta lo sguardo. La linearità, ancora animale, dello sguardo. Un misto di natura e sentimento, amplificata dal trattamento pittorico, vibrante, sonoro, dai toni perlacei.
Sono lavori impostati su un riuscito bilanciamento/contrasto di storia e progetto, di austerità iconografica e intensificazione emotiva. Volti assorti, prossimi all’evanescenza; effigi appannate dal tempo. Monito doloroso, presa d’atto di una scadenza irrimediabile”. (Maurizio Coccia)

Gallerista sull’orlo di una crisi di nervi
Che cosa accade quando all’improvviso dalla galleria scompare la bevanda caratteristica, quando si cominciano a cercare bibite alternative, perché nel punto vendita dove ci si rifornisce, quella preferita è scomparsa? Quando il gallerista torna con la spesa e la faccia sconsolata, perché sa che anche stavolta non è riuscito a trovare il ginger.
Un senso di vuoto e tristezza riempie la galleria e quanti lì passano anche solo per un saluto cinque minuti di chiacchiere una sigaretta.
Intanto il giorno della mostra si avvicina e il panico diventa generale, perché si avverte che senza ginger non sarà la stessa cosa. Una fredda sera di gennaio, però, arriva la soluzione e una bottiglia di ginger acquistata in un altro negozio, frizzante amaro rinfrancante.
Allo stress di una mostra, collaboratori di vario tipo aggiungono stress, ritardi, piccole/grandi inefficienze che un povero gallerista si trova a dover affrontare, perdendo i capelli e/o facendosi venire i capelli bianchi. Eccolo buttarsi su massicce dosi di tachipirina per affrontare l’immancabile febbre pre-mostra, mettersi ai fornelli per preparare pasti con innumerevoli portate e quantità capaci di sfamare interi reggimenti, eccolo infine perdere l’attimo atteso ogni giorno come la manna dal cielo: il riposino pomeridiano. Una vita dura fatta dalle piccole insoddisfazioni di ogni giorno e dalle grandi soddisfazioni di ogni mese.
Gallerista sull’orlo di una crisi di nervi è l’omaggio a quella cosa bellissima ed entusiasmante che è l’organizzazione di una mostra, cosa bellissima, ma anche snervante e stancante. Ecco che aumenta il numero delle sigarette fumate fuori dalla porta, ecco che i chiodi e le viti si accumulano sul pavimento. Poi si inaugura, si parla, si ride e il giorno dopo si pulisce. Questa è la “tragica” routine che accompagna la vita di un gallerista. Ma non bisogna dimenticare però la bellezza di una mostra, il piacere di una chiacchierata con gli amici, l’emozionarsi sempre nuovo che ripaga da ogni affanno. I rapporti umani, e non solo professionali, con artisti, critici e curatori, sono il vero collante dell’attività e il motore che rende sempre nuova la voglia di andare avanti.
Solo un grazie a chi ci permette di poter seguire ed apprezzare il mondo dell’arte nel suo continuo movimento.

The appointments of the exhibitions about Marche art, for the program An art gallery manager on the edge of a fit of nerves, are going on after the successful first appointment of Marche Centre of Art, with the group exhibition that has presented the works by Roberto Cicchinè, Daniele Duranti, nardiescopetta and Rita Soccio.
Marche Centre of Art continues on Sunday 22nd February at 6.00 p.m. with the opening of Marco Bernacchia and Francesca Gentili exhibition, respectively presented by Elvira Vannini and Maurizio Coccia.
The exhibition represents the second step of a cycle of three expositions dedicated to the Marche art with the title ” Marche Centre of the Art”. The aim of this cycle is to show the lively art productions that are in the region, a region where plurality and singularity have always met, starting from the name itself. Each artist has his own peculiarity that makes his interesting research as a kind of voice which, together with the others coming from the same territory, realizes a rich and lively mosaic.

“Photography, sculpture and environmental installations as they were means to check the interaction areas among space, natural architecture and reality, which are often created in a performative dimension: it’s this way that Marco Bernacchia art develops, mixed to the sound research of the independent scene, which goes through his musical activity. His installations are nearly affecting objects, they are compositions made of natural and artificial elements, creating a various mix : as it was a post-nature contaminated by the sound mingling with the natural element till taking it up. Marco Bernacchia always works in a site-specific way and each of his projects takes the plastic language: it’s micro but with an environmental characteristic, it’s a module but at the same time never repeatable.
The use of sound as a strategy to make spaces becomes a process of appropriating time, space, reality: nature is absorbed as a primary habitat, while expanding our listening area. The natural parts, open spaces, plants, branches mixed with objects having different functions, change the sense of things: so the post-nature created by the artist becomes an object presence, a real or imagery field of action. It can start a changing process of the social structure into a new form of self-production like the mainstream art systems or the musical area”. (Elvira Vannini)

“Francesca Gentili research developed into two complementary directions: The study of the human figure and painting, that’s the language she has chosen to represent it. The refinement of her style means goes together with the progressive shape reduction. In her works the creation is concentrated on the glances. The front position of the painted subjects makes them solemn and dignified. The human figure dominates on the space. The atmosphere is aseptic and backgrounds anonymous. The glance is what just remains . The animal simplicity of the glance. It’s a mix of nature and feeling, made amplified by the vibrant and resonant painting treatment with pearly tones.
They are well balanced /contrasted works of story and project, of iconographic austerity and emotional intensification. Absorbed faces nearly evanescent; effigies growing dim with time. Sorrowful warning, a taking note of an unavoidable deadline”. (Maurizio Coccia)

An art gallery manager on the edge of a fit of nerves
What is it going to happen when suddenly the special drink disappear, when you start looking for other drinks, because the favorite one is disappeared in the market we usually buy our food supplying? Then the gallery manager comes back with the shopping and a depressed expression, because he realizes that he couldn’t find his ginger ale this time too.
There is a sense of void and sadness in the gallery and also for the people passing by to say hello, five minutes chatting or a cigarette.
Meanwhile the day of the exposition is getting near and everyone is panic-stricken, because it’s clear that without ginger ale it won’t be the same. Then a cold January evening the solution comes together with a bottle of sparkling, bitter and reassuring ginger ale, bought in another supermarket.
Various collaborators add stress, lags, small/big inefficiencies which the poor art gallery manager must face, losing his hair or better getting it white old. Here he is taking large amounts of medicines to face the certain high temperature before an exposition, here he is in front of the cooker in order to prepare big amounts of meals, able to feed whole armies. Here he is, in the end, losing the daily awaited moment, as it was the manna from heaven: his afternoon snap. A hard life made of the daily small dissatisfactions and of the monthly big satisfactions.
An art gallery manager on the edge of a fit of nerves is a tribute to the very beautiful and fantastic organization of an exhibition, something very beautiful but nevertheless exhausting and tiring. Here he is increasing the number of cigarettes smoked outside the door, while nails and screws are piling up on the floor. Then the opening with all the talking, laughing and at the end the cleaning of the day after. This is the “tragic” routine in the life of a poor art gallery manager. But you shouldn’t neglect the beauty of an exposition, the pleasure of chatting with friends, the always new emotions, that repay for any worries. The human , and not only professional, relationships with the artists, critics and curators, are the real linkage of the activity and the engine that makes the will to go on always new.
We only want to thank the ones who allow us to be able to follow and appreciate the art universe in its continuous movement.

Si ringrazia il

per la cena aperta a tutti a un prezzo in amicizia

scheda tecnica/technical card

testo critico/art critic by Massimo Coccia – Elvira Vannini

ufficio stampa/ press agent Dario Ciferri
traduzione di/translation by Patrizia Isidori

relazioni esterne e promozione delle attività/ external relationship and promotion of activities Stefania Palanca
fotografia/photography Marco Biancucci©
riprese video/video shooting Stefano Abbadini
allestimenti/preparation Marco Croci
progetto grafico/graphic project maicol e mirco
webmaster
dal 22 febbraio al 22 marzo
from 22th february to 22th march
orario: lunedì-sabato dalle 16 alle 20
opening time: Mon-Sat 4 to 8 p.m.

Galleria Marconi di Franco Marconi
C.so Vittorio Emanuele, 70
63012 Cupra Marittima (AP)
tel 0735778703
e-mail galmarconi@siscom.it
web www.siscom.it/marconi

Gentile Signora, Gentile Signore,
ai sensi dell’art. 13 del codice sulla privacy (D.Lgs 196 del 30 giugno 2003), le e-mail informative e le newsletter possono essere inviate solo con il consenso del destinatario.
La informiamo che il suo indirizzo si trova nella mailing list della Galleria Marconi, che fino ad oggi Le abbiamo inviato informazioni riguardanti le nostre attività mediante i seguenti indirizzi e-mail: galleriamarconi@tiscali.it

Sperando che le nostre comunicazioni siano per Lei interessanti, Le assicuriamo che i Suoi dati saranno trattati con estrema riservatezza e non verranno divulgati.
Le informative hanno carattere periodico e sono comunicate individualmente ai singoli interessati anche se trattate con l’ausilio di spedizioni collettive.
In ogni momento sarà possibile chiedere di essere rimossi dall’elenco dei destinatari inviando una e-mail con scritto “CANCELLAMI” in oggetto, all’indirizzo
galleriamarconi@tiscali.it
Una non risposta, invece, varrà come consenso alla spedizione dei nostri messaggi.

Cordiali saluti
Galleria Marconi di Franco Marconi
C.so Vittorio Emanuele, 70
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tel 0735778703